中外艺术史论文范文第1篇
摘要：油画是艺术界较为常见的一种表现形式，当前社会处于多元文化大发展时代，经济全球化发展使中国文化在世界上掀起了一股热潮，中外油画艺术家在进行油画创作的时候，逐渐将中国的一些装饰元素融入作品里。以中国装饰元素为主要内容，通过绘画表现形式展示出来的当代油画，使欧洲油画朝新的发展方向演变，其中比较具有代表性的类型是受大众商业文化影响，融合了中国元素以及中国画写意等方式的当代油画。基于此背景，本文对中国装饰元素在当代油画中的应用进行探讨，以供相关人员参考。
关键词：中国装饰元素;当代油画;应用
1 中国装饰元素的概述
1.1 中国装饰元素的分类
1.1.1 中国传统装饰元素
中国传统装饰元素是中国装饰文化不容忽视的关键组成部分，其经历了时间的洗礼与民族的发展，可以向人们展示历史更迭中积淀的文化，其是中国艺术与中国文化的表现载体，那独有的特性能使其在现代油画中展现出独特的艺术魅力。另外，其在发展过程中受到了佛家、道家以及儒家等文化的影响，显现出不同风格的艺术品质，而油画艺术家则可以针对不同风格的作品进行装饰元素的融合[1]。
1.1.2 中国现代装饰元素
如今，科学技术与信息技术手段不断发展，我国经济水平得到了极大的提升，人们的生活水平不断提高，审美意识不断增强。中国装饰元素在此形势下得到了改良，时代发展赋予了其新的精神内涵，因此其能够在个性化的基础上展现现代化特点。
1.1.3 显性中国装饰元素
顾名思义，这一类型的装饰元素是可观可感的装饰艺术，其主要以一些色彩或图案为主。在现代油画中，可以通过对这类装饰元素进行合理的搭配与使用，有效地将传统和时尚结合在一起，直观地体现出震撼的艺术魅力，从而提升油画的内涵[2]。
1.1.4 隐性中国装饰元素
隐性中国装饰元素指的则是精神层面的一种无形、抽象、可感的内涵，例如具有代表性的三家文化思想。在现代油畫设计中，对这类装饰元素进行融入的主要内容则是文化意识与精神，其是一个不断变化的装饰文化体系，油画艺术家要根据时代发展，对隐性装饰元素有一个良好的了解与把控。
1.2 中国装饰元素的基本特征
1.2.1 装饰性
既然是装饰元素，其首先具备的特征自然是装饰性，中国装饰元素富含东方独有的韵味与特点，无论是直线还是曲线，无论是色彩还是图案，都体现着装饰性与趣味性。在此基础上，还有丰富的精神意境，并能够在细节处体现不一样的艺术魅力[3]。
1.2.2 象征性
中国装饰元素是人们在悠久的历史中凝聚成的艺术文化，其不单纯只是一些装饰图案或者装饰文化，更重要的是，中国装饰元素在历史长河中被赋予了不同的含义，因此具有更显著的象征意义，同时寄托着人们的美好希冀与向往，带有神秘而传奇的色彩，并能够更深刻地表达人文情感与素养。在当代油画中运用中国装饰元素，可以更好地引起人们的情感共鸣[4]。
1.2.3 民族性
我国是多民族国家，不同的民族与地区会因文化差异而衍生出不同的装饰元素，例如景德镇的瓷器、敦煌的壁画等等，而不同的装饰元素也承载着我国多元化的民族精神与内涵。现代油画可以融合不同风格的装饰元素，展现出不同的特色，展现出时代感与民族的多样性。
2 中国装饰元素在当代中西方油画中的应用
2.1 装饰元素在油画中的表现形式
中国装饰元素这一装饰性语言，在现代油画中的主要表现形式一般为造型、色彩与构图等方面的设计。通常情况下，油画艺术家在进行创作的时候，首先会在构图上将一些分散或独立的装饰元素进行整合及分析，并按照相关的原则进行层次排列，以此体现出装饰元素在油画中的秩序，巧妙地实现过渡与结合;其次在装饰元素自然色彩的基础上，创作者会适当对色彩进行调整，避免过于依赖自然颜色而对油画画面产生影响，加之个人情感的填充，使油画作品能够进一步提升观赏性与艺术内涵;最后，从造型角度入手，油画艺术家结合世界的油画风格与所融合的装饰元素的特色，对重点进行刻画，从而不断提升油画的美观性[5]。
2.2 装饰元素在西方油画中的应用
对于西方油画来说，中国装饰元素与西方艺术产生碰撞，对于塑造西方艺术的神韵与意境有着重要的意义。古斯塔夫·克里姆特就是一个非常典型的将中国装饰元素运用到油画艺术中的艺术家，其非常擅长将一些东方特有的传统风格的艺术装饰元素融入自身的艺术创作，并通过自身独到的理解与丰富的情感表达赋予油画作品新的内涵。他的很多油画作品都蕴含独特的视觉特质与情感表达，其擅长运用重彩和线描表达人物的思想感情，在他的艺术作品中，时常可以看到屏风、花瓶或者雕塑等各民族的民族绘画作品元素，娴熟的绘画技巧结合精妙的构图，将中西方元素巧妙地结合到一起，其创造方式可谓有效地推动了西方油画艺术的发展。另外，其很多作品中都充斥着中国祥云、戏剧文化以及织绣等装饰元素，这些看似普通却独具风格的装饰元素，通过克里姆特的夸张绘画艺术手法，使整个作品的画面更加独特且具有个性。其后期的作品《生与死》就是将中国传统装饰元素运用到绘画人物与结构以及色彩中的典型代表[6]。
2.3 装饰元素在中国油画中的应用
中国装饰元素在油画中的应用主要可以归纳为以下几个方面：其一，利用线型表达的独特性将油画的外形轮廓勾勒出来，以此将艺术家们的内心情感状态更好地凸显在空间关系上;其二，运用大块的结构构图，将较为抽象的油画背景整体构成一个非具象特点的意象浅空间的构图形式;其三，巧妙借助色彩的象征性意义以及不同纯度所表现出来的内涵对比，将艺术家们对人性和艺术的思考淋漓尽致地表达出来。
对于我国的一些油画艺术家来说，装饰艺术的运用也紧跟时代发展的脚步，得到了一定程度的创新与发展，并在各个时期展现出了多样化的艺术风格。石器时代的彩陶、岩画，到商州时期的龙纹、凤纹等，无一不体现着人类在历史变迁中所产生的情感变革与精神进步，而这些也正是很多创作者一直关注的中国装饰元素内容。一些中国当代的油画艺术家凭借对艺术的理解与时代的发展，不断将中国传统的意境与形式渗透到艺术创作中，更好地将作品表现的情感与思想传递给观赏者，比如周春芽先生。周春芽早期就对中国传统装饰文化有着浓烈的兴趣，其最感兴趣的要数中国传统水墨画的相关笔法与创作精神，在创作过程中，可以明显地感受到他笔下细腻的情感与深厚的内涵。其对中国传统水墨画中的大写意手法与国画中流畅的笔法进行调整及借鉴，并有效地将之与当代油画中的艺术造型进行融合，使中国传统艺术在油画艺术中得到了传承与延续，其比较具有代表性的作品有《假山》《红石》《桃花》《绿狗》等。还有何森先生，对其来说，艺术作品主要处理的始终是人的身体与精神之间的关系，他将痕迹与情绪的关系用笔法和色彩大胆地展现出来，从他的油画作品中，可以明显地感受到寄托于画作之上的物之情与客体之情。其用古今不同的痕迹表达不同的情绪，创作出当代照相写实主义油画，就是以我国传统的水墨画元素为基础，通过一系列夸张、精简等表现手法进行适当的调整，带来令人震撼的视觉效果，使油画作品表现出层次分明的艺术感。在他的画中，中国元素与当代油画的融合毫不违和，在很大程度上使中国的传统文化得到了更广泛的传播，促进了我国传统文化的发展，其代表作品有《青年与城市》《愉快年华》《预言》等[7]。
3 中国装饰元素在当代油画中应用的思考
当前形势下，不难看出，我国的油画艺术家不断运用中国元素的原因有很大一部分是受到了商业化与大众化的观念的影响，其与主流的西方后现代文化有着很大的冲突，导致艺术家们受到波及，部分作品脱离了群众，走入了死角。另外，长时间以来，我国的优化发展都是对西方不断发展的传统或现代艺术风格的作品进行的模仿与借鉴。因此，中国艺术家们必须找准中国油画艺术的定位，并对其中的一些问题进行思考，尽可能地将我国油画艺术的独创性与民族特色展示出来，从而让中国油画艺术具有中国传统特色的文化品格与精神追求，在世界油画中占据一席之地。
创造力是支撑油画艺术不断发展的活力，如今我国绝大多数艺术家在进行油画创作的时候，都会将民间艺术与传统文化巧妙融合，从而产生碰撞，迸发出更多创作灵感。油画作品只有保持创造力，人们才能够在观赏的过程中被吸引，从而产生共鸣，而油画的创作力与想象力不是可以凭空捏造的，只有适当地与其他艺术形式相结合，才可以创造出不断进步的艺术作品，这就给中国传统装饰元素的应用提供了契机。
当前，中国的油画艺术家对西方油画的方法与技艺等方面的内容进行了不断的学习与改进，并在自身的油画创作过程中融入中国装饰元素。这不仅仅是艺术语言技法的展现，更是为油画艺术注入灵魂与民族内涵的关键，也是对中国历史长河中积淀的文化产物的运用，不仅提升了油画的美观度，还提升了油画的观赏性，其也不仅仅只是浮于表面的装饰物，更重要的是中国装饰元素蕴含着中国传统文化的延续性和启迪性，可以使中国在世界油画艺术舞台上占据一席之地，让东方文化逐渐得到世界的重视，推动世界人民深入认识与了解东方文化的精神与内涵。
4 结语
在现阶段的油画艺术创作中，越来越多的艺术家喜爱和推崇中国装饰元素的运用，在不同的油画作品中也可以看到许多中国装饰元素的痕迹，其与西方绘画艺术相结合，可以更好地将绘画作品的生动气韵展现出来，对于油画艺术的不断发展有着重要的推进意义。纵观当代油畫领域，中国装饰元素的应用势必给油画艺术带来更大的影响，其自然真挚的情感与典雅庄重的内涵都在不断地传递着中国文化的力量，也希望今后当代油画可以淋漓尽致地体现出创作的精神与意义，希望中国装饰元素艺术与中国传统文化可以在当代油画的承载下得到进一步的发展。
参考文献：
[1] 曹昱.谈设计元素在当代油画创作中的体现[J].才智，2015（30）：277.
[2] 张晓杰.中国元素在当代油画艺术中的体现[J].名作欣赏，2012（27）：156-158.
[3] 陈旺，陈良雨.传统中国画审美元素在当代油画风景创作中的运用研究[J].美与时代（中），2016（01）：27-28.
[4] 冯瑞.中国装饰元素在当代油画中的应用[J].艺术研究，2011（04）：136-137.
[5] 卢克斌.论油画中的中国画元素[J].成功（教育），2011（09）：1.
[6] 马新平.中国画元素在油画中的应用[J].艺术探索，2009（04）：105-106.
[7] 王猛.当代油画中传统与个性的思考[J].艺术探索，2008（04）：87-88+106.
作者简介：陈彦彤（1995—），女，福建莆田人，硕士在读，研究方向：油画。
中外艺术史论文范文第2篇
在一般人的印象中，鲁迅是一位伟大的文学家，他的文学作品广为人知，具有世界性的影响。在中国现代文学史上，鲁迅是首屈一指的人物，其地位无可撼动，也无可置疑。
但是，鲁迅又不仅仅是一位文学家，他于中国现代美术的贡献，同样巨大。我们称鲁迅是一位杰出的、伟大的美术家，似乎并不为过。
通过对鲁迅和中外美术关系的考察，我们可以探寻他的美术世界。
一、鲁迅的美术实践活动
鲁迅对美术的兴趣，始于他童年时期接触到的民间美术和古籍插图。
《阿长与〈山海经〉》中就提到，他曾经在一个远房叔祖玉田公那里看到了上面有许多图画的《花镜》，又从这位长辈口中听到了绘图的《山海经》，那“画着人面的兽，九头的蛇，三脚的鸟，生着翅膀的人，没有头而以两乳当作眼睛的怪物”，对童年的鲁迅具有极大的诱惑。这部令鲁迅梦寐以求的带有图画的书，终于通过他的奶妈阿长买来，使年幼的鲁迅对她产生了新的敬意。由此，鲁迅更加留意搜集带有插图的书，包括石印的《尔雅音图》《毛诗品物图考》和《点石斋画报》《诗画舫》等画报图书。
鲁迅二弟周作人在《鲁迅的故家》中说：“鲁迅从小就喜欢看画书，也爱画几笔，虽然没有后来画活无常的那么好，却也相当的可以画得了。”鲁迅三弟周建人(笔名乔峰)在《略谈关于鲁迅的事情》中写道：“鲁迅先生小时又喜欢描画，画的多数是人物，从各种书上映画出来，后来钉成本子。用的纸多是荆川纸，光、薄、透明。”“鲁迅先生小时候买的书多数是‘花书’，便是各种画谱，细细翻阅，收藏起来。”“他幼时很爱画，放学的时候我常常看见他去买画谱。他把过年时候的压岁钱等所得的钱，总去买画谱。向书坊要了目录来，看有什么可买的。如《海仙画谱》《海上名人画谱》《阜长画谱》《椒石画册》等等，买了许多，当然，并不是怎样好的版本，无非木刻或石印的。”“看画谱的时候常常在晚上。母亲房里有一顶四仙桌，晚饭后，他揩干净桌子，搬出画谱来，一张一张翻开来看。”“不但看画谱，而且还喜欢画，有一时期是用荆川纸，因它薄而透明，映在上面描绘。”
看谱、临摹日久，鲁迅逐渐练就了一定的绘画基本功。他曾经画了一个人倒在地上，心口刺着一支箭，上题字曰“射死八斤”，借此发泄对一个欺负幼小者的本家兄弟的不满;他还给周建人画过一个水墨扇面，上面是一块石头，旁边有虎耳草，还有一只蜗牛在石头上爬。在《从百草园到三味书屋》中，鲁迅曾回忆起私塾的生活：“我是画画儿，用一种叫作‘荆川纸’的，蒙在小说的绣像[1]上一个个描下来，像习字时候的影写一样。读的书多起来，画的画也多起来;书没有读成，画的成绩却不少了，最成片段的是《荡寇志》和《西游记》的绣像，都有一大本。后来，因为要钱用，卖给一位有钱的同窗了。”
到南京求学时期，鲁迅开始接触西方科学，像《地学浅说》《金刚识创》等书中的插图，鲁迅都认真描摹。他还不时搜集一些画谱、画页，如周作人在1898年正月初一的日记中记载：“兄往越，带回……《梅岭百鸟图谱》二本，锦套，《虎口余生记》一本，画报一本，《紫气东来图》一张着色，中西月份牌一张。”[1]次年十月(旧历)中旬，鲁迅还托人带给家人一张自绘的江南陆师学堂俯视图和一部三函十二册的《芥子园全集》。
鲁迅赴日就读仙台医学专门学校期间，绘画才能更加显现。鲁迅绘制的医学解剖图准确、逼真，几乎可以和印刷品媲美。1909年8月，鲁迅结束了留学生涯回到国内，在浙江两级师范学堂担任生理学、化学教员，并编写了后来定名为《人生象敩》的课程讲义，内中的插图均为鲁迅绘制，生动而准确，令人叹为观止。
任职教育部后，魯迅仍未放下绘画，例如他曾经分两次补绘了《於越三不朽图》中的缺页。有一次，他在琉璃厂见到一部《晚笑堂画传》，尽管印得很粗劣，但还是买了下来，“以供临习”。还有一次，鲁迅买到了北邙山出土的几件明器土偶，他见到土偶的神态，兴致大发，将这些土偶一一描绘下来，其中一幅《镇墓兽图》题字曰：“莫名其妙之物一，亦土制，曾搽过红色，今已剥落。”“此须翘起如洋鬼子，亦奇。今已与我对面而坐于桌上矣。”“此公样子讨厌，不必示别人也。”另一幅《陶俑图》则题写道：“偶人象一，圆领披风而小袖，其裙之襞积系红色颜料所绘，尚可辨，高约八寸，其眉目经我描而略增美。”
鲁迅在广州作《朝花夕拾》后记时，找不到“活无常”的插图，干脆自己动手，凭借少年时期看目连戏或迎神赛会的印象，画了一个“活无常”(图1)，造型、线条、人物神态都很出色，这也得益于他的童子功。
鲁迅的美术特长也得到了社会的认可和重视。鲁迅、钱稻孙、许寿裳曾受总统府委托，设计了中华民国的第一枚国徽。1912年10月，鲁迅的学生宋琳等人在绍兴创办《天觉报》，请鲁迅给予支持和鼓励，鲁迅于是画了一幅《如松之盛》表示祝贺，这幅画上的松树主干遒劲、松枝茂密，构图、线条、点染均成熟老到。1916年12月，蔡元培出任北京大学校长，他深知鲁迅的美术修养之高，在次年请鲁迅为北京大学设计校徽。鲁迅于1917年8月7日将设计稿寄交蔡元培，随即被采用。这枚校徽上有篆书“北大”二字，“北”字如两人背靠相坐，“大”字如力士屹立正中，构成“三人成众”的意象，同时又有一人背负两人的“肩负重任”之感。“北大”二字共同构成了一个圆形图案，便于制作圆形徽章(图2)。鲁迅设计的校徽构图简洁大气，线条流畅规整，堪称绝妙之作，今日的北京大学校徽就是在鲁迅设计方案的基础上改制而成的。
鲁迅还喜欢用在信中画图画的方式解答友朋的疑问。为了给民俗学家江绍原解释古代坟墓中的“拖鞍”，鲁迅特意画了一幅略带写意的《拖鞍图》;为了解答日本友人增田涉翻译《中国小说史略》时遇到的种种疑问，鲁迅不厌其烦地为其绘制“一枝乳枣”“秋叶式洞门”“花枪”等图案。
二、鲁迅美术思想的形成
(一) 倡导学习日本的美术教育
1902年3月，魯迅以一等三名的成绩从矿路学堂毕业，随后作为清政府官费留学生前往日本。在日本留学期间，除了学医和从事文学翻译之外，鲁迅还留心绘画和艺术理论的研究。1903年1月底，鲁迅和陶成章、许寿裳等29名绍兴籍留日学生联名发出《绍兴同乡公函》，介绍了日本的美术教育情况：“试一入日本工艺美术各学校中，其髹漆，其雕刻，其锻冶，又若刺绣，若织物，若染色物，皆日新月异，精益求精。而又若造纸(近日新发明用木料造纸)，若铜板，若写真，若制皮诸事，无不尽工极巧，日有进步。即瓷器为我中国所固有者，今日本且骎骎乎欲驾而上之。”这些年轻人感叹中国艺术的停滞不前，因此呼吁乡人“求智识于宇内，搜学问于世界”，“惊醒我国人之鼾梦，唤起我国人之精神”[1]。
(二) 论证科学与艺术的辩证关系
1908年6月，鲁迅在《河南》杂志第五号发表了《科学史教篇》，介绍了西方科学技术的发展进程，同时也论述了科学与艺术的关系，认为二者“皆所以致人性于全，不使之偏倚，因以见今日之文明者也”，因此不可偏废，“盖无间教宗学术美艺文章，均人间曼衍之要旨，定其孰要，今兹未能”。在鲁迅看来，人类社会的发展，不仅要有波尔、达尔文这样的科学家，还要有拉斐尔、贝多芬这样的艺术家。
(三) 论述美术的含义及作用
1912年2月，经许寿裳推荐，鲁迅接受蔡元培的邀请到南京临时政府教育部任部员。5月5日，鲁迅随部迁入北京，任社会教育司第一科科长，主管文化、科学、美术工作。按照许寿裳的说法，“蔡先生也知道鲁迅研究美学和美育，富有心得，所以请他担任社会教育司第一科科长，主管图书馆、博物馆、美术馆等事宜”[1]。当时的教育总长蔡元培强调美育的重要性，甚至提出“以美育代宗教”说，鲁迅积极响应，以文言撰写了长文《拟播布美术意见书》，论文分为何为美术、美术之类别、美术之目的与致用、播布美育之方四部分。认为“美术者，有三要素：一曰天物，二曰思理，三曰美化。缘美术必有此三要素，故与他物之界域极严”。在谈到美术的目的与功用时，鲁迅认为：“顾实则美术诚谛，固在发扬真美，以娱人情，比其见利致用，乃不期之成果。”鲁迅将美术的功用归纳为三点，一是美术可以表见文化，二是美术可以辅翼道德，三是美术可以救援经济。在这篇论文中，鲁迅还提出了传播美术的方法，其目的在于“发美术之真谛，起国人之美感，更以冀美术家之出世也”。随后，鲁迅从建设事业、保存事业、研究事业三个方面提出了对策，包括建设美术馆、剧场、奏乐堂，举办美术展览会、文艺会，对著名建筑、碑碣和美丽动植物进行保护，将优美林野辟为公园，对古乐、国民文术等进行专门研究，等等。
鲁迅的理想，是通过系统的美术教育来提升国民素质，使国家进入现代文明之境。因此，当听说当局要废除“美育”时，他极为气愤，在1912年7月12日的日记中他写道：“闻临时教育会议竟删美育。此种豚犬，可怜可怜!”这是由于蔡元培辞职之后，次长范源濂代理教育总长，随后在临时教育会议中做出了删除“美育”的决定。在这种情况下，鲁迅依然坚持将夏期讲习会中的《美术略论》讲完，以示对当局的抗争。
1913年8月，鲁迅翻译了日本心理学家上野阳一的论文《艺术玩赏之教育》，其章节包括序说、在绘画玩赏上轮廓与色彩之位置、模仿与艺术玩赏之关系、形式美之玩赏、内容美之玩赏及结论。鲁迅在《译者附记》中认为这篇论文“所见甚挚，论亦绵密。近者国人，方欲有为于美育，则此论极资参考”。
(四) 寄希望于新兴的美术
1918年12月29日，鲁迅在《每周评论》上发表了《〈美术〉杂志第一期》，就民国初年起一些时髦人士对于美术“只是说得多，实做得却少”的现状提出了批评，认为“直到现在，连小说杂志上的插画家还极难得，何况说是能够创作的大手笔”，“希望从此能够引出许多创造的天才，结得极好的果实”。
1919年3月15日，鲁迅在《新青年》发表《随感录五十三》，再次对中国新兴美术寄予希望，说：“我于美术虽然全是门外汉，但很望中国有新兴美术出现。”“既然自称美术家，即使幼稚，也可以希望长成：所以我期望有个美术家的幼虫，不要是似是而非的木叶蝶。”
(五) 主张美术家要具有高尚的人格
1919年1月15日，鲁迅在《新青年》上发表的《随感录四十三》中，开宗明义的第一句话就是：“进步的美术家——这是我对于中国美术界的要求。”他对上海《时报》刊登的那种“皮毛改新，心思仍旧”的讽刺画，进行了无情的揭露和抨击：“美术家固然须有精熟的技工，但尤须有进步的思想与高尚的人格。他的制作，表面上是一张画或一个彫像，其实是他的思想与人格的表现。令我们看了，不但欢喜赏玩，尤能发生感动，造成精神上的影响。”“我们所要求的美术家，是能引路的先觉，不是‘公民团’的首领。我们所要求的美术品，是表记中国民族知能最高点的标本，不是水平线以下的思想的平均分数。”这些话正是鲁迅所奉行的选择和鉴赏美术的标准。
三、鲁迅对中国传统美术的整理和传承
幼年时的美术熏陶和美术活动对鲁迅产生了深刻的影响，美术仿佛一颗种子，在鲁迅心中生根、发芽并茁壮成长。从现存的鲁迅日记进行考察，鲁迅自1912年之后，曾下大力气从事中国传统美术的搜集、整理和传承工作。这些传统美术用鲁迅自己的话来说，就是“表记中国民族知能最高点的标本”。
(一) 购买画谱、画册和美术类图书
1912年4月，鲁迅刚到南京临时政府教育部不久，就购买了《於越先贤传》和《高士传并图》，这两部书都是清代名画家任熊所绘，线条流畅，形象生动，对晚清乃至民国的人物画创作有着重要影响。之后，鲁迅又买了《百花诗笺谱》《陈章侯人物册》和《中国名画》第十一至第十三集。
来到北京之后，琉璃厂一带的多家店铺都留下了鲁迅的足迹，他在这里购买了大量的画谱、画册和美术期刊。1912年5月8日，即鲁迅来到北京的第四天，就购买了《徐青藤水墨画卷》和《王孤云圣迹图》各一册;21日，鲁迅到宣武门外购得两张花卉册页，一为梅花，一为芙蕖，落款“恽冰”，被他疑为假托之作;30日，鲁迅刚拿到六十元津贴，即在当晚去琉璃厂，买得《李龙眠白描九歌图》和《罗两峰鬼趣圖》两本画谱。
1912年8月21日，鲁迅被任命为教育部佥事，工资增加到两百二十元，买书、买画册的劲头大增。他在琉璃厂有正书局一次性买了《中国名画》第一至第十集，共计十二元，他在日记中以“甚适”形容自己翻看画册时的畅然心情。有时鲁迅在赏玩之后，也将书画图册寄回绍兴老家，由周作人保存，如1913年12月24日，鲁迅就托学生宋紫佩将一只书箱带回，内有图籍二十七种一百四十三册，碑帖四种二十二枚。
鲁迅购买画谱、画册的习惯几乎伴随了他的一生。为了寻找关于写作的材料或给年轻的艺术家提供借鉴，鲁迅搜集了《列仙酒牌》《水浒图谱》《北斋水浒画传》《离骚图》《耕织图》《西厢记图》《百美新咏》《八龙山人画谱》《师曾遗墨》(第一至第十集)等。
(二) 搜集金石拓片
鲁迅1912年6月26日的日记载：“上午太学守者持来《石鼓文》拓片(图3)十枚，元潘迪《音训》二枚，是新拓者，我以银一元两角五分易之。”这是鲁迅在北京最早的搜集碑刻拓片的记录，从此一发不可收拾，除购买大量的碑刻拓片外，鲁迅还开始了抄录、考订、著录的工作。
在《呐喊·自序》中，鲁迅曾经描述过这段生活：“S会馆里有三间屋，相传是往昔曾在院子里的槐树上缢死过一个女人的，现在槐树已经高不可攀了，而这屋还没有人住;许多年，我便寓在这屋里钞古碑。”在鲁迅日记中，也多次出现“录碑”“夜独坐录碑”“夜校碑”的记载。“钞古碑”就是对照古代碑刻的拓片，抄录其中的文字，同时记下碑刻的年代、形制、出土地点、现存放地等信息。周作人回忆，鲁迅“从民四(1915)起一直弄碑刻，从拓本上抄写本文与《金石萃编》等相校，看出许多错误来，这样校录至于半夜，有时或至一二点钟才睡”。“于是他立意要来精密地写成一个可信的定本。他的方法是先用尺量定了碑文的高广，共几行，每行几字，随后按字抄录下去，到了行末便画上一条横线，至于残缺的字，昔存今残，昔缺而今微存形影的，也都一一分别注明。”[1]
1916年1月2日，鲁迅根据自己的收藏，对杨守敬的《寰宇贞石图》进行了重新编订，收入拓本两百三十二种，并编写了总目和细目，注明该石刻的刻立年代、出处、现存处并做了考证，纠正了杨守敬在定名、断代等方面的差错。1962年，郭沫若在翻阅了鲁迅重订的《寰宇贞石图》之后，欣然为该书作序，认为此书的编订“实一至繁重之工作，以一人一手之烈，短期之内，得观其成，编者之毅力，殊足惊人”。指出：“全书系依年代先后编定，井井有条，研究历史者可作史料之参考，研究书法者可瞻文字之演变。裨益后人，实非浅鲜。”[2]如果对中国历代碑刻不具有广泛而深入的研究，是绝难担当此任的，这也正是鲁迅在碑刻艺术研究上的一大贡献。
鲁迅还收集了不少瓦当和古砖拓片。这些拓片大都有图案和文字，可以考察古代的社会风尚和审美趣味。《俟堂专文杂集》就是鲁迅根据自己所藏的古砖拓片编辑出的，共五册一百八十九种。
(三) 搜集、整理汉画像
鲁迅收集汉画像始自1913年9月11日，当日的日记中记载：“胡孟乐贻山东画像石刻拓本十枚(图4)。”
汉画像为我国传统石刻艺术的瑰宝，可谓我国最早的浮雕艺术，墓穴、门阙、祠堂、井栏、桥身等，都有大量的石刻画像存世，其中尤以河南南阳、山东嘉祥数量最多，艺术成就最高。鲁迅对汉画像非常赞赏，他从美术考古的角度，发现了汉画像的艺术价值。鲁迅在《看镜有感》中说：“遥想汉人多少闳放，新来的动植物，即毫不拘忌，来充装饰的花纹。唐人也还不算弱，例如汉人的墓前石兽，多是羊、虎、天禄、辟邪，而长安的昭陵上，却刻着带箭的骏马，还有一匹鸵鸟，则办法简直前无古人。”“汉唐虽然也有边患，但魄力究竟雄大，人民具有不至于为异族奴隶的自信心。”
基于这样的判断，鲁迅下了很大力气收集汉画像及唐代的石刻图案。现存鲁迅收藏的汉画像拓片共六百余幅，其中山东汉画像有三百六十余幅，南阳汉画像两百九十余幅，四川汉画像近四十幅。
1926年8月，鲁迅被厦门大学聘为文科教授和研究教授，10月，厦门大学成立国学研究院，鲁迅特意向全校师生展出了自己收藏的六朝、隋唐等造像拓片，以期传播中国优秀的美术成就。
20世纪30年代初期，中国的新兴木刻运动尚处于萌芽阶段，鲁迅即主张将汉画像艺术与中国新兴版画相融合，创造出既继承传统又具有新的生命的艺术作品。如鲁迅在致青年木刻家李桦的信中说：“惟汉人石刻，气魄深沉雄大，唐人线画，流动如生，倘取入木刻，或可另辟一境界也。”由此可见，鲁迅收集汉画像的目的，一是对中国传统美术遗产的保护，二是对这一宝贵遗产的传播与弘扬。他身体力行，将汉画像图案用于《桃色的云》《唐宋传奇集》《心的探险》《国学季刊》等封面的设计，更在《心的探险》一书标明“鲁迅掠取六朝人墓门画像作书面”。
鲁迅不仅收集汉画像，还进行深入研究和考释。他除列明汉画像拓本的来源、画像所在地、形制、尺寸、承传之外，还著录图案的内容、题字、漫灭程度等。鲁迅曾计划将这些画像编印出版，为此编写了《汉画像目录》《六朝造像目录》《唐造像目录》等。鲁迅在致姚克的信中曾说：“我在北平时，曾陆续搜得一大箱，曾拟摘取其关于生活状况者，印以传世，而为时间与财力所限，至今未能，他日倘有机会，还想做一做。”
蔡元培在《记鲁迅先生轶事》中说：“我知道他对于图画很有兴会。他在北平时已经搜辑汉碑图案的拓本。从前记录汉碑的书，注重文字;对于碑上雕刻的花纹，毫不注意。先生特别搜辑，已获得数百种。我们见面时，总商量到付印的问题。因印费太昂，终无成议。”挚友许寿裳评价鲁迅：“搜集并研究汉魏六朝石刻，不但注意其文字，而且研究其画像和图案，是旧时代的考据家赏鉴家所未曾着手的。他曾经告诉我：汉画像的图案，美妙无伦，为日本艺术家所采取。即使是一鳞一爪，已被西洋名家交口赞许，说日本的图案如何了不得，了不得，而不知其渊源固出于我国的汉画呢。”
(四) 编印《北平笺谱》和复刻《十竹斋笺谱》
尽管鲁迅对旧传统、旧文化、旧道德曾经进行过深刻揭露和无情批判，但是，他对于优秀的传统文化却从不排斥，而且尽自己的最大努力进行保护、整理和传播。正如鲁迅在《木刻纪程》小引中所言：“采用外国的良规，加以发挥，使我们的作品更加丰满是一条路;择取中国的遗产，融合新机，使将来的作品别开生面也是一条路。”编印《北平笺谱》(图5)和复刻《十竹斋笺谱》(图6)就是鲁迅这一思想的最好体现。
1929年和1932年的两次北平之行，使鲁迅萌生了搜集笺纸、编辑笺谱的念头。1933年2月5日，鲁迅致信郑振铎：“去年冬季回北平，在琉璃厂得了一点笺纸，觉得画家与刻印之法，已比《文美斋笺谱》时代更佳，譬如陈师曾、齐白石所作诸笺，其刻印法已在日本木刻专家之上，但此事恐不久也将销沉了。”
郑振铎积极响应，利用在北平任教之便，到琉璃厂一带广为搜罗，寄到上海请鲁迅选定，两人又分别作序，最终完成了中国木刻史上里程碑式的《北平笺谱》，使得大量的笺纸样张得以保存。鲁迅在致郑振铎信中说：“实不独为文房清玩，亦中国木刻史上之一大纪念耳。”在为笺谱所作的序言中，鲁迅再次申明了编印这部笺谱的良苦用心：“则此虽短书，所识者小，而一时一地，绘画刻镂盛衰之事，颇寓于中;纵非中国木刻史之丰碑，庶几小品艺术之旧苑，亦将为后之览古者所偶涉欤。”
《北平笺谱》的编辑出版，获得了超出预料的成功，鲁迅和郑振铎再次合作，决定复刻《十竹斋笺谱》。《十竹斋笺谱》原为明代胡正言(字曰从)编印的花笺图谱，分为四卷，收录花笺两百八十余幅，于明崇祯十七年(1644)印行。纵观古今，《十竹斋笺谱》堪称中国木刻史上的巅峰之作，该谱采用的饾版、拱花工艺精妙绝伦，罕有其匹。但此谱流传甚少，至民国期间几成海内孤本。为了复活这部古书，鲁迅与郑振铎根据北平通州王孝慈所藏原本，以“版画丛刊会”的名义合资复刻重印。1934年12月，该书第一册印制成功。由于复刻工程难度甚大，鲁迅生前只看到第一册的出版，其余三册直到1941年方全部完成。
四、鲁迅对外国美术的接受与传播
鲁迅接触外国美术始于留学日本仙台医学专门学校期间，他对日本的古旧画谱非常喜欢，但限于财力，只能买一些吉川弘文馆根据旧版新印的谱本，其中即有自称“画狂老人”的葛饰北斋的画谱。
1907年，鲁迅、周作人、许寿裳等人开始筹办《新生》杂志，鲁迅亲自设计封面，他从以前买到的英国19世纪画家瓦茨(Watts George Flederic)的《瓦茨画集》中选择了一幅彩色油画《希望》(画一个诗人，闭着眼睛，抱了竖琴，半卧在地球上面，图7)作为封面画，又另选了两幅画作为杂志的插图，但由于经济方面的原因，《新生》未能办成。1909年，鲁迅将过去翻譯的外国小说编为两册《域外小说集》(图8)，鲁迅仍自己设计封面，他将原文中的版画插图——希腊女神抚琴迎接初升的太阳——与陈师曾题写的篆书书名组合在一起，中西合璧，反映了鲁迅独特的审美能力。
在北京教育部任职时期，鲁迅一边访求中国传统的画谱画册，一边留心搜集、阅读外国的画册和美术图书。他让周作人把存放在绍兴家中的外文美术书籍如德文的《卢那画传》《鬼怪奇觚图》《近世画人传》和珂纳柳思的《有形美术要义》、日文的《小供之画》等书寄到北京，还通过日本的书店进行邮购。如1913年2月24日，鲁迅收到相模屋寄来的包裹，其中有《笔耕园》《陈白阳花鸟真迹》。26日，鲁迅邀请一位姓戴的好友来家中欣赏《笔耕园》，“以为甚佳”。1924年4月4日，鲁迅通过日本的丸善书店购得《比亚兹莱传》，为后来编辑“艺苑朝华”丛书的《比亚兹莱画选》奠定了基础。
1924年之后，鲁迅的眼界更为开阔，通过日本人在北京开设的书店“东亚公司”购买了不少美术图书，如《新俄美术大观》《艺术的本质》《近代美术十二讲》《日本漫画史》《美学》《美学原论》《无产阶级艺术论》等。
1927年10月3日，鲁迅来到上海，10月8日，鲁迅到内山书店购买了《蕗谷虹儿画谱》一、二辑。此后，鲁迅大部分关于美术的图书都通过内山书店购入，重要的有《日本原始绘画》《世界美术全集》《给作版画的人》《近代美术史潮论》《西洋美术史要》等。买到坂垣鹰穗《近代美术史潮论》之后，鲁迅开始着手翻译，并在《北新》半月刊连载，后出版单行本，令中国的美术工作者眼界大开，极为受益。
对于附有版画插图的书，鲁迅也极为关注，搜集了《弥耳敦失乐园画集》《但丁神曲画集》等。
如果说鲁迅早期的美术活动还停留在自娱自乐的层面，将美术当作茶余饭后的消遣和闲情逸致，那么，他晚年的美术活动则愈多地出于一种责任感和使命感，是一种高度自觉的行为，尤其是鲁迅致力于外国版画艺术的引进和传播，其目的在于推动中国青年美术家的进步。
(一) 编辑“艺苑朝华”丛刊
鲁迅来到上海之后，有感于中国新兴的木刻运动缺少可供参考的资料，于是和柔石一起组建了朝华社，出版“艺苑朝华”丛刊，意在引进清新、刚健质朴的文艺。“艺苑朝华”丛刊共有《近代木刻选集(一)》《近代木刻选集(二)》《蕗谷虹儿画选》《比亚兹莱画选》《新俄画选》五辑，是以专辑画册的形式介绍外国美术作品的期刊，鲁迅为此亲拟广告，说：“虽然材力很小，但要绍介些国外的艺术作品到中国来，也选印中国先前被人忘却的还能复生的图案之类。有时是重提旧时而今日可以利用的遗产，有时是发掘现在中国时行艺术家的在外国的祖坟，有时是引入世界上的灿烂的新作。”
鲁迅不遗余力地引进外国版画的原因，在他为《新俄画选》作的小引说明中有所解释：“多取版画，也另有一些原因：中国制版之术，至今未精，与其变相，不如且缓，一也;当革命时，版画之用最广，虽极匆忙，顷刻能办，二也。”
(二) 出版《梅斐尔德木刻士敏土之图》
1931年2月，鲁迅以三闲书屋的名义，自费出版了《梅斐尔德木刻士敏土之图》。鲁迅在为该书所作的序言中认为：“这十幅木刻，即表现着工业的从寂灭中而复兴。由散漫而有组织，因组织而得恢复，自恢复而至盛大。也可以略见人类心理的顺遂的变形。”称梅斐尔德(Carl Meffert)在德国“是一个最革命底画家”，“他最爱刻印含有革命底内容的版画的连作”，其《士敏土》插图“示人以粗豪和组织的力量”。该书出版后，鲁迅分两次在三闲书屋的图书广告中推介这部画集，称此书中的木刻“气象雄伟，旧艺术家无人可以比方”，认为梅斐尔德的木刻“黑白相映，栩栩如生，而且简朴雄劲，决非描头画角的美术家所能望其项背”。
(三) 为《一个人的受难》作序
1933年春，良友图书公司编辑赵家璧在上海一家德国书店中买到比利时版画家麦绥莱勒(Frans Masereel)的四种木刻连环画，决定翻印出版。应赵家璧之请，鲁迅为其中的《一个人的受难》作序，认为麦绥莱勒“作品往往浪漫、奇诡，出于人情，因以收得惊异和滑稽的效果。独有这《一个人的受难》(Die Passion eines Menschen)乃是写实之作，和别的图画故事都不同”。
鲁迅之所以答应为本书作序，还有一层考虑就是为中国新生的版画力量提供有益的借鉴。他在1933年10月8日致赵家璧的信中说：“M.氏(指麦绥莱勒)的木刻黑白分明，然而最难学，不过可以参考之处很多，我想，于学木刻的学生，一定很有益处。”
(四) 编印《引玉集》
《引玉集》(图9)是鲁迅编辑的苏联十一位版画家的木刻选集，收录作品五十九幅。鲁迅对苏联版画家作品的收集，始于1931年校印曹靖华译《铁流》之时，他曾函请在苏联讲学的曹靖华搜集毕斯凯莱夫所作木刻《铁流图》及其他木刻家的作品。不久，曹靖华将《铁流图》寄到，信中对鲁迅说，这些木刻作品无须付款，只要给木刻家们寄些中国宣纸即可，因为最适合木刻的拓印。于是，鲁迅选购了多种宣纸和日本纸通过曹靖华转给了苏联的部分版画家。此后，鲁迅陆续收到这些版画家赠送的作品原拓一百零九幅，鲁迅选出其中的一部分，编成了《引玉集》。其书名来历正如该书的《后记》中所说：“我对于木刻的绍介，先有梅斐尔德的《士敏土》之图;其次，是和西谛先生同编的《北平笺谱》;这是第三本，因为都是用白纸换来的，所以取‘抛砖引玉’之意，谓之《引玉集》。”在后记中，鲁迅还简述了搜求苏联版画的经过，着重介绍了其中六位版画家的传略，表示存有“这一种原版的木刻画，至少一百余幅之多，在中国恐怕只有我一个了”，担心一旦散失，“在我，是觉得比失了生命还可惜的”，“我便决计选出六十幅来，复制成书，以传给青年艺术学徒和版画的爱好者”。在文末，鲁迅还充满信心地说：“对于木刻的绍介，已有富家赘婿和他的帮闲们的讥笑了。但历史的巨轮，是决不因帮闲们的不满而停运的;我已经确切的相信：将来的光明，必将证明我们不但是文艺上的遗产的保存者，而且也是开拓者和建设者。”此书也以三闲书屋的名义，于1934年5月出版，为了保证质量，鲁迅特地通过内山书店，由日本东京洪阳社以珂罗版精印，然后再回国装订。
(五) 编印《凯绥·珂勒惠支版画选集》
1936年5月，鲁迅以三闲书屋的名义，自费编印了德国女艺术家凯绥·珂勒惠支(K?覿the Kollwitz)的版画集。鲁迅对珂勒惠支(图10)的艺术颇为推崇，1930年7月15日，鲁迅托徐诗荃自德国购得《凯绥·珂勒惠支作品集》一册，次年又托史沫特莱向珂勒惠支本人求购版画原拓，1934年7月19日又自商务印书馆购得《凯绥·珂勒惠支作品集》一册。在此基础上，鲁迅选出二十一幅版畫编辑成书，在该书的《序目》中，鲁迅详细介绍了珂勒惠支的生平，对所收录作品的特色进行了一一评价，认为：“在女性艺术家之中，震动了艺术界的，现代几乎无出于凯绥·珂勒惠支之上——或者赞美，或者攻击，或者又对攻击给她以辩护。”“只要一翻这集子，就知道她以深广的慈母之爱，为一切被侮辱和损害者悲哀、抗议、愤怒、斗争;所取的题材大抵是困苦、饥饿、流离、疾病、死亡，然而也有呼号，挣扎，联合和奋起。”
对于这部画集，鲁迅所付出的不仅仅是金钱。他亲自选画、排序、添夹衬纸、设计封面、题写书名、撰写序目、联系印刷、托人装订，所有这些，在他给好友许寿裳的赠书题记中可见一斑：“印造此书，自去年至今年，自病前至病后，手自经营，方得成就。”
(六) 翻印《死魂灵一百图》
该书为俄罗斯作家果戈理小说《死魂灵》的版画插图集，收入俄罗斯版画家阿庚(A.A.Aгин)所作版画一百零三幅，另附棱诃罗夫所作绘画十二幅。
1935年11月初，青年翻译家孟十还在一家旧书店里发现了一本1893年俄文版的《死魂灵一百图》，将这个消息告诉了鲁迅，鲁迅立即交给黄源二十五元转孟十还，将这部珍贵的原版书买下，随后决定翻印(图11)。在为该书所作的《小引》中，鲁迅说明翻印此书的目的：“除绍介外国的艺术之外，第一，是献给中国的研究文学，或爱好文学者，可以和小说相辅，所谓‘左图右史’，更明白十九世纪上半叶的俄国中流社会的情形;第二，则想献给插画家，借此看看别国的写实的典型，知道和中国向来的‘出相’或‘绣像’有怎样的不同，或者能有可以取法之处。”1936年7月，鲁迅以三闲书屋名义自费翻印此书，由上海文化生活出版社发行。
(七) 编选《苏联版画集》
1936年2月，苏联版画展览会在上海青年会开幕，展出苏联版画家法复尔斯基(V.Favorsky)、克拉甫兼珂(A.Kravchenko)、冈察洛夫(A.Goncharov)、毕斯凯莱夫(N.Piskarev)等人的作品约两百幅，一时观者踊跃，反响热烈，文化界人士纷纷建议上海良友图书公司出版一部画集。有鉴于此，赵家璧于4月1日致函鲁迅，请求编选原作并作序。4月7日，鲁迅抱病前往良友公司选定了其中的一百八十幅作品。6月23日，鲁迅请许广平将其发表于《申报》的《记苏联版画展览会》一文录出并记录其口述的四段文字，将两部分合在一起成为《〈苏联版画集〉序》，序中认为这些作品反映了苏联社会主义建设的真实，“令人抬起头来，看见飞机、水闸、工人住宅、集体农场”，称这些作品“各各表现着真挚的精神”，“真挚，却非固执，美丽，却非淫艳，愉快，却非狂欢，有力，却非粗暴;但又不是静止的，它令人觉得一种震动——这震动，恰如用坚实的步法，一步一步，踏着坚实的广大的黑土进向建设的路的大队友军的足音”。1936年7月，鲁迅收到了上海良友图书公司赠送的五本样书，三个半月之后的10月19日，鲁迅与世长辞，这本《苏联版画集》也就成为他编选的最后一部美术作品。
鲁迅先生是杰出的学者，历史的巨人，他在美术上的成就与他的文学成就一样，是人类文化史上永久的丰碑!
[1] 出自《鲁迅佚文全集》，刘运峰编，群言出版社2001年版。
[1] 绣像，原指丝线绣成的人像，后指插附在书刊中的图画，也即插图。
[1] 出自《鲁迅回忆录·专著》，《鲁迅研究月刊》选编，北京出版社1999年版。
[1] 出自《鲁迅回忆录·专著》，鲁迅博物馆《鲁迅研究月刊选编》，北京出版社1999年版。
[2] 出自《鲁迅重订寰宇贞石图》，北京鲁迅博物馆、上海鲁迅纪念馆编，上海书画出版社，1986年版。
[1] 出自《知堂回想录》，周作人著，河北教育出版社2002年版。
[作者简介]刘运峰，南开大学文学院教授、博士生导师。刘璁，南开大学文学院助理研究员。
中外艺术史论文范文第3篇
【摘要】学生在艺术参与过程中发展着自尊、自律、合作、自我激励、审美能力， 这些无疑是中小学生学习、生活成功的必要素质。艺术教育是素质教育的重要组成部分， 也是提高学生整体素质的途径之一。本文在充分论证艺术教育对中小学生素质和全面发展重要作用的同时， 对普通中小学校开展艺术教育活动的宗旨、对象、特点和内容提出几点建议。
艺术是人类有文明史以来不可分割的社会组成部分，它已深深根植于人们的日常生活之中， 使人得以充实和完善。从祭祀祖先的原始歌舞和古代石窟墙壁上留下的精美绘画， 到广场街头热情洋溢的大秧歌队， 再到中央电视台青年歌手大奖赛和CCTV 舞蹈大赛， 艺术始终在以其独有的文化积淀， 通过多种角度描述、界定并深化着人类的历史行程。所以， 艺术因延续并连接着人类历史的传承而成为体现人性渊源的一条长河， 它以新颖和独特的视角向旧观念发起挑战而成为时代变迁的动力， 它也是因能在给人们的记忆中留下美好希冀、激发人们勇气、丰富各类文化活动而成为人们获得愉快和轻松的独特源泉。因此， 在现代教育活动中， 懂得学习和实践艺术是青少年扩展思维和心灵健康发展的重要基础， 艺术与教育密不可分。
回顾艺术与教育的历史， 我国从晚清的新式学堂开始就有了别于传统教育形式中师徒口口相授的新型艺术教育——1918 年设立的国立北京美术学校是中国专业艺术教育开始萌生和发展的标志， 而1927 年在杭州设立的国立艺院、1928 年在上海设立的国立音乐学院使中国专业艺术教育初具雏形。在上世纪上半叶， 以蔡元培、萧友梅、戴爱莲等一批教育先贤， 为开创音乐、美术、戏剧、舞蹈等艺术教育呕心沥血、鞠躬尽瘁， 作出了积极的探索和卓越的贡献； 新中国成立后， 党和政府也非常重视艺术教育， 除建立多类艺术院校外， 还提出“德、智、体、美、劳” 五育并举的口号以加强和促进普通学校的艺术教育； 1988 年，国家教委将美育作为综合文化素质的重要组成部分纳入了文科教学内容， 特别是近年来， 许多普通大学都建立有艺术系用以广泛开展艺术教育， 普及和提高艺术修养……因此， 艺术教育已经成为提高和优化青少年人文素质及全民文化修养教育的重要举措， 而艺术教育的大力发展也映衬了艺术教育对迅速提高国民素质所展现出的不可替代的重要地位与作用。
从世界环境来看， 2000 年美国教育法就已通过立法程序将艺术教育写进联邦法律。该法令承认艺术是一门核心科学， 在教育中具有与英语、数学、历史、政治、地理等学科同样重要的地位， 继而还正式出台了美国学校艺术教育有史以来的第一套在联邦政府领导下、由四门艺术教育学科（音乐、舞蹈、戏剧、视觉艺术） 组成的全国性权威组织研制编写的美国《艺术教育国家标准》。《标准》中阐述了艺术与社会的关系、艺术教育的益处、艺术教育在生活和学习中的重要性、艺术教育的内容标准和成就标准等内容和要求。《标准》的出台， 既体现出超前意识下高水平的教育科学理论， 也表现出美国政府以独特的发展视角，力图使人民在综合素质方面优先发展于其他国家的一种先进举措，相信这种积极的意义对我国学校艺术教育与素质教育有一定的参考价值。
通过各种实践证明， 在任何一种体制下艺术教育与社会文明都是密不可分的， 也是其他任何教育形式所不可替代的。随着时代的发展和社会的进步， 我国的艺术教育也逐渐地、广泛地与人们的生活和学习紧密联系起来。国务院在《关于深化教育改革、全面推进素质教育的决定》中指出， 实施素质教育的方针， 就是以提高国民素质为根本宗旨， 培养创新精神的实践能力， 造就有理想、有道德、有文化、有纪律和德、智、体、美全面发展的社会主义建设的接班人。众所周知， “社会发展， 教育为本”， 而在教育领域里， 艺术教育是一朵奇葩， 是素质教育的重要组成部分， 更是提高学生（特别是中小学生） 素质的重要途径之一， 忽视艺术教育不仅有碍于高素质人才的培养， 更不利于全面推进素质教育， 从而削弱了社会文明前进的步伐。因此可以说， 艺术教育不是一件“检查来了重要、检查走了不要” 的可有可无甚至无足轻重的事情， 而应当成为一项理性的、有序的、综合的社会科学发展事业， 它对保障中华民族的文化修养和人文精神得以弘扬、民族精神得以振兴、经济建设得以发展、国家得以繁荣富强、社会文明得以进步提高必将起到积极的作用， 这是一条社会发展的必然规律。
因此， 艺术教育小而言之对于每一位中小学生来说，关系到他（她） 将来能否成为一个具有艺术感知能力的人；大而言之对于一个民族来说， 则关系到这个社会群体的艺术水准和综合素质表现。在日本， 不会欣赏歌舞伎、不会跳日本民俗舞的人被当作不懂时代文化的人来看待； 在西方， 人们以能够倾听交响乐、观赏芭蕾舞和畅谈歌剧这三大艺术形式而感到自豪； 而在中国， 被西方人称之为“东方歌剧” 的京剧， 作为国粹艺术已被纳入课改后的艺术教材之中， 成为评价一个人艺术修养、文化水平的标志之一。那么， 处于九年义务教育阶段的普通中小学校， 应该如何利用艺术教育营造绚丽多彩的校园文化氛围、提高学生全面素质呢？ 以下就学校艺术教育课程设置的几个具体问题进行探讨：
（一） 中小学艺术教育课程设置的宗旨：普通中小学艺术教育课程的设置， 旨在让九年义务教育中不同年龄阶段的学生掌握基本的音乐、美术及舞蹈知识， 初步学会欣赏中外不同时代和层次的艺术作品， 感受不同艺术的形态特征， 了解不同艺术形成的独特生态环境及其民族文化背景， 进而提升自身艺术修养的综合水平。
（二） 普通中小学艺术教育课程的设置：以基础性教育和素质教育为目标的普通中小学艺术课程的性质是面向全体学生， 它的目的一方面是培养人才， 另一方面是培养人艺术方面的素质。因此艺术教育课程的设置可以分为两大类型： 1. 通过赏析中外艺术经典作品， 使广大学生借助各类艺术作品了解不同民族的历史文化背景和民俗民间风情， 从而间接接受德育与美育的教育； 2. 通过参与第二课堂或参加艺术活动小组来培养健美的体魄与高雅的气质。这一目标可以用舞蹈或合唱的教学形式来达到学生训练形体、锻炼意志和愉悦身心的目的， 或借用歌唱、肢体语言体会不同民族的韵律风情， 用不同的作品风格来丰富人的情感气质， 从而陶冶人的情操。
（三） 普通中小学艺术教育的特点：在教育的普及性质层面上， 面对相近年龄段差异不大的每一位学生或对于不同年龄特征的学生进行多样化的艺术教育活动， 每一位教师都应当具有自己独特的教学方式和方法， 寓教于乐； 在普及的基础上提高素质是普通中小学进行艺术教育的主要教学特点。
（四） 普通中小学校艺术教育的对象：普通中小学艺术教育的对象是指九年义务教育阶段的广大在校中小学生。这些学生性情各异， 有外向活泼的， 也有内敛沉静的。他们学习艺术， 有的是为掌握一种获求生存的专业技能， 有的则富于远见地认为艺术教育独有的“美育” 功能对人的发展具有特殊而积极的意义， 因此， 大力开展艺术教育活动是教育工作者全面实施教育的重要途径。
在经济飞速发展的新世纪， 社会需要素质全面的高科技综合型人才， 而对于这类人才的培养， 不仅要有德育和智育， 更需要美育。因为美育可以使人的心理素质更加完善和成熟， 也更加证明了艺术教育在中小学生成长过程中是不可或缺的， 缺失了艺术知识和技能教育的学习不是全面的、完整的教育。那么， 艺术教育对中小学生的素质提高究竟起着什么样的作用呢？
1. 当今世界科技飞速发展， “全球一体化” 现象越来越彰显出社会文明的高速进步。在这样的社会大环境中，青少年时期正处在学习和掌握知识的黄金阶段， 因而渴望得到更多、更新、更深、更广的知识和经验， 而艺术教育则可以凭借其真实性、概括性、鲜明性和独特性， 有效地帮助中小学生更深刻地探究文化、了解社会， 并在与社会的接触过程中， 潜移默化地获得思想陶冶、情感意识和道德教育， 从而培养其积极、健康、乐观的思想意识和共产主义崇高理想。
2. 艺术教育凭借其传统性和永恒性， 可以通过独特的艺术形式帮助中小学生了解历史、了解民族文化、领悟悠久的传统和丰富多彩的民间艺术， 加强对自己民族和世界社会的尊重， 培养爱国主义情感。
3. 艺术教育凭借其直观性和联系性， 可以帮助中小学生在学习艺术的过程中发展理解社会和欣赏世界的能力，在创造舞蹈、音乐、戏剧、美术等艺术作品的同时， 学会运用多种方式与人们交流思想感情， 学会借鉴和尊重他人的多项思维方式， 从而有力地增强自我表达内涵。
4. 艺术教育凭借其直观性和审美性， 可以帮助学生深化情感、陶冶情操， 在欣赏美、享受美和创造美的过程中，增强对美的感受力与辨别力， 培养学生高雅的审美观和审美趣味， 使他们在美的鉴赏过程中， 懂得什么是美、丑、高尚和粗鄙， 由此激发他们对美的热爱和对丑的厌恶的审美情感， 开发艺术创造潜能， 使之具有表现美的强烈欲望和创造美的良好能力， 在艺术修养的不断提高中培养高尚的道德情操。
5. 艺术教育凭借其创造性和发展性， 可以帮助中小学生开启智慧、激活大脑、诱发各种思维感知， 培养他们创新、勇敢、进取的积极精神， 从而理性地探索、创造、理解和接受事物。
6. 艺术教育凭借其参与性和专业性， 可以帮助学生更具美感， 养成优雅的举止和正确的体态习惯， 使他们身体器官灵活敏锐、身心健康均衡发展， 并在创造自我形象时表现形式更加丰富生动， 在参与集体活动性质的学习过程中养成团结友爱的互助精神。综上所述， 根据时代进步和我国发展的迫切需要， 教育必将以应试教育性质为目的或选拔淘汰为特征的学科教育， 向以全面发展和优化受教育者为特征的素质教育转变的战略性重大转轨。因此， 艺术素质修养的提高要靠艺术教育的扩展来实现， 而艺术教育的扩展是人全面素质提高的表现， 是与全民素质的更高要求相适应的。中国近代史上著名的政治活动家、启蒙思想家、维新派代表人物、著名学者梁启超曾大声疾呼： “少年智则国智， 少年富则国富， 少年强则国强， 少年独立则国独立， 少年自由则国自由， 少年进步则国进步， 少年胜于欧洲则国胜于欧洲， 少年雄于地球则国雄于地球……美哉， 我少年中国， 与天不老！ 壮哉， 我中国少年， 与国无疆！” 相信未来中国中小学生在新教育理念的指引下， 从形象精神到思维思想都会更健康、更文明、更美好。
【参考文献】
［1］ 中国艺术教育大系.#上海音乐出版社， 2013.
【作者简介】孙丽（1970.12— ）， 女， 汉族， 河南省焦作市人， 本科学历， 中教一级职称， 现为河南省焦作市解放区教育局文体卫生工作站副站长。主要研究方向： 艺术教育。
中外艺术史论文范文第4篇
一、高中美术欣赏课的定义
“高中美术欣赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断, 获得审美享受, 并理解美术作品与美术现象的活动, 它能帮助学生在欣赏、鉴别和评价美术作品的过程中, 逐步提高审美能力, 同时学会描述、分析、解释、评价美术作品和美术现象的方法, 了解美术某一门类的特征和发展, 获得有关的美术知识, 理解美术作品的文化含义和风格特征, 形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。”
二、高中生的心理特点
随着青春期的到来, 生理上的急剧变化必然给中学生的心理带来巨大的影响, 处于高一阶段的学生大多数是处于青春期前后, 其心理发展速度往往是跟不上身体的发育速度, 这使得中学生的身心处于不平衡的状态, 引起各种心理发展上的矛盾;这期间身体、心理和社交上的变化使得他们学会了更加谨慎, 批评能力进一步增强, 并开始形成自己的审美偏好, 开始去关心伴随着作品而出现的历史、哲学或者价值观的问题。
三、高中美术欣赏课教学的实践与探究过程
建筑是一门实用艺术, 它是实用与审美相结合的表现性空间艺术, 建筑发展到现在已经不单单具有实用的功能, 审美功能已变得举足轻重了, 但目前中学生对于建筑见解不足, 同时也不能用其他学科来欣赏, 不会举一反三;针对这一问题, 笔者运用音乐知识融入美术学科作为一种重要的媒介, 提高学生对建筑的欣赏水平, 让学生通过对自然美、美术作品和美术现象等进行观察、描述和分析, 逐步形成审美趣味和美术欣赏能力。
1、音乐知识融入美术学科
音乐作为引导课程的导火线, 全文共四个知识点, 宫殿建筑、庙堂建筑、陵墓建筑以及居民建筑, 用音乐来导出这四个知识点的特点, 如:听一首《故宫的记忆》, 在这阶段中, 采取美术与音乐、历史等学科相结合, 采用多种多样的美术教学形式, 这对学生产生直接或间接的影响, 不仅培养学生的艺术能力, 同时还培养学生的思考能力, 促进养成学生善于思考的好习惯, 而不是拘泥于过去的教师教, 学生听的方式, 这一转变, 增强了学生在课堂上的主体地位, 也开拓贯通和跨域转换的多种能力。
用音乐来开展知识点, 这是一种新手段, 在充满乐音的环境中, 会让学生感觉到新鲜, 放松学生的心情, 使学生尽情、自由地参与多种艺术活动, 体验艺术学习的快乐和满足, 获得身心的和谐发展。
2、通过对比的手法来突破重点
整个讲授环节都是通过对比的方式来把握建筑的特点, 用中西方的建筑实物作对比, 如:出示故宫和凡尔赛宫的图片, 一方面通过两幅图的对比, 来对学生提出故宫和凡尔赛宫二者之间的相同点和不同点, 整个环节都是通过对比来展开, 进而得出宫殿建筑、庙堂建筑、陵墓建筑以及居民建筑的特点;通过对比, 来启发学生思考, 加深学生印象, 可以调节课堂的气氛, 改变枯燥乏味的课堂, 并且可以提高学生的能力, 使学习达到事半功倍的效果;另一方面讲解二者的历史以及在当时的地位, 来把握他们内在的意味;
总的来说, 整节课都是教师提出问题, 教师所提的问题没有唯一的正确答案, 而是允许多种可以接受的答案并存, 这些问题都可以进一步探索, 对于这些反映的问题、表现感情的问题、联想问题、评述问题以及推测问题等一系列的问题, 进而达到欣赏的效果, 提高学生的欣赏水平和欣赏能力, 提升他们的认识和评述, 而不是只留在作品的表面上。
3、运用讨论手法来简易教学
让学生讨论中国建筑与西方建筑的主要区别在哪里?
在这一教学环节, 主要以小组的形式进行讨论, 最后得出答案, 一是从建筑的结构上来看, 他们之间建筑的承重结构有很大的不同, 西方以柱、拱等支起建筑物的重量, 而中国以斗拱为基础, 二是从建筑的材料上看, 西方以石为主要材料, 中国以木材、砖为主要材料;三是从建筑风格上来看, 西方的大理石建筑尺度大, 往往能营造出宏大、辉煌的气势, 但是做工较为粗糙, 细部的处理不够精美, 中国的建筑物因材质, 尺度的关系, 比较而言更有精巧感。
这主要采取了讨论型教学手段, 要求学生主动思考, 以及要求每一位学生主动参与, 学生对作品及审美对象的讨论都是随意的、自由联想的和由感而发的;美术欣赏过程包含了许多复杂的、微妙的和多变的诸种因素, 运用讨论的教学手段, 不仅有利于培养学生敏锐的审美感受力和理解力, 而且更好的培养学生对复杂的视觉感受以及其深奥的意义的整体把握的能力。
4、课后反思
对于该课程, 这主要选择了“寓教于乐”的教学手段与形式, 用竞赛的方式激发学生美术学习的兴趣, 使学生在课堂中保持高度的注意和持续的兴奋状态;重点放在了学生身上, 以学生为主, 积极激发学生的思考能力, 让学生获得愉悦和积极的体验, 但在实际教学中却不能关注到每一位学生的学习情况, 往往关注的是大部分学生, 以及在教学过程中, 还没有完全把课堂还给学生, 没有充分地把握教师主导的作用, 所以, 在今后的教学上还应该有待提高。
总之, 为了确保学生在高中美术欣赏课中得到优质的美术教学方法, 我们需要对高中美术欣赏课的教学进行不断的尝试和探究, 通过在探究中发现问题, 针对问题提出解决对策, 循序渐进地改进教学, 促进学生的美术学习, 真正使学生达到素质教育提出的要求。
摘要：美术教学是高中课程的重要组成部分, 它是德、智、体、美全面发展的一部分, 高中美术既能增强学生的专业知识, 还能培养学生对艺术的欣赏, 同时提高学生欣赏水平和审美水平, 更是加强了学生鉴赏能力等综合素质, 所以, 寻求适合高中美术欣赏课教学的方法是刻不容缓的, 身为一名美术教师, 这需要我们不断的实践与探究。
关键词：高中美术欣赏课程,课堂教学
参考文献
[1] 王大根:《美术教学论》, 上海:华东师范大学出版社, 2000年.
[2] 尹少淳段鹏:《新版课程标准解析与教学指导》, 北京:北京师范大学出版社, 2012.
中外艺术史论文范文第5篇
一、外国美术作品欣赏的学习领域在拓展
目前，世界上许多国家美术学科的名称有了改变，其中美国、加拿大、澳大利亚、新西兰等国，已把“美术”改称为“视觉艺术”，英国称为美术与设计。这样的改革，不仅仅是名字上的改变，而是使美术学科超越了传统“纯绘画”或“纯艺术”范畴的教育，为学生提供了更为广阔的艺术学习领域。例如美国的《艺术教育国家标准》中指出，视觉艺术包括：(1)传统物纯艺术，如素描、绘画、版画、雕塑;(2)传播与设计艺术，如电影、电视、平面设计、产品设计;(3)建筑与环境艺术，如都市设计、室内与景物设计、民间艺术;(4)美术作品，如陶瓷、纤维、珠宝、木制作品、纸制作品及其他材料的作品等。所以做为美术教师，我们应与时俱进，提高自己的文化素养，关注社会有关美术的动向。
二、美术欣赏要成为一种文化的学习
视觉艺术、传统艺术和表演艺术为考察美国和世界各国的文化和艺术提供了多样的视角。每一种艺术形式都有其自身的特征和发展变化的历史。学生需要学习各种艺术之间的深远联系，以及特定艺术风格与世界各国文化的历史发展之重要力量，艺术品是世界人民创造、为世界人民所享用的。因而艺术课程建设的一条关键原则，是要注意民族、民俗、传统、宗教、性别等问题，以及各种艺术要素和审美反应中的共性与个性问题。
作为新时期的中学教师应了解欧洲以及其他地方的文化關系，其中包括：(1)毛利人的独特艺术形式;(2)新西兰的艺术形式与欧洲或北美的传统和历史的关系;(3)近来受海外影响的新西兰的艺术形式，例如来自亚洲或澳洲的影响;(4)兼有毛利人和非毛利人方式的艺术形式;(5)来自太平洋岛国的艺术形式;(6)新西兰以外的传统的和当代的艺术形式。由此可见，注重美术文化的学习已是新世纪美术教育的一大特点。通过美术文化的学习可以使学生较为全面地了解美术与人类，美术与生活，美术与情感，美术与政治，美术与历史等方面的联系。
三、美术欣赏中与其他学科的联系与融合
美国全国美术教育协会主席麦克尔德认为，美术学习的潜在范围就如世界的历史一样浩瀚，学习的种类繁多，就如美术和工业设计在当代生活中无所不在一样。学生在校期间，在不同时期，要对世界各民族的文化和视觉艺术进行学习，包括从远古到现在的作品。包括：绘画、素描、印刷、陶瓷和雕塑，学习应用性视觉艺术，如图像设计、建筑和室内装潢。作为一门课，学生们将进行与美术有关的阅读和写作，进行历史研究，讨论和辩论美学问题，了解视觉艺术是怎样影响并提高他们自己现在作为学生，将来作为公民的生活质量的。这一广泛的美术学习基础为把美术与学校其他科目及学生兴趣联系在一起提供了许多机会。
四、注重学生在欣赏课学习方法的改变
罗伯特、斯莱文说过：“建构主义是一种认知发展的观点，学生通过他们的体验和相互配合主动地建立起目的系统和现实的理解过程，儿童通过连续不断地吸取和接纳新的信息，主动地建构知识。”在建构主义的影响下，在教学中应引导学生去体验、尝试并积极地进行探索，改变单纯接受式的学习方式，发挥学生主体性的学习方式。
五、计算机和网络美术教学对外国欣赏课的重要性
随着现代科技的迅猛发展，现代教学媒体普遍运用于美术教学将成为新世纪美术教育最具特色的一道风景线。由于计算机辅助教学，可以把学生丰富的想像力和创作激情顷刻之间变为形象的画面;还可以使教师的板书更加清晰并具有整体性和系统性，可以把多层次，多方位的思维集中在一起进行比较、创造美术、表现自我提供了一种充满乐趣和信心的途径。同时，在欣赏课中，能更直观的进行欣赏课教学，互联网已经成为人们获取信息和对外交流的一个重要方式。制作课件运用到欣赏课中，是很好的教学方法。
今天，从教育的发展看，对美术学科课程进行有效的交叉、整合了全球化教育发展的一种大趋势。尤其是当我们的社会进入到信息的时代，我们必须看到学科发展了，同时又分化了，在发展和分化中走向综合、交叉，变得复杂起来了。正因为如此，美术教师更应该努力回应时代和来自各方面的挑战，努力拓宽自己的视野，在与各学科的对接中吸取营养充实、完善自己，使美术课更具有“文化”的品位与特征，为我们的学生提供一个更符合其成长的学习环境和学习空间，这也是现代美术教育的重要着眼点。