服装品牌风格范文第1篇
关键词：具象思维 异质同构 格式塔心理学 图像学研究 设计思维模型
引言
服装设计学作为一门横跨纺织工程与艺术设计两大学科领域的综合型学科，其研究成果多聚焦在历史文化、风格流派、结构工艺、营销市场等方面。近些年来，随着服装设计教育跨越式的发展，与心理学相关的设计思维研究也渐渐纳入了服装设计学的研究范畴。当下对服装设计方法的理论研究较多着眼于基于作品创作和赏析时的审美经验描述，较少涉及图像学、视觉思维与心理学层面。对服装设计思维的探讨也多集中在灵感来源及元素运用上，并未系统地梳理设计思维背后的设计逻辑及其系统关联。本文拟在格式塔心理学相关理论的基础上，结合图像学的研究方法，以形象思维中的具象思维为创意触发条件的当代典型服装设计作品为研究对象，通过对作品图像的描述、分析和解释，尝试进行视觉意象的推论及造型塑造的阐释，返溯创意源头，打通灵感和创意链接的设计思维通道，探索服装设计思维的构绘路径及诠释方法。
一、具象思维与格式塔心理学在服装设计范畴的语义解读
具象思维和抽象思维相对，是以具体的事物和形象为思维内容的思维形态，是形象思维的一种。服装设计中的具象设计思维，是指设计师在构思、创作的过程中始终伴随着某些具体事物的形象、通过联想和想象，透过其显著特征把握一般规律进而展开服装设计创作的思维方式。
格式塔心理学派学者鲁道夫·阿恩海姆认为：世间所有的事物虽然有着不同的存在形式，但归根结底都可以归结为“力的作用图式”。阿恩海姆认为自然物的形状形成于物理力的作用痕迹，而心理触动与情感波动则来自于刺激大脑皮层产生的特定的电化学力，当外部事物的物理力与心理力的结构图式基本一致时，观察主体就能即景生情，感知到某种力的作用以及以此触发的情感链接。服装设计创作中的具象设计思维正是基于这种物理力和心理力“同构”原理：灵感触发发生在不同介质中的意象解读与塑造的反复过程中，这一语境中的意象是主观的“意”与客观的“象”的结合，这是一个始于具体物象，经由高度概括、由具象到抽象，再由抽象到具象的思維活动和过程。这些过程在力的图式结构上是相似的：当客观对象的物理力结构与观察、创作主体的心理力图式一致时，这种现象就可以解释为“异质同构”。
二、典型服装设计作品的图像学解读及同构思维分析
德国艺术史学者欧文·潘诺夫斯基Erwin Panofsky的图像学理论Iconology是西方艺术史研究领域中的一种研究方法和视角，主张对视觉艺术（图像）所描绘的内容、背景、意义进行解读与探究，旨在揭示艺术作品背后所蕴含的社会、历史背景及文化内涵。本文所探讨的服装设计范畴的图像学解读与同构思维分析是在图像学认知层次的研究视角下，通过对典型服装设计作品的图像描述，分析、解读其视觉艺术特征及表现风格，并通过阐释其主题、内涵和创作背景，剖析、回溯创作主体的创作意图与同构思维。
（一）以生物形态为同构原型的设计作品解读
服装设计范畴的仿生设计是以研究、模仿自然生物体（包括动物、植物、微生物）的典型内、外部形态特征，结合服装设计的造型规律和设计语言，在形式美法则的指引下，对服装的形态、功能进行同构和创新设计，这是一种以自然物的物象为原型而展开的具象同构思维。服装设计仿生除了摹拟、仿效生物的外部形态如形状、色彩、图案、肌理外，对其内部的生物结构和机能也进行研究与思考，并在设计过程中有意识地运用这些结构特征和原理指导设计。设计师将唤起自己审美与情感共鸣的生物特征和具有时代风格烙印的视觉符号、织造工艺、新型材料融入到其仿生设计中，赋予其与众不同的审美面貌。以下就艾里斯·范·赫本Iris van herpe同名品牌2020年春夏季高级定制系列中的代表作品进行图像学的分析与阐释。
1. 艾里斯·范·赫本2020春夏高定作品的前图像志描述
欧文·潘诺夫斯基的图像学研究的第一部分是前图像志描述preiconographicaldescription，这一阶段是对艺术作品的物理信息进行解释和说明，即观者根据自身的经验和感悟客观的对作品的形式语言和视觉特征进行描述。艾里斯·范·赫本2020春夏高定系列作品中这款名为Hydrozoa dress水螅裙的礼服如图1，由包裹躯干的裙身和突出并悬垂的装饰部件（类似于弧形叶片的独立结构）构成，服装的外轮廓线呈现出自然化的波浪起伏的曲线线态，裙身以中心线为轴辐射出多条流畅的抛物线，呈多弧线交叠的群化线性特征。服装上没有大面积的形与面，面态特征不明显。服装色彩的调和度高，饱和度低，色相间的色距适中，如水彩般柔和的深紫、松石绿和赭石色如大理石纹理般彼此渗透。几何蜂窝形状的水墨图案被印制在数百个激光切割的透明弧形叶片上，这些由共聚聚酯纤维制成的透明硬纱经过数字打印、热黏合，然后再手工缝制在裙身上形成层次丰富的悬挂装饰物。随着模特身体的律动，产生丰富的视错效果及液态动感。
2.艾里斯·范·赫本2020年春夏季高级定制作品的图像志研究
图像学研究的第二部分是图像志研究i c o n o g r a p h i c a lanalysis，这一部分主要探讨图像的主题，即探索图像及视觉符号背后所隐含的规约意义。这一阶段是人们基于前图像志描述部分所提炼的信息来推演和阐释艺术作品的主题和意义。艾里斯·范·赫本2020春夏高定系列作品的主题名为Sensory Seas感官海洋，灵感来源于人体神经系统中的感官发生过程，设计师将这种复杂的神经系统镜像为纤维状的海洋生态系统。其直观的视觉参照原型是来自西班牙神经科学之父拉蒙·卡哈尔Ramóny Cajal的神经细胞解刨插画，如图2;以及一种叫Hydrozoa的海洋生物，如图3，这种介于水螅虫和水母形态之间的生物，形似美杜莎。该系列通过21套服装来阐释海洋人类学与人类神经系统中通过突触彼此联结的细微差异，以及在两个系统中不断传输的信号及变化的状态。水螅裙的分层结构及向上悬挂的造型再现了水螅虫在海洋中犹如水生开花的形态，通过轻盈而丰盛的层次、三维和起伏的体积来表现这种水生物的浮游状态;蜂窝状的几何图形来自于拉蒙·卡哈尔的星形胶质细胞解刨图;服装色调中的绿色、蓝色及深紫色指向神秘莫测的深海世界，赭石和红色则来自于珊瑚礁。
3.艾里斯·范·赫本2020年春夏季高级定制作品的图像学分析
图像学研究的第三部分是图像学分析i c o n o l o g i c a linterpretation，这一阶段主要聚焦于图像所处的时代背景和文化结构中，旨在挖掘图像深层的内在意义。本文将艾里斯·范·赫本设计作品的图像文本置入到2010～2020年代的时尚文化语境中：近年来，跨学科研究视角下的材质和技术创新是时装界发展的重要趋势。
艾里斯·范·赫本善于从大自然错综复杂的共生关系网络中发掘其内在秩序和隐形力量，系统的古典芭蕾舞训练使她将动作视为一种变形力量，在她的作品中可以明确的读取到软和硬的对比，结构与运动的相互成就。艾里斯·范·赫本以3D打印和激光切割等技术的逐渐成熟为契机，将高级定制时装视为一种变革性的语言。她热衷与当代跨学科艺术家、科学家、建筑家们合作，利用开拓性的非服装材质、创新技术和传统刺绣、立裁等高级定制手工艺相结合来表现其标志性的液态化形状和分层结构，通过立体、起伏的体积和形态塑造，雕勒出非凡的女性轮廓，创作出当代高级时装的混合体，不断地突破时装的定义与边界。
（二）以建筑形态为同构原型的设计作品解读
服装设计师热衷观察和摹拟的对象除了自然物还有建筑物，以建筑构图和形态图式刺激设计师在心理力上“同形共振”的设计作品不胜枚举，这是因为建筑与服装都始于为人体提供遮蔽和保护，都在表达和探讨人体与其遮罩庇护物之间的空间关系。二者的造型原理也都是由内部框架和表层结构共同塑造其立体形态与空间关系，产生方式也都是从二维到三维，从元素出发探索造型、色彩、材质等设计构成要素在比例、尺度、韵律等形式语言中的调和关系。同时，建筑和服装都较多的受到文化风潮和科技发展的影响，都是设计师们乐此不疲地借以表达身份、自我、价值的载体。
建筑的形体、立面和空间常常给服装轮廓、结构和体积带来启发，建筑立面的表皮特征则是服装肌理和质感的参考对象。以下就以库希尼&奥克斯品牌Cushnie et Ochs 2012春夏成衣系列中的代表作品为例展开以建筑形态为同构原型的设计作品图像学解读。
1.库希尼&奥克斯2012年春夏季成衣作品的前图像志描述
美国时装品牌库希尼&奥克斯2012春夏成衣系列的服装形制多为上下连体的连身裙，服装的外轮廓呈较为贴体的H形或纤细的X形，裙长及膝或至膝上。服装的轮廓线呈洗练、舒展的动态曲线特征，服装的结构线呈倾斜交叉的抛物线特征。该系列的代表作品，如图4，此款连衣裙的轮廓线和结构线在前胸部位交错汇聚，勾绘出具有几何风格的尖锐拱形并与胸下的捏褶和打省工艺结合，塑造出性感、大胆的立体胸衣造型。该系列服装以白色为主，黑色为辅，点缀浅驼、亮黄和艳粉色，整个系列呈现出彩度适中，纯度较高的色彩特征。服装面料多为具有一定光泽感的棉缎与丝绸材质，辅以少量鏡面皮革和金属材质，强调较为光洁的整体质感。
2.库希尼&奥克斯品牌2012春夏成衣作品的图像志研究
库希尼&奥克斯品牌2012春夏系列代表作品以服装的显性线条即外部轮廓线和内部结构线勾绘了悉尼歌剧院的半球体壳状屋顶造型特征和抛物线结构，如图5。胸衣裁片与衣身裁片的一体转折式结构设计和捏合工艺表现了悉尼歌剧院尖锐的拱顶立面与转面之间的立体转折关系。服装的肩带、胸衣和裙身的连接以及叠压结构设计则是对歌剧院屋顶内部的圆形肋骨支撑结构以及各个屋顶半球体之间空间关系的表达。设计师在本系列作品中尝试以不同视角的屋顶圆拱剖面形象为图形元素通过抽象、简化及视觉符号的提取，在服装上通过简洁、锐利的分割线设计和微妙的层次处理、立体褶皱等造型语言塑造出建筑风格明显、极简而又摩登的时装面貌。
3.库希尼&奥克斯2012春夏成衣作品的图像学分析
库希尼&奥克斯品牌的两位创始人毕业于帕森斯设计学院，其品牌的代表设计风格为简洁的外观、精良的裁剪以及具有雕塑感的服装样貌，其设计作品被知名时尚媒体评价为极简、性感和摩登。2012年美国时代周刊报道了人类探索太空的十大重要时刻，这一年被誉为人类太空征服史上的里程碑。库希尼&奥克斯2012春夏成衣系列作品也传达出设计师对Space Age太空时代风格的关注。太空时代风格的服装以简约的轮廓和几何式裁剪为特征，此系列中裁剪利落、极度修身的白色性感小礼裙或许是在向太空时代风格的代表作品-月球女孩致敬。黑白无彩色的大量运用和银色点缀凸显了未来主义的神秘感。
三、服装设计创作中的具象同构思维及模型
（一）服装设计创作中的具象同构思维
具象同构思维通常产生和作用于服装设计创意的触发及拓展阶段，可以分为两个层次：第一个层次是指以观察某种具体事物的感观形象为基础，通过观察、摹拟其表象特征，对观察对象的形、色、质、构等方面以及其整体结构，以艺术处理手法和服装设计的造型语言经由不同介质加以摹拟和再现，即通过模拟再现的方法触发创新、创意的产生。第二个层次除了对物象表征进行视觉形象的模仿及复现外，对经由表象特征关联、引申出来的意象，包含记忆与想象，即该物理对象在创作主体脑海中的既有印象和寓意也进行语义关联，进而引申联想、拓展设计。
（二）服装设计创作中的具象同构思维路径
具象同构思维路径可以分解为：分析问题-物象呈现-构建关联-表象启示-设计意图-意象转化-设计呈现-意象回溯等若干环节。设计推演的过程往往伴随着灵感的闪现和经验的判断，这是顿悟思维和逻辑思维共同作用从而完成服装设计思考的全过程。这一思维过程中的关窍环节因人而异，大多数服装设计专业的学习者认为“表象启示”和“意象转化”是服装设计创作过程中较为关键的两个环节。
表象启示是创作主体从物理对象的表象特征中获取的灵感，触发和关联的心理意象，这种意象的心理呈现并不是对物理对象的机械临摹和忠实复制，而是大脑经过认识和选择，在想象的状态中唤取记忆的痕迹，并与其捕捉到的外部刺激图式产生同形关系。设计主体通过调用记忆中与之相似的视觉图像，取其抽象化、视觉化、图形化的特征作为造型单元及设计要素，推演其服装形式的具体化。在表象启示环节中，事物的具体形象与观察主体脑海中储存的无数既有形象自发的发生关联，闪现出多样的幻想与意象，不同的设计主体经过主观的分析、选择、归纳与整理将各种形象素材在大脑中自发重组和再构。这一过程中关于原型的具体形象会随着各种思维的介入而逐步瓦解，逐渐被简化成为具有基本动力特征的结构图式。
意象转化是建立在上述视觉心理反应机制之上的异质同构，即设计主体不断探寻脑海中关于视觉对象的心理印迹及视觉隐喻：例如模糊的轮廓线、概括的色彩或稳定或动感的图形结构和据此唤起及释放的情感，并在人的身体之上通过纺织材料以及各种织绣、印花、缝制及造型工艺等或平面或立体的陈述方式，以服装为介质再现设计主体在具体物象中所感知的力的结构特征和张力等审美体验。这种以选择和转述为主要内容的思维活动是非常主观的，从触发灵感的对象到提取与复现的视觉元素，都体现着设计主体的设计动机与审美情趣。因此这一思维活动的内容本身并不具备完全的可复制性。设计作品的最终呈现与设计主体的经历、素养、观念以及所处的时代、环境等内外部因素息息相关。
（三）服装设计创作中的具象同构思维模型
本文所探究的具象同构设计思维模型如图6所示，该模型呈现了由原型触发创作灵感开展服装设计造型的主要思考过程。以具象同构思维为路径的设计推演起始于设计师对原生形态的视知觉活动，借此引发诸多关于该形象、形体、形态、色彩、肌理、触感等一系列直觉层以及反思层的联想与思考。这是一种由一个点触发多个点的发散型的思维方式，也是具象思维与抽象思维交互作用的一种思考机制，这种联动机制能够帮助设计主体增强对事物表象的观察和理解，通过设计主体独特的心理体验与情感经验的汇入，将表象启示与设计意图按照一定的逻辑，重新组织、安排、再构进而输出新的艺术形象，实现设计造型的最终目的。
结论
本文通过运用图像学理论中的前图像志描述、图像志分析、图像学解释这三个研究层次，对典型服装设计作品进行了形式辨析、主题解读及象征价值描述等系列研究，反向论证了具象同构设计思维的构绘及推演路径。本文中论述的具象同构设计思维通过运用可感知的物象信息，提炼符号化的视觉元素经由设计加工构建相同的意象特征，这一过程有选择地弱化了构成意向的物理性，强调意向转化和表达的指向性。其中携带不同规约意义的符号元素组合及联系使最终的设计造型充满了多变的、未知的可能性。因此，对同构思维的深入探讨可以有效深化和完善相关设计思维研究在服装设计实践中的指导作用;另一方面，对设计思维模型的梳理与构建意在厘清设计思考过程背后的思维逻辑和心理作用机制，以期帮助设计主体在灵感激发和设计转化阶段从方法和路径上探明方向。
服装品牌风格范文第2篇
摘 要：服饰与人们生活密切相关，在服装设计风格中，结构与解构非常重要。在世界潮流趋势发展迅速的当下，服装设计需结合思想和文化，把握發展潮流。同时，服装设计想要完成创新发展，把握潮流趋势，服装设计师需把握发展潮流，解析未来潮流可能的服装设计风格。本文重点分析了服装设计风格中的结构与解构，以供参考。
关键词：服装设计风格;结构;解构
目前人们生活水平不断提高，人们在注重物质生活的同时，也非常关注展示个人性格，服装风格在展示个人风格上有极大作用，通过穿衣风格展现个人审美水平，表达人们的服装个性。服装风格不会多变，且在时代发展下，特别是当今时代下研究服装的结构和解构都非常具有现实意义。
一、结构主义的风格
（一）结构主义
结构主义风格也被叫做建筑主义风格，是现代服装设计风格的代表。结构主义在设计构成上十分重要，注重服饰立体感与扩张感，让服饰更具欣赏性。服装设计在发展史上，由迪奥创始人设计的时装让巴黎时装再次复兴，自那以后，迪奥公司在服装设计上将裙摆往上移，同时重新设计了腰部曲线，让整体服装表现出垂直造型，后来服装设计的结构主义有了非常明显的风格特征，比如纺锤形服饰等。设计师在设计上逐渐重视结构设计突出设计风格，让人们重视服装的外形特点，这样的设计方法让服装外形看起来更加庄重[1]。
（二）结构主义新外观
著名的设计师迪奥在推出了服装系列产品后，由于本身迪奥品牌就有较高的知名度，而服装设计作品又成为了巴黎时装周的典型代表，后期服装设计阶段，女性裙摆部分又做出了结合时代性的改造，使设计方式更趋于直线型，保留了传统的服饰设计观念。这一系列的服装产品在时尚界引起了不小的轰动，直到现在都仍然存有部分影响力，新外观设计系列作品中以结构主义为基础，完成了服装的结构比例调和。通过这种复式的调整使服装整体更加新颖潮流，同时新的服装潮流也就此诞生。
二、解构主义的风格
（一）解构主义服装风格
受不同地域文化的影响，许多品牌的服装在设计之初都会倾向于宽松版型，尤其是在欧洲区域，为了让服装产业的发展与劳动力平衡会将衣服的设计变为直线型裁剪式，以便让服装制作过程中的人力成本得到控制。基于此，结构主义得到了有效发展，同时也让服装文化有了变化，直线型裁剪逐渐流行后，东方设计观念与西方设计观念相互配合，让服装设计又有了新的风格，日本著名设计师在设计风格上影响了服装设计的潮流，有了新的服装风向，比如日本设计师三宅一生提出了无结构设计理念，把东方元素融入到服装设计中，这种褶皱设计的服装方案已经成为经典，同时在设计时引入东方平面设计的原理，使传统的西方设计技术发生了重大变化，按照人体结构进行服装剪裁，不再局限于传统的元素组合[2]。
（二）解构主义对服装设计概念的改变
解构主义的服装设计理念在整个服装发展史中属于颠覆式的存在，例如它较为明显的特征是摒弃了传统的体型塑造特征，在设计之初仍然根据人体美学完成服装设计，但是这类型的服装并非人体的第二肌肤，而是在包裹人体的情况下完成相应的舒展。结构主义中的东方元素较多，重视衣服和人之间的融合发展服装，设计过程中重点突出人与自然的协调与平衡，把人作为主体，重视人对服装的感受。和结构主义明显不同，解构主义注重设计效果，注重服饰外表，同时保留了服饰的层次感与立体感，结构主义与解构主义之间的差异较为显著。解构主义希望通过服饰让穿衣者的形象发生相应的变化，且不再受到形状的限制。
（三）解构主义服装设计方法
解构主义在服装设计时非常重视使用的方法和技术，同时在服饰中的设计表现出来的是创造性，解构主义在应用上相对普遍，服装设计师喜欢利用解构主义的方法来完成服装的设计，解构主义重视打破传统的服装设计秩序，通过打破再重组的方式表现个体之间的重新组合，并在后期将服装融合表现出统一感。
三、解构主义服装设计特点
（一）自我表达性
服装不但是人的外在形象表达，同时也表包含了人的着装态度，因此解构主义通过表达思想的方式存在个体研究中，希望通过服饰表现个体自由不受束缚，同时服装设计是为了更好地体现人的理念。解构主义可以在表达自我方式上完成做个性的凸显，展现个人魅力。
（二）破坏性
解构主义在设计时就重视突破与创新，打破传统秩序，完成后续设计理念的融合发展。在这个设计过程中，设计的作品让不确定性增加，同时也让设计师对零件的重新组合重视度加深。因此，在服装设计开始结构主义就已经存在，并通过重建和创新融入一些全新元素，破坏这种设计方法能让常规的服装设计工作被打破，有利于促进服装设计的进步[3]。
（三）颠覆性
解构主义和结构主义运用到服装设计中两者并不相通，处于相互对立的状态。在设计之初，服装设计师的重点不在人的体态结构，同时服装也并不是只为了人体服务，而是要表现出设计师的艺术思想，在该过程中设计师就将设计重点放到了服装本身。比如2016年川久保龄的春夏系列中模特的衣服将模特整个包住，没有袖子，服装造型较为怪异，不能在日常生活中使用。但是这类型的服装并非不具备现实意义，而是通过这种颠覆性的设计办法让设计师找到解构主义的发展趋势。
（四）无终止性
服装设计发展中解构主义的颠覆性特点明显，希望通过打破传统事物的方式，找到作品的灵感和创作基础，然后剖析新的事物，创造一种全新的设计理念。创新意味着发展，发展意味着进步，这在服装设计中是一个永无止境的发展过程，服装设计中利用解构主义的办法设计与行业发展相匹配的作品，不断尝试新鲜事物，才能让服装设计跟上时代发展潮流。
结语
综上所述，服装设计中的结构主义和结构主义这两种不同的设计风格，在各个时期对服装设计产生的影响各不相同，同时西方服装设计文化受东方文化的影响，产生了新的服装设计概念并获得的创新，让服装设计在时代发展过程中能突破进步，使得服装行业都得到了可持续进步与发展。
参考文献：
[1]赵丹妮.试析服装设计风格中的结构与解构[J].艺术科技，2017，30（4）：148.
[2]蒋振刚.论服装设计风格中的结构与解构[J].戏剧之家，2019（19）：146.
[3]曾奕华.论服装设计风格中的结构与解构[J].才智，2016（2）：209.
作者简介：洛旦 男 2000.04 18级服装与服饰设计班
服装品牌风格范文第3篇
近几年来, 国家对传统文化及本民族文化艺术非常重视并大力挖掘, 当地政府也打造当地特色文化及产业, 从服装插画专业本身来讲, 更应丰富表现语言、完善表现技巧、强化构成与肌理、在现阶段使其继续向前发展, 在发展过程中融合更多的艺术形式和不同的艺术类型。从而开拓新的服装插画的题材类别和表现形式。
服装设计方面主要包含:服装表现 (以平面为主要表现形式) 、服装款式与色彩设计 (以创意思路作为重点) 、裁剪与工艺制作 (以实用和商业作为衡量评判标准) 、装饰及其它方面, 从上面几点可以看出以时装画、插画、装饰画等平面表现形式占整个服装设计专业及行业的比重非常大, 随着网络、微信的发展及生活方式的改变, 服装插画将越来越在服装专业和行业内得到重视并不断发展。
从近几年的情况和发展趋势来看, 对艺术门类已重新进行了划分与整合, 插画成了涵盖最广的艺术表现形式, 它已包括油画、国画、水彩画、版画、黑白画、漫画等, 甚至对摄影、动画、游戏、三D影像都有巨大的影响, 服装插画就是插画的一个分支、是插画的另外一种
表现形式, 而服装插画在所有的插画、绘画等平面表现形式和手法中, 与服装的关系最近、与现代的时尚生活最密切、最能体现时代性、同时服装插画越来越多的向其它学科专业扩展和渗透, 在服装界、设计界、艺术界、娱乐界、时尚界越来越重要, 甚至到了无法回避的地步。
国外研究现状:现代插画载体的多样性使原本服务于书籍文字的单纯的插画艺术形式有了多方面的精神文化取向。插画作为视觉文化的产物, 首先应具备传播功能, 其使命是引导大众审美和消费文化, 是对人类思想文化与内心情感的一种表述。同时受文化传统、审美情趣差异的影响, 各个国家和地区产生了不同风格和式样的插画艺术。
插画曾是美国人最喜爱和易于接受的艺术形式和媒体途径之一。人们通过插画熟悉世界, 表达对世界的认知和情感, 插画语言无疑是这种需求的最好表达形式。可以说插画是“最美国的艺术形式”。当欧洲的艺术表现形式传入日本以后, 日本插画同样受到西方绘画形式和观念的冲击。古典主义、抽象主义和装饰画风改变和丰富了日本传统绘画的式样。由于不断的吸收和消化外来艺术并将这些融入到民族文化中, 如今日本插画艺术已是流派纷呈。多样的题材、贴近生活的故事情节、具备时尚流行元素的视觉形象同时又不失强烈浓郁的东方意味, 使得日本插画艺术成为日本文化和亚洲文化的重要组成部分。随着世界格局的变化以及美、日等国在经济政治上的强势话语权, 美日插画从风格到式样对包括中国在内的许多国家和地区产生了巨大的影响。
国外服装插画研究与发展大大领先于国内, 首先是国外在艺术领域中设计与绘画的区分不是很清晰, 相互之间都在融合与渗透;娱乐业、时尚业非常发达;在服装设计领域、绘画领域都有一批专门从事研究表现时装画的专业人才, 而且在服装、广告、动漫、绘画、杂志等领域的需求量巨大;对服装插画理论研究、技法表现研究、多种材料的综合运用、创作风格的多样性研究等方面远远领先国内, 部分国家如法国、英国、俄罗斯等都有专门从事创作研究当地民族服装的服装插画专业人才, 在蒙古国有从事创作研究和表现蒙古族服饰类型的服装插画的专业人才, 但也是为数很少而且形不成规模。
尽管国内服装插画艺术家在语言民族化方面进行了不懈的探索, 但距离形成“中国风格”依旧遥远。日本插画中细腻、唯美、雅致的画风和深具东方特色的审美观在视觉心理上同样得到了大批插画家和国人的喜爱, 特别是日式美少女风格的形象被仿效描绘到众多的动画作品中。更应该呼吁中国服装插画艺术能继承自身民族文化的优秀传统, 创作出既反映时代风貌又具有深厚文化底蕴的作品。
发展趋势:当前中国服装插画中缺乏原创精神、题材风格上的单一以及市场运作的不力是分不开的。许多插画制作团体和企业为了迎合市场需求, 在服装插画表现内容以及形式上矫揉造作, 粗制滥造, 创作内容严重脱离中国文化环境, 服装插画艺术具有社会宣教功能也随之丧失。面对这种局面, 我们首先应当从民族文化的层面进行深刻反思。
随着现代社会对时尚的不断追求和生活的变化以及对文创产品的开发需求急剧增加, 对伴手礼、手游、卡通动漫形象、高层次个性化及独特性礼品的重新定位与开发, 服装插画的表现形式越来越丰富、手法越来越多样、艺术性越来越高、实用性越来越强, 时装画及插画的表现及运用也越来越多的向其它专业学科扩展渗透, 在服装界、设计界、艺术界、娱乐界、时尚界的作用也越来越重要。与当代设计与艺术、当代摄影、当代绘画、动漫界等的关系越来越密切, 越来越融合。
国内研究现状:目前情况, 对蒙古族风格服装插画的艺术性、装饰性、时尚性等认识不足, 对蒙古族时装画的认识与评价还非常粗浅, 认为服装画只是服装设计过程的草图和草稿本身并没有独立性。对时装画、服装插画、服装插图、服装绘画等概念认识不清, 从事绘画创作的认为时装画艺术表现力不够、从事服装设计与制作的又认为服装就是观念设计和成衣化制作, 时装画在纸面上的绘制除了有时尚性之外, 无论在哪些方面都不占优势。独立的职业服装插画的创作人员人数还很少, 而蒙古族风格服装插画国内专门创作研究人员寥寥无几, 甚至几乎没有。
研究内容1.蒙古族服装插画技法多样性研究、不同工具材料的表现研究及与其它艺术门类的融合借鉴研究。2.蒙古族服装插画的表现风格研究:写实风格、写意风格、装饰风格、波普风格、街头风格、卡通风格、涂鸦风格、数码风格等3.蒙古族服装插画与其它艺术、设计门类的融合、渗透研究以及在当今不同文化创意产品领域方面的转化研究。
研究目标1.用全新的观念从不同的角度设计创作一批技法丰富、材料运用多样、风格强烈、形式新颖的蒙古族服装插画作品。在设计创作中技法更加多样化, 对主题表现的深度与广度都要有较大挖掘, 使蒙古族服装插画成为新的独立的艺术形式, 不仅仅是设计与绘画的表现形式, 而是时尚艺术、数字媒体、设计艺术等新的结合体和综合体。使蒙古族服装插画的研究及创作达到国内较为领先的程度, 使蒙古族服装插画成为更加独立的完备的设计艺术门类、同时更具亲和力与当代性。2.使蒙古族服装插画的设计创作与教学方面走在国内前列。在设计创作中与其它课程进行融合, 加强与其它课程的联系, 增加时装画的创作内容和表现方法技巧并丰富教学内容。3.使蒙古族风格的服装插画向外推广, 走产、学、研一条龙的方法, 将科研成果进行商业产品转化, 在蒙古族服装插画的现有表现形式下向文学绘本插画、服装成衣插图、蒙古族服饰人物动漫设计、蒙古芭比娃娃形象设计、蒙古族部落服饰的标准化图录表现、蒙古族当代艺术等多方面融合与渗透, 在这些不同领域中创立出新的风格, 设计出新的作品与产品, 从而走出一条创新之路。
研究思路与研究方法:1.梳理时装画的产生、发展、壮大及对其它艺术门类的融合与借鉴, 更加全面完整的收集整理不同时期的服装插画代表人物与作品风格, 主要针对服装插画历史和发展史的研究。2.蒙古族服装插画本体语言表现的研究与实践创作, 在工具和材料方面使用水彩、麦克笔、彩色铅笔、钢笔、色粉笔、油画棒等, 在风格表现方面继续尝试融合服超现实主义、未来主义、风格主义、表现主义、抽象主义、波普艺术、概念艺术、欧普艺术等, 丰富时装画、插画内容、拓宽其表现范围、融合多种观念、技巧和方法, 这样不仅表达出服装的款式、颜色、材料质感, 更表现出服装的功能、环境、特殊工艺、流行趋势、市场定位, 进而表现出草原文化、地域特点、蒙古族风格特征以及人与服装、人与时尚、人与社会的关系。3.将本人的研究、设计与创作纳入到大的教学框架中, 个人的研究心得、创作方法、设计作品能直接影响学生的学习热情从而改变学习效果, 而学生在课上的学习与课下的作业又能对设计创作产生直接的启发:通过教师本人的研究、实践、参赛、获奖来更好的带动学生的学习、设计创作和参赛。在教学中能极大的提高了学生的学习兴趣:
在时装画设计与创作中改变了单一的教学方法, 在设计造型、设计色彩、服装效果图等课程中引入时装画、插画研究实践的设计教学, 增加了学生的学习兴趣, 既强化了服装专业自身特点又拓宽了学生参加设计大赛途径, 使学生参赛入选和获奖比例大大增加。
可行性分析:1.风格是指设计师或艺术家在设计创作中表现出的艺术特色和创作个性, 并体现在作品内容和形式中, 服装插画的风格也是如此, 创作者有不同的背景、技巧和手法, 对这些不同的特征进行比较和分类并进行归纳是非常必要的。2.拓宽了时装画、服装插画的表现内容、表现方式与表现技巧, 以服装插画的设计思路与表现方式, 丰富了时装画、插画内容, 拓宽了表现范围, 融合了多种观念、技巧和方法, 增强了蒙古族服装插画的表现力, 使其成为更加独立的完备的艺术门类, 更具亲和力与当代性。3.在设计创作中运用技法更加多样化, 在主题表现的深度与广度都有较大进步, 使蒙古族服装插画成为新的独立的艺术形式, 不单单是绘画与设计的表现形式, 而是时尚、媒体、艺术的结合体和综合体。蒙古族服装插画在平面化、想象力、轻松与随意、变形与风格化方面更加具有优势, 而这几方面更多的表达了设计作品的精神与内涵, 也更能展示设计师的风格与思想, 并扮演着参与生活甚至是改变生活的重要角色。4.服装插画在教学内容方面的拓宽, 在基础课、专业课、选修课中引入服装插画的教学内容, 使学生学习起来更加融汇贯通, 要求并鼓励学生积极参加设计大赛在参赛中锻炼成长。
研究进度共分为三个阶段:第一阶段, 完成蒙古族部落服饰、蒙古族图案与刺绣、蒙古族风格的绘画、蒙古族风格的影视、蒙古族风格建筑与家具的资料图片视频的收集整理归纳, 文字约一万字、作品图片约三百幅的资料集, 时间为两个月。第二阶段, 1蒙古族服装插画线描与黑白技法的研究与表现, 2.蒙古族服装插画色彩的研究与表现, 3.蒙古族服装插画彩铅、麦克笔、油画棒、色粉笔等不同工具、材料的研究与表现。第三阶段, 1完成蒙古族服装插画不同风格的时尚化研究与表现, 2.蒙古族服装插画综合设计与文创研究与表现。
现代服装插画和设计艺术、广告摄影共同构成了当代设计领域的基本表现形式。在当代文化语境下, 蒙古族服装插画艺术无论是采取传统的手绘方式还是现代数码技术, 其目的归根结底都是为了相应的商业目的和审美价值取向服务, 对于美学主题的探索将是中国现代服装插画艺术持久不变的追求。
摘要：研究蒙古族风格服装插画设计与时尚化表现意义重大, 在服装设计专业的课程设置中, 蒙古族服饰研究与设计表现课程是教学中的重要课程, 它将传统与现代、民族与时尚连接在一起, 也符合回归传统与吸收民族元素的潮流。
关键词：蒙古族风格,服装插画,时尚,文创
参考文献
[1] 吕越, 徐蕊.服装设计师[J].北京:服装设计师杂志社, 2008:128-131.
[2] 凯利.布莱克曼百年世界时钟绘画[M].北京:人民邮电出版社, 2013.
[3] 曹建中.时装效果图与时装画[M].重庆:西南师范大学出版社, 2011:38.
[4] 王受之.美国插画史[M].北京:中国青年出版社, 2002.
服装品牌风格范文第4篇
解构主义,最初起源于在哲学领域,后传入服装领域被广泛应用。广泛的讲,解构主义是指那些以披挂、层叠、褶皱、包缠等方式设计的服装,其不在乎服装形体的曲线美感,而是将重点格外倾向于服装的材质和制作结构,十分注意协调面料和结构之间的造型关系,不符合传统西方服装的审美风格,但是却给穿者留有较大的改造空间,充分展示了穿者的个性特征。解构主义具备以下特点:服装结构以复杂为本,而且造型变化多种多样,服装线条杂乱但是有序;格外倾向于服装的材质和制作结构,十分注意协调面料和结构之间的造型关系;习惯将服装材料进行重组等等。
二、服装设计风格中的结构与解构
1、解构主义服装的风格
解构主义指导下所进行的服装设计,虽然并不符合传统西方服装的审美风格,但是,其并不是设计师凭空想象、天马行空捏造的艺术作品。解构主义渗透着设计师不断打破常规、追求创新、崇山卓越的艺术理念。在解构主义这一理论的指导下,设计师站在原有的理论、精华知识基础上,结合时代要素,进行一系列创新设计,推动服装风格发展。三宅一生在研究过程中曾经做出形象的说明:“所谓的解构,就是掰开了,彻底整碎了,然后再根据实际需要进行重新组合的过程”。在解构主义理念指导下的服装设计,具有鲜明的特色:服装结构以复杂为本,而且造型变化多种多样,服装线条杂乱但是有序,总是给人一种尚待完善、尚待规整以及尚待明确的神秘的视觉效果。其中,其经久不衰的特点就是在不断重复的裁剪动作中偶然闪现某种美感,并且得以短时间的定格。
2、解构主义服装的造型
与西方传统的审美习惯相比较而言,解构主义最大的不同在于其不在乎服装形体的曲线美感,而是将重点格外倾向于服装的材质和制作结构,十分注意协调面料和结构之间的造型关系。在此基础上设计出来的服装,能够满足消费者塑造形体的目的。而且在其不断重复的裁剪动作中偶然闪现某种美感,通常会给旁人呈现出一种尚待完善、尚待规整以及尚待明确的衣身结构。可以毫不夸张的说,解构主义服装的造型是决定所设计出来的服装销量是否畅销的关键因素。而且,服装的风格也是在服装的造型基础上所形成的,让服装的风格与服装的造型相互和谐,让两者达成相互之间的协调。由此可见,解构主义服装的造型在服装设计中非常重要。
3、解构主义服装的色彩
按照不同的标准,解构主义服装的色彩会出现不同的分类。虽然其分类众多,但是其最重要的便是从解构主义服装的设计色彩方面所进行的考虑,这让其实现了解构主义服装色彩无彩色运用和无彩色与纯色的对比运用两大类。其中,无色彩运用,将黑色设定为主色系,还会以白、灰、藏青、褐色作为点缀颜色,巧妙了利用主色系以及点缀颜色之间的色差,来实现解构主义服装的层次感;其次,就是无彩色与纯色的对比运用,这种情况下,设计师通常会采用两种,甚至是三种以上色差较大的颜色进行对比,在巨大的颜色反差中,实现强度和纯度之间鲜明的对比。
4、解构主义服装的材质
解构主义服装还特意在衣服面料材质上下了很多功夫,对于衣服材质进行了颇为细心的研究和实时的创新。材料也是能够反映解构主义服装特征必不可少的重要元素之一。通常情况下,设计师习惯将服装材料进行重组,将原本毫无联系,甚至从未有过组合先例的两种或者几种面料进行组合,通过这样的一种二次设计,达到改变了面料原有的肌理效果和属性的目的。除此之外,该种材质还特殊在其材质进行了错位,将原本不隶属于服装制作的材料运用某种手段使其依附于服装之中,这种设计思路,为其他服装的设计提供了新的思路。
三、解构主义在服装设计中的未来发展方向
现阶段,随着人们的思想观念逐步开放以及审美感受不断发展,一些原本无法令人接受的服装已经摆放在商场中最为焦点的店铺中,这些奇特设计的服装正是基于解构主义的服装设计而来的。虽然,解构主义的设计理念最初起源于日本,但是这种认识是不全面的,实则在上个世纪七十年代发生的反时装运动的西方服装界,就已经出现了解构主义。应该感谢两种形式解构主义的相互交融,才成就了今天的解构主义时装设计风格。如今,结构主义不再仅仅停留在最为初始的层次上,而是更为重视服装结构的重新组成,让其通过错位的方式给人们呈现一种视觉上的和谐感,让人们能够感受服装的另类之美。结构失衡确实是解构主义服装设计的表现形式之一,只有通过设计师的独特技艺尝试出的新结构,才能够呈现出新的整体感,才能够使解构服装的个性得以充分展示,而这也正是解构主义在服装设计中的未来发展方向,是设计师所需要努力学习的重要内容。
四、结语
服装设计中的结构主义和解构主义是其非常重要的设计理念,其成为服装风格促进和演变的重要方式和手段,彰显着服装设计的发展和演变。设计者在进行应用的过程中,要注重做好两者的区别,注重对两者进行发展与创新,让其成为推动服装发展的更好推动力,让服装语言更加缤彩纷呈。
摘要：本文阐述了解构主义的概念与特点,并探究了服装设计风格中的结构与解构,最后分析了解构主义在服装设计中的未来发展方向,希望可以为相关领域的发展提供借鉴。
关键词：服装设计,结构与解构,发展方向
参考文献
[1] 王晓莹.解构主义在服装设计及结构中的应用[J].大众文艺,2016,(07):96.
[2] 曾奕华.论服装设计风格中的结构与解构[J].才智,2016,(02):209.
服装品牌风格范文第5篇
以时尚化与国际化为设计的基本价值取向, 并设计出与现代审美标准相符的中国风格服装, 最终实现时尚与传统的融合的主要前提条件为现代服装设计理念的形成。随着经济、社会以及文化的不断发展, 服装也以日新月异的状态呈现出来, 慢慢形成以西方国家服饰文化为主流的张扬个性以及国际化潮流的设计理念。这些服装突破了传统的服装体制, 呈现出多元化以及多样化的服装格局。与此同时, 当前有部分服装设计师刻意对艺术的相关流派加以追逐, 甚至模仿具体的风格特点[1], 解构主义、极简主义、折衷主义、波普艺术、超现实主义、迪考艺术等有关艺术流派对于服装设计也带来了较大的影响, 逐渐形成对应服装设计的新理念。在设计中国风格服装时, 中国传统元素的运用能够展现于现代服装设计理念中, 从而真正实现时尚化与国际化的基本要求[2]。不论设计现象如何复杂, 以及潮流怎样变化, 现代着装观念以及服装设计理念等具体的轴线所框定出的服装领域都应由传统走向现代。在此服装领域中, 传统元素需要与时尚整合起来, 让其成为现代元素的一类。
二、中国风格服装在传统与时尚融合基本上的设计手法
一般来说, 服装设计手法体现于对服装部件、廓形、图案纹样、内部结构、材料、装饰细节以及色彩等相关元素表现与处理上。中国风格服装在设计的过程中可以将传统的中国元素本身时尚化, 或通过传统元素以及其他元素之间的平衡关系处理得到一定的时尚效果[3]。针对现代人们的着装观念与服装设计理念主要归纳了以下几类可将时尚与传统互相融合的设计手法。
1、解构手法
解构主义出现于后现代, 它是其中一类思维形态, 解构主义不赞成封闭僵硬、形而上学以及逻各斯中心的体系。就服装解构手法来看, 无论是其色彩、造型、纹样、材料还是图案等具体元素均能被解构, 并呈现出时尚的相关格调。传统元素在中国风格服装设计中能够通过具体的解构手法对其原有意指以及能指关系加以改变, 从而增加时尚感。在运用的过程中, 设计构思的基本要点包含了对中国传统元素的质、形以及色等构成形式分解。基于此, 在设计时可以先对传统元素的多重意涵关系进行分析, 再以错位以及逆向等要求实施重组[4]。比如, 中国古代服装中, 一般明黄色与龙纹相结合属于帝王象征, 为此, 可以运用解构手法将其色彩关系改变过来, 可以以银色与黑色共同组合龙纹进行表现, 这在一定程度上增加了前卫、戏谑等义项, 并且使得原有的意指关系得以弱化, 最终展现出时尚感。
2、对比混合手法
后现代主义通常会戏仿、并置、挪用以及拼贴等具体策略, 这样能够展现出反整体性、反传统以及反理性的设计手法。在对服装进行设计时, 设计师们常常会运用以上手法来展现历史与文脉以及当下元素的有效组合。对比混合手法主要指的是在选择具备一定反差对比性元素的基础上实施组合的一类设计方式[5]。对比混合手法的运用可以在一定程度上减弱传统元素给人们带来的古旧视觉效果, 体现出更加强烈的时尚感, 这也是当前许多品牌服装与设计师们惯用的设计手法。比如在设计中将具有较强现代面料的牛仔面料作为传统元素的对比元素, 与传统图案纹样、装饰工艺、造型以及材料等混合使用。中国传统工笔花鸟图案可与薄牛仔面料进行结合, 龙纹织锦同样也可与牛仔面料进行拼料混合, 这些设计手法都已经成为了服装设计的成功案例。运用对比混合手法的关键点在于选择与现代意象、传统意象互相叠加的对比元素。
3、裸露手法
人体与服装之间的关系也反映着服装的历史进程, 无论是体型型、缠绕型还是裸出型、覆盖型, 对于不一样的服装形态都将反映出当时的文化背景与历史背景。就现代西方服饰的基本特点来看, 人体自然形态的展现是其中最大的一项特点, 其中包含通常裸露的方式把人体的质、形展现出来。而中国传统的女性美一般表现在端庄、婉约、端庄等方面, 为此, 在绝大部分历史时期, 中国女性的体型曲线不能得到充分的显露。裸露手法也是以传统着装与现代着装观念为基础的一类反差手法, 以身体的透与露为设计的基本原点, 选择并处理材料、结构以及色彩等相关元素的设计方法。裸露手法可以以时尚、现代的形式展现传统元素, 实现时尚与传统的平衡。在设计具有中国风格服装的过各运用裸露手法需要注意的是具体的裸露方式与裸露部位, 这是设计的关键点。在流行的基础上与设计师的人体美理想结合起来, 选择不一样的人体裸露部位, 比如当前较为流行的露腰, 裸露的基本方式也可以选择半露或者直露等, 与网眼纱、蕾丝等透薄型材料结合, 从而展现出人体的性感与曲线魅力。
三、结束语
运用中国传统元素设计出与当前服饰文化相符的中国风格服装, 这是中国服装界永久性的课题。本文主要从时尚化以及国际化的视角研究服装设计中传统与时尚融合的中国服装的基本设计手法。中国风格一般是以中国元素作为基本的表现形式而定义的, 它是一类以中国文化为前期的艺术形式。中国服装品牌的国际化与传统服饰文化的传承价值对于融合时尚与传统中国风格服装的设计开发均提出了相关的要求。中国风险服装设计水平通过在服装界的持续实践与探索而取得了较大的提升, 一些优秀设计也应运而生。但是, 我们仍然需要认清当代中国风格服装设计不论从风格与理念层面、文化与历史层面, 还是手法与方法层面都还需要在当代语境中加以挖掘。
摘要：基于我国传统服饰文化的视角, 我们可以明确的看出我国风格服装的当代设计不论是从手法、方法层面, 还是文化、历史、风格以及理论层面来看, 都急需在现代语境中加以挖掘。本文针对时尚与传统之间的平衡关系展开研究分析。
关键词：中国风格,服装设计手法,传统,时尚,融合
参考文献
[1] 吴春胜.传统与时尚融合的中国风格服装设计手法[J].丝绸, 2011, 01:37-39.
[2] 彭娜.传统与时尚相融合的中国风格服装设计手法研究[J].美术教育研究, 2015, 22:58.
[3] 占琳.传统与时尚融合的中国风格服装设计手法[J].包装世界, 2015, 06:10-11.
[4] 潘君丽.传统与时尚融合的中国风格服装设计手法[J].中外企业家, 2016, 17:249.
服装品牌风格范文第6篇
本系列设计通过对中性风格的深入了解和探究, 发现中性美已经成为了目前多元化流行风尚中不可缺少的一道亮丽的风景。富兰克林说过“太阳底下没有什么新的东西, 有的只是无限的组合。”阴阳搭配就是最好的组合。中性穿着给人一种完全放松的感觉, 让自己自由了。“每一个人其实都具有两面性, 外在的形象代表着个性的那一面, 内心的感觉代表柔和的那一面”。所以外表的中性与内心的中性是不一样的, 因此, 外表的女性与内心的女性也是不一样的。中性服饰有着男装和女装之外另一种魅力。