平面设计图设计范文第1篇
摘要：图形是现代藝术设计中的核心创作元素之一，是直观传达信息的有效载体。艺术设计中的图形设计重点创意的表现目的，必须要能够引起观赏者的注意，而利用视错觉的表现手法往往能引起观赏者的目光，制造视觉上的冲击，产生新奇、特别的感受，进而达到设计的目的。随着社会的不断发展，艺术设计也呈现多元化的发展趋势，而视错觉作为一种能够在视觉上为欣赏者带来新奇体验的设计方式，其在艺术设计领域的应用也越来越来受到人们的认可和重视。基于此，本文从视错觉的概念出发，结合经典案例对视错觉在艺术设计领域的应用进行探析。
关键词：视错觉;艺术设计;应用
中国分类号：J524 文献标识码：A
文章编码：1672-7053（2018）07-0083-02
视错觉常被大量运用在平面、产品等的设计上，利用其手法有效的引起观赏者的注意之外，还可造成视觉上的冲击，达到设计目的。视错觉就是当人观察物体时，基于经验主义或不当的参照形成的错误的判断和感知，视错觉的形成来自于人的视觉接受到的信息所形成的知觉与真实的现状不符所产生的现象。如我们在观察图形时，由于对比参照物的不同，会在视觉上对图形信息的判断出现失误，直线甚至可能被看做曲线，二维图形会形成三维效果等。一些学者对这种视觉错位非常感兴趣，并通过设计形成了一些经典的视错觉案例，如缪勒莱耶错觉、附阴影钻石错觉、波根多夫错觉等。随着现代艺术设计领域的不断拓展，越来越多的设计者热衷利用这种视觉上的错位来设计别具一格的作品。
1 视错觉在图形创意设计中的应用
图形是艺术设计中的主要创作元素，在平面设计中，设计者可以利用基本的视觉原理，运用点、线、面、体、空间五种造型元素设计发展出不同的图形，并对图形的位置、大小等进行巧妙的安排，从而在平面空间内形成一种出人意料的图样，在视觉上让人有一种新奇的体验。这对于强化视觉传达效果，增强平面设计作品的艺术感染力都是非常有效的[1]。视错觉在图形创意设计中的应用主要表现在：第一，利用形象同构设计出新的形象，这种设计称为转换设计。即为图形可转换成背景，而背景也可转换为图形。例如图1是一幅经典的两可图，即著名的“鲁宾之杯”，可以看到两个图形，设计者利用黑白为主色调，黑色是两张对称的脸部侧影，而白色部分则构成了一个杯子的形状。这种相互衬托、相互借用的视觉错位，大大强化了作品的视觉张力。第二，利用图底反转体现视错觉，这种设计称为互补设计。英国神经心里学家Richard Gregory（1973）曾经提出：“图形的特征使图形注视点发生错误，所以产生错觉”。当一个画面当中可以看出包含两个以上意义的图形，即为双重意象，称之为多意图形。简单来讲图底反转就是一种多义图形，我们在乍一看到图形的时候，会根据思维定势判断图形的特点，但是仔细观察，图形背景中的画面则浮现出来，一幅全新的图形就会浮现在眼前，图形与背景二者具互补作用，若少了其中一项，则视觉画面的构成便便不成立并失去作用。可延伸其内容或意义，并增加视觉效果与印象，应用的范围涵盖纯美术以及平面设计等。如图2，你看到的是爱因斯坦还是玛丽莲梦露？第三，多维幻想图形，近年来人们对于“3D”的热衷有增无减，一张简单的粘贴画中都会呈现出三维的效果，即设计者利用图形的位置安排，打破空间维度限制，让欣赏者获得三维乃至四维的视错觉幻象（如图3）。
2 视错觉在色彩设计中的应用
色彩是艺术设计中的主要因素，色彩不仅能够传递基本的设计信息，还能够激发人的情感，从而强化视觉效果。在视错觉的应用中，其在色彩表达中主要体现在以下两个方面：第一，不同色调会调动人的不同情感，因此，色彩学中有“冷暖”色调之分，如蓝色、绿色等色调会给中一种冰冷、清爽的感觉;红色、橙色等会给人一种温暖、热情的感觉。这种视觉刺激引发的情感变化本身就带有一种错觉，因此，设计师也更习惯于利用色调上的巧妙设计强化欣赏者的这种错觉。例如图4中，红色的雪花在灰色的背景下与在红色的背景下，看起来更鲜艳，实际上去除背景色彩，雪花的颜色并没有差别，而形成这种视觉错觉的关键就在于色彩的对比，在冷色调的衬托下，红色的雪花看起来更加鲜艳、夺目，而在暖色调的衬托下，红色雪花在色调上的优势就会有所削弱。第二，利用色彩对比引起视错觉。达·芬奇曾说过：“同样美观的色彩之中，凡与它的直接对比色并列的颜色最悦目。”在艺术设计领域，利用色彩对比强化视觉效果的例子比比皆是，例如在“附钻石阴影错觉”（如图5）中，每一个菱形格子中的颜色和敏感度都是相同的，但是在由灰到白的渐变中，观察者的视觉产生错位，并形成了各菱形有不同的明暗的视觉效果[2]，而形成这种错觉的原因就在于两个颜色同样的菱形由于角度的偏差，造成光对色彩反射的重叠以及视觉混乱，大脑自动进行模糊计算，几个菱形相连接的边界会出现浓淡差异，实际上利用特殊的技术手段将每一个菱形分离出来，这种渐变的效果就会消失。在艺术设计工作中，将对比色彩与形状并置排列，使画面产生立体感错视的效果，达到一种特别的美感值得尝试。
3 视错觉在平面设计中的应用
随着现代艺术设计的不断发展，设计者要想从视觉刺激上为欣赏者带来新的体验就应该在创新上下更大的功夫。在平面艺术设计中，视错觉则为设计者提供了一条通往创新的通道。在审美多元的背景下，越来越多的设计者开始采用一些更加随意性、偶然性、自发性的因素来让艺术更加“接地气”。这种平面艺术设计倾向，打破了传统设计中过度修饰的刻意，让欣赏者在更加舒适的环境中获得新的视觉体验，而在这种情况下形成的视错觉往往更具视觉震撼力。
广告是平面设计中的主要内容，而视错觉在广告中的设计也成为现代平面设计者突破传统框架，凸显独特创意的重要方法。如图6为意大利Bye Helmets头盔广告，广告中，设计者抓住了头盔能够保护头部安全的关键性特点，将头盔的形状和人手的形进行同构设计，通过强调“保护手”的样式，来向人们传递安全理念，让消费者意识到生命的脆弱，以及对于摩托车骑手而言，该款头盔能够给你一个像双手一样温暖、安全的保护。
4 视错觉与现代艺术设计
在现代经济社会不断发展的背景下，人们对于艺术的探索也呈现多元化趋势，但是令人感到惊奇的是，艺术设计领域不同门类、不同风格流派对视错觉的应用却呈现出相同的兴趣。他们热衷于在设计过程中利用视错觉的手法来激发欣赏者的注意力，并通过这种看似神奇，实则普通的设计效果，让想象力得到最大限度的发挥，并形成艺术创新的强大动力。例如在绘画领域，立体画派对视错觉的运用最为娴熟。通常我們所说的绘画艺术都是在画布的二维表面进行绘画创作，而立体画派则追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，他们能够在二维的空间里为我们呈现出三维的视觉效果，这一绘画流派甚至被称为一种“完全新的艺术”，而这种崭新的艺术形式甚至致力于突破空间维度的限制，在三维空间内创造一种“第四维”空间的视觉效果。这种超现实的表现手法对于艺术设计是一次新的探索与尝试，而这种由视觉上的错位而激发的天马行空的想象才是艺术设计永不枯竭的根源。除了在绘画艺术中，视错觉在现代建筑设计中的应用也越来越受到人们的青睐。在视错觉的影响下，现代建筑设计师可以突破古典的准则和传统的构图的限制，利用空间和节奏在形式和尺寸上的调整，重新砌叠、块面的组合，并体现出极具立体感的建筑风格，随着人们对现代艺术设计质量要求的不断提高，这种利用视错觉增加建筑艺术视觉冲击力的作品极大地满足了人们的审美要求。在现代建筑设计中，视错觉的应用可以体现在空间节奏的控制上，即设计者通过对空间节奏的把握，将欣赏者的视觉承受能力限制在一定的范围内，避免过度的视觉错位引起不适。
5 结语
总之，视错觉作为一种艺术设计手法，其在设计领域的应用并不新鲜，但是由于这种设计屡屡创造出独特性的效果，其对设计者以及观赏者的创新思维的启发却是不可忽视的。因此，在艺术设计领域我们应该积极探索视错觉的表现手法，但也要避免错用、滥用。将手法的表达控制在艺术规律的适度范围内，让艺术设计作品呈现出最大的视觉传达效果。从艺术设计的角度来看，图像、色彩、线条等设计要素通过重新的结构、组合，是能够获得一种新奇的视觉效果的。一个优秀的艺术设计者能够合理巧妙地使用艺术设计要素的视错觉，从而让艺术作品更加引人入胜，达到最佳的视觉传达效果。在未来的艺术设计中，人们对于视错觉的审美需求逐渐强烈，因此，设计者应该积极探索视错觉与艺术设计之间的联系，并发掘图像、色彩等设计要素在视错觉艺术设计中的应用价值和具体实施方法，让视错觉设计手法在艺术表达中的价值得到最大限度的发挥。
参考文献
[1]张睿，视错觉表现在视觉传达设计中的应用[J].科技资讯，2017，15 （34）：23-24.
[2]刘盒珠，现代艺术设计中视错觉的运用分析[J].中国艺术，2015 （04）：120-121.
平面设计图设计范文第2篇
【 摘要】在西方的艺术史上，艺术和设计从来都是紧密相连，密不可分的。任何时期在艺术领域的巨大变革和思想浪潮都会极大地影响并且渗透到设计领域中，自19世纪末至20世纪初，立体主义是艺术领域中最有影响的艺术运动之一，对其后的现代主义建筑设计影响深远。近年来，随着科技的进步和国际间设计理念的交融，建筑表皮的设计方法打破了以往单纯的造型表现和美学追求的框架，而是更多地关注人文主义和环境，并通过寻求技术与艺术的融合，为建筑表皮的创新设计提供源泉。建筑表皮设计在这股信息化的浪潮中觉醒过来，成为建筑师们表达建筑形象最常用的表现手段，建筑表皮逐渐占据着日趋重要的地位。
【关键词】现代艺术、表皮、平面构成、建筑设计
现代艺术价值的具体表现
1 . 追求纯粹。现代艺术追求规觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素.如历史.宗教、文学与内容的介入。
2 . 引形式之上。重视形式不是现代艺术的特有习性.古典艺术也非常讲究形式感.但古典艺术的形式服从内容表现。或者说，形式隐蔽在形象的后边，哪现代艺术是为形式而形式.赋予形式以独立价值和功能。
立体主义开创了现代艺术的新时代
1.自19世纪末至20世纪初.西方文化出现了一场深刻的变革.特征是反权贵、反传统。这次文化的变革席卷了文化的方方面面，包括思想方法、表现形式和表现手段.它完全的改坐了视觉艺术的内容和形式，而立体主义是当时最有影响的艺术运动之一。
2.平面构成是将两个以上的不同或相同形态的构成元素在二元平面上按照力学原理和视觉效果进行编排和组合，以理性和逻辑推理来创造形象的排列的方法。平面构成以其特有的视觉形态和构成形式组成严谨但又不乏节奏感的画面，营造一种理性、秩序与抽象的视觉美感。本章试图从平面构成的独特角度对建筑表皮进行深入分析，挖掘平面构成中各要素及其构成方式，以及其引发的心理体验。
平面构成的几种表现形式
1.点式构成
在几何学上，点是只有位置而不具有方向与大小的面积，是造型艺术中最小的构成单位。点一般被认为最小的并且是圆形的，但实际上点的形式是多种多样的，有圆形、方形、三角形、梯形、不规则形等，自然界中的任何形态缩小到一定程度都能产生不同形态的点。点是视觉的中心，而且就大小而言，越小的点作为点的感觉越强烈从建筑表皮的视觉表现形式出发，\"点\"作为其构成元素时，并不存在绝对意义的大小和形状，\"点\"在建筑立面表达中是一种具有空间位置的视觉单位。当它们与周围其他造型要素共同比较而具有凝聚视觉的作用时，就可以看作是\"点\"形式的具体化运用。例如世博会期间入驻上海的prada旗舰店，建筑表皮是采用圆点镂空的白色烤漆钢板，一个个的点进行有序的排列在建筑立面上，产生面化感觉，让整个建筑立面出现了视线的焦点，剔除了原有的乏味感。它的外表没有凹凸、没有强烈的体积感和光影效果，有的只是平
滑的表皮。建筑的外墙面由带有众多圆孔的墙板匀质构成，散发出来的神秘光斑，强烈地吸引着人们的视线。这样的设计让人强烈地体会到了一种超脱世俗的简洁与纯净之美。
2.线式构成
线是点移动的轨迹，游离于点和形之间，具有位置、长度、宽度、方向、形状和性格等属性。线形千变万化，是平面构成不可或缺的设计元素。在建筑表皮的构成设计中，凡是细而长的形都可以视作线。
（1）直线
直线有长短和粗细之分：长线具有挺拔和延伸感；短线具有力度和稳定的感觉；粗线让人感觉粗厚笨重；细线让人感觉尖锐纤长。当线具有一定的长度时，由于人的视线会随着线延伸的方向一直连续，让人产生线比原本的长度要长很多的感觉。水平的横线组会增加横向尺度，具有平衡感，垂直的直线组会夸大竖向的尺度，增强崇高感。在建筑中也是这样，在建筑中采用长而细的线条，能增加建筑的宏伟挺拔的感觉；采用短而粗的线条，能增加建筑稳定感，可以降低因建筑体量太宽和高度不足引起的比例失衡感。建筑师在设计中为了让建筑看起了更挺拔，往往会在外立面加上竖向的线式构成形式，例如拉托维斯酒店，从建筑的底部往上看，人的视线会顺着线无限地延伸，仿佛这个建筑已经冲入云端一样。
（2）曲线
曲线具有优雅、柔软、丰满、浑润和舒展之感的女性化特征。采用曲线构成的建筑表皮，可以增强建筑亲和、趣味的感觉。例如由Ron Arad事务所设计的比利时的Mediacit购物中心，该项目的正立面是采用的钢质曲线架构进行造型设计，编排起伏的曲线形成波浪状，屋顶部分则采用红色的铝板和ETFE材料作覆面，给人自由奔放和浑厚优雅的感觉。
3.面式构成
面是是由很多点和线精密排列而形成的，是点和线不断移动的结果，具有一定的长度和宽度。面的可塑性很强，可以表现出丰富的内容和情感，所以在平面构成设计中应用广泛。面与线之间关系密切，一般来说，面塑造的特征是由组成它的线决定的。面的构成方式可以分为实面构成和虚面构成两种，它们对视觉效果的作用和影响非常强烈，各具特色和情感特征。
4.对比
对比就是通过对照比较，借彼此之间的烘托陪衬来突显各自的特点和差异。在建筑表皮的设计中运用对比的手法可以起到个性突出、鲜明强烈的形象感。但是在运用对比手法的时候，设计师一定要把握住对比的程度，如果对比过于强烈，就会显得支离破碎杂乱无章。作为建筑表皮时，对比元素可以是虚实对比、色彩对比、材质对比等。
5.肌理
肌理是不同物体、材料根据其自身的构造以及表面的组织形式和排列方式的不同，呈现出软硬、粗细、光泽、规律等不同物质属性和质感纹理的差异。例如由日本著名建筑师隈研吾设计的蒂凡尼旗舰店，这个改造项目很好的展现了蒂凡尼一直最为精湛的钻石切割工艺，完美地体现了玻璃材质的肌理表达。这座珠宝旗舰店由292块特制的玻璃面板组合而成，每块面板的位置和角度都经过精心安排，让阳光透入面板，再折射出来，无论白天还是黑夜，宛如一颗经过精确切割的璀璨钻石闪耀着迷人的光彩。
发展趋势
近年来，建筑表皮受到越来越多的关注，以赫尔佐格和德梅隆为代表的表皮设计大师创作的一系列作品，在社会上和建筑业获得了广泛的赞誉，平面构成元素在表皮设计中的应用也更为普遍，中外建筑师和理论家也对这一现象进行了深入细致的研究，并取得了许多具有影响力的成果。然而，我们也必须注意到，在中国的建筑设计及理论研究领域，表皮设计更像是一种时尚的潮流，汹涌而至又悄然而去。建筑作为社会文化信息的载体，传递着所属时代的观念，社会及其文化观念上的更新会导致建筑观念及形象的更新。
科技对创断的支撑
表皮的独立为建筑师的创作添加了更多元的选择，也方便了建筑中科学技术的应用。在建筑表皮设计中结合了丰富多样的构造方式和科技的创新能够作用于提升建筑内部环境以及节约能源。要注重科学技术对设计创新的影响，将国外领先的建造手法、材料等成果引入國内，并为我国的建筑表皮设计积累经验。并基于探索建立表达本土民族文化的新工艺，寻求完美融合我国国情的设计手法。
参考文献：
[1]季翔，刘海波 建筑形态与构成.[M]中国建筑工业出版社，2008（07）.第1版
[2]魏晓.现代建筑表皮的材料语言研究.[J]重庆大学.硕士学位论文.2007（05）.
[3]孙超法.半透明的金属建筑表皮.[J]华中建筑，
平面设计图设计范文第3篇
摘 要 随着改革开放日益深入和中国国际地位的不断提高，文化自信和传统文化输出在文化届、设计界愈发引起高度重视。如何让传统文化、中国元素与当代设计业得到有机融合，积极推进文化多元，是当代设计界面临诸多挑战中值得深入思考的问题。本文从中国传统文化元素中的关键元素——汉字来着手，尝试探讨汉字与平面设计内容的有机融合。
关键词 汉字 平面设计 中国文化元素
任何一种文字都是一种民族精神的载体，也是民族独立的象征。汉字可以说是中国传统文化元素中最为重要的组成部分，汉字作为华夏文明的传承载体，业界较为统一的说法是起源于4500年前的甲骨文时期。甲骨文、古文、篆书、隶书、行书、楷书、草书，历史的流转造成了汉字的多种形态。但仔细揣摩汉字的发展形态，汉字无一不经历了从具象到抽象、从象形到会意、从单一到多元的转换。汉字作为华夏文化最具象、最普适的精神载体，具有凸出的象形视觉寓意，伴随着时代发展和越来越强烈的文化自信，越来越多的平面设计从业者主的采用汉字的设计元素，汉字在平面设计中越来越多地从单一信息载体向设计和创意元素转变，越来越多的专业汉字字体也不断涌现，汉字也已成为我国乃至世界平面设计中的重要元素。
1 汉字与平面设计原始契合——象形
汉字作为象形文字，内涵设计元素是它的自带天赋属性。业界普遍认为，世界上大多数文字特别是汉字大致经过了造字、象形结構完善、创意过程，汉字虽然历经数千年的发展一直发生着变化——近代更是历经从繁体到简体的“换代改造”，但无论是数千年前的原始人画符，古代的甲骨文、金文和篆文等都传承了平面符号的主要特征，来自自然视觉平面元素的采集。汉代《说文解字》中，明确提出汉字的起源来自“仰则观象于天，俯则观法于地，观鸟兽之文与地之一，近取诸身，远取诸物。”这一段论述直接明了地告诉我们，汉字是广大劳动人民从大自然、动植物、生产生活中观物取象、采集精华的结果。六书中，更是明确提出象形、指事、会意、形声、转注、假借六种造字之法，值得指出的是，形声、转注、假借是用字法，象形、指事、会意却是实实在在的造型造字法。汉字之所以历经数千年仍使广大平面从业者迷醉，象形和会意这两个与平面设计共同的元素是不可或缺的。今天，我们在博物馆内看到的新石器时代陶作品上的象形文字，俨然就已经是完美的平面设计作品。可以这样理解，象形和会意是汉字自带艺术化属性的源泉，也让广大平面设计者在运用汉字元素进行平面设计时较为容易、自然地找到平衡与结合点。
汉字起源于象形图像符号，那么我们在原始壁画、器皿上看到的图像符号可以说就是汉字的起源，它们恰恰也是最为原始的视觉表达。由图像符号向文字符号转移的过程，也正是汉字本身由象形向会意转移的过程。
一般认为，甲骨文是华夏文明象形文字成型的标志。它初步实现了由图像符号向文字符号转移的过程，脱离了原始的图画图形，标志着人们用会意、抽象的符号记录生产生活、思想感悟的开始。汉字通过视觉形象传播感情、表达意向，逐步汇总归集，形成独特的美学。现代平面设计中很多时候就是讲汉字做图形化的还原，做汉字返回到图形的返璞归真工作，也是对汉字的图形化再创造。由于汉字内涵独特的象形设计元素，运用到平面设计中后表达直观、易懂、实用，能使广大受众迅速接受信息、引起共鸣、激发归属感。
2 汉字与平面设计的深度契合——会意
由于汉字原始的象形特点，给它带来了与生俱来的平面传达优势。伴随着历史的进步特别是近代简体字在汉文化环境的推行，汉字这种古老的字体愈来愈彰显出生机和活力，愈来愈被广大平面设计从业者所接受。在业界信息化、视觉化、模块化不断成熟的基础上，已经成为公认的包含巨大生命力、感染力、传播力的关键性设计要素。
还是回到《说文解字》这本中国原始朴素的汉字典籍。《说文解字》序曰：“仰观奎星圆曲之势，俯察龟文鸟迹之象，博采众美，合而为字”。古人从星宿、龟鸟、植物、生产生活中“博采众美”，形成会意之字。通过汉字的造型来反映客观信息和主观意念。汉字在高度客观的对象形形态进行归纳总结、直观的反映客观世界的同时，也包含着大量的会意主观信息。汉字的主观信息传播意念并不是随着平面设计这一行业而诞生，而是早已作为精神载体在广泛传播。不少在民间流传的、边缘性的文字图案，表现手法一直延用并逐步得到主流承认。就是在现代，例如“囧”这种生造字、孤僻字也屡见不鲜，并借助网络信息化传播以爆炸性的传播力量得到社会公认。
一般来说，汉字在平面设计中的应用承载着信息传播和设计共鸣的双重要素。汉字的平面设计中较为普遍采用的设计办法是依照汉字的意义和内容，从汉字本身的笔划、构架中演变和派生出文图掺杂的美术字，会意绘形的效果十分出众，装饰效果和情趣效果十分突出。汉字本身富含的会意功能，为平面设计中将汉字从传统的象形文字向现代汉字衍射和再创作提供的无限的可能和契机，在表达创作者的思想语意方面有着独特的先天优势。以汉字为主要设计元素的平面设计，象形要素负责直观信息传播，会意要素负责文化共鸣，富有深厚的文化底蕴，起到了珠联璧合的效果。而这些恰恰是现代平面设计所追求的终极效果，是任何其他设计方式所无法取代的。
值得注意的是，在当代文化潮流中，人们的心态往往需要在传统和现代中找到完美契合点，希望自由随性的徜徉在理想和现实的海洋中，人们对平面设计中汉字要素的引用早已脱离了单纯的字面信息的攫取，不再单纯满足于传统的视觉效果，而是要求通过大胆的创新变化、打破字体结构、多变形态组合的方式，形成形式和内容上都更为丰富的组合模式，来满足人们情感表达的需求。可以说，当代平面设计中，汉字设计是象形—会意、感性—理性的双重并轨，感性情感源自于象形，唤起我们的感知；理性需求源自于会意，引起我们的共鸣；两者如同鸟之双翼，缺一不可。
3 汉字在平面设计中创新应用
汉字是华夏文明文化传承的主要信息载体。华夏文明上下五千年，汉文化特别是以汉字为主体的风格设计正在日益受到世界的关注和喜爱。业界一般对夏朝的存在与否存疑，但商朝的确存就来自于甲骨文的发掘，汉字的出现就意味着中国文明的发端，它融合了中华文明的结晶。而在近年，随着文化自信和文化输出，汉字在平面设计中的应用更是突破了传统意义上的汉文化影响区域，逐渐呈现出向世界范围内发展的趋势。同时，随着东西方文化的水乳交融和现代平面设计技法的引入，使得汉字这一平面设计要素以它獨特的艺术美感和应用价值得到业界公认和瞩目。
现代平面设计中，较为常见的汉字应用技法有会意意像构成、结构重组、笔划增减等，都是对汉字的创意再造。平面设计中，汉字应用无处不在。从表象来看，汉字衍射出华夏文明数千年的生活演变和文化精髓。从甲骨文到古文再到现代汉字，每一种语言风格的变化都体现了时代的独特性。汉字是长期设计形成的完美形象。在汉字的发展过程中，用图形记录汉字的文字信息。在汉字的不断发展中，不同的字体也在与时俱进。汉字独特的平面设计特征赋予设计人员新的设计思路，使其设计思想不断创新。
设计师以字体和图形的形式表达语言和情感。汉字用于各种各样的产品和设计，有多种表现形式。从LOGO设计到招贴海报，从产品包装到书籍装帧，从网页平面到VI视觉识别，作为传播工具主体的的汉字是任何设计形式无法替代的。随着时代和科技的不断发展，汉字的应用和美学概念也在不断延伸变化，人们对汉字的传达效果不再单单拘泥于单纯的信息传达，也在追求“采菊东篱下，悠然见南山”或“黄河之水天上来，奔流到海不复回”的意境传达，要求的是思想和心灵的共鸣，是一种建立在审美认同上的信息传播。在信息化设计日新月异的今天，汉字在平面设计中的再出发，存在着无限的可能和想象空间。
不仅是单一的字体，还能够以图形的形式来表达思想。比如汉字在海报设计中的应用，在许多场合都有这样的一种宣传方式出现，作为视觉媒体传播手段，平面广告设计运用文字和图形传达文化商业等各方面的信息，表现了人们的日常生活方式，成就了在人们生活中的独有地位，实现了人们信息化的交流。
就汉字在包装与书籍设计中的应用而言，现代生活中出现的任何产品都是经过包装后才进行销售的，文字设计是其中的重点，如果把产品比作一个人，那么其外包装就如同人的衣装。包装中的文字设计则能展示产品的本质属性。还有在书籍设计中，其主题内容就可依靠封面字体的适当设计表现出来。设计师通过对汉字的设计与点缀，能够使封面设计和包装更加打动人心。
其实，汉字本身就是设计艺术的一种表现形式。平面设计师应进一步发挥汉字的魅力。要把握未来的发展，就要把握设计的目的，分析不同形式的汉字的不同情感，创造出更具表现力的形式。例如，北京奥运会会徽将“北京”字完美地融入到标志设计中，使世界人民领略到汉字的艺术魅力。今后，设计师应尝试用不同的方法将汉字元素嵌入文本，嵌入平面设计，促进我国设计的多样化和多样化。
让我们把视角回到开篇。改革开放已经已经进入第40个年头，随着中国政治、经济、文化的深入发展，我国社会已经逐渐形成一股传统文化复兴的热潮。这种复兴有着深厚的背景和特殊的渊源。作为广大的平面设计工作者，可以不去深入探究“为什么”，但一定要搞清楚“是什么”和“怎么做”。汉字在平面设计中的深度运用无疑为我们从不同角度审视中国传统文化提供了特殊的视角。
参考文献
[1] 任明.从汉字看平面设计——浅析汉字与平面设计.西安科技大学，2012.
[2] 白云.浅谈汉字在平面设计中的魅力.翰林学院，2013.
[3] 李阳.在平面设计中传承汉字文化.西南交通大学艺术与传播学院，2009.
[4] 吴峤.汉字要论.武汉出版社，2000.
[5] 汪尚麟.文字与创意设计.武汉理工大学出版社，2005.
平面设计图设计范文第4篇
摘要：本文主要以探究图像色彩在平面设计中的应用技巧为重点进行阐述，结合当下平面设计专业实际发展情况为依据，首先分析图像色彩在平面设计中的应用必要性，其次介绍图像色彩在平面设计中的具体表现，最后从几个方面深入说明并探讨图像色彩在平面设计中的有效应用，进一步强化图像色彩在平面设计的应用效果，旨意在为相关研究提供参考资料。
关键词：图像色彩 平面设计 应用技巧 有效思路
对于我国的平面设计艺术，其受到西方艺术的充分影响，涉及表现方式以及实现目标层面存在西方特征以及中国元素，此种混合艺术形式在长时间的发展过程中呈现独具一格。优秀的设计师不只是要存在新颖的创意，还应该巧妙的应用色彩，达到平面设计的有效创新[1]。图像色彩在平面设计中的应用意义和应用技巧都值得平面设计专业者进行思考和研究，也是平面设计迅速宣传的发展前提。
1.图像色彩在平面设计中的具体表现
不管是彩色或者无彩色，都存在特殊的含义，任何一种色彩都代表着独特的纯度以及明度，且在不同色彩的搭配期间，色彩的象征随之变化，针对图像色彩在平面设计中的具体表现如下：
1.1红色。图像色彩为红色，代表着冲动与热烈，明视效果比较强，可以传达积极向上与前部奋斗的精神。大红色往往比较醒目，尤其是红旗或者“万绿丛中一点红”;相对浅一些的红色，其代表着幼稚与温;相对深一些的红色，代表着深沉。红色图像和浅黄色图像比较比较搭配，大红色和蓝色或者橙色相互排斥，而和灰色或者奶黄色相适应。
1.2橙色。图像橙色为相对活泼的象征，成为暖色系结构中温暖程度最高的色彩。橙色引进在黑色以及白色之中，会形成明快且稳重的感觉，然而若过多的和黑色结合，便会成为烧焦色彩。在橙色中引进过多的白色，带着甜甜的感觉。同时，橙色的明视觉度比较高，可以充当喜庆的色彩，或者理解为富贵的颜色。将橙色图像和浅绿色图像以及浅蓝色图像进行搭配，形成响亮的颜色;和淡黄色搭配表现一定的舒展感;最好不要将其和紫色图像以及深蓝色图像进行搭配，会产生不纯净的感觉。因为橙色相对刺眼，容易促使人们产生负面的情感，因此橙色图像的使用可以深入的表现出明亮与活泼。
1.3黄色。黄色图像作为灿烂与辉煌的代表，成为骄傲的色彩。黄色可以在紫色或者黑色的映衬之下传达无限的力量，淡粉色可以如同少女一样把黄色这一个王子吸引。黄色图像和绿色图像的搭配，呈现朝气与活力;黄色和蓝色进行搭配，呈现美丽且清新的特点;淡黄色和深黄色的搭配比较高雅。换言之淡黄色可以和多种颜色进行搭配，然而要想增强设计的醒目性，应该避免浅色系和浅色系的搭配。此外，黄色图像的应用，往往不合深红色以及深紫色进行结合，容易产生晦涩视觉冲击[2]。
1.4蓝色。蓝色图像代表着博大和永恒，成为冷色彩之一。纯净的蓝色渗透着安详与理智，因为蓝色存在较强的沉稳性，象征着准确与理智，所以其用途比较广泛，将其搭配于白色，呈现结净与明朗;将其搭配于黄色，对比相对明显，比较明快;不可以和绿色进行搭配，而是相互渗透，促使人们产生陶醉的感觉;深蓝色不可以和紫红或者黑色搭配，缺少明快度，营造乱糟糟的视觉冲击。
1.5紫色。紫色图像存在女性的特征，适应于和女性相关的商品宣传以及企业形象的塑造，其位于冷暖系之間的飘忽状态，加之其低明度比较明显，构建色彩心理中的消极形象。和黄色图像有所不同，紫色不可以和多种色彩进行搭配，然而其可以接纳淡颜色，在春紫色图像中增加少量色彩，呈现比较优美与柔和的色彩，打动人的心灵。
由此，领悟图像色彩的基本象征，总结暖色调与冷调，前者包括红色、黄色以及橙色，营造热情的气氛;后者包括绿色、紫色等，营造清凉与宁静的气氛，为图像色彩为平面设计中的巧妙应用夯实基础。
2.图像色彩在平面设计中的有效应用
2.1通过图像色彩，赋予平面设计画面感。图像色彩可以凸显作品的画面感，对人们的视觉造成冲击，目前的艺术形态体系，良好的平面设计作品产生于图像色彩与图形以及文案，由于图形以及文案都存在于色彩的点缀之下，图像色彩的科学搭配，不只是能够给予画面美观性，还能够在图像色彩的语言烘托下传达人们思想的主旨。在应用过程中要时刻关注图像色彩在画面中的使用，营造视觉冲击感，加深人们对平面设计作品的印象。
2.2通过图像色彩，凸显作品主旨。任何的图像色彩都可以冲击人的视觉，且传达的信息存在差异性，科学使用图像色彩，要将其作用在作品创意方面。图像色彩大小的不同，营造设计作品的侧重点。基于意义层面，设计者要以图像色彩为主传递讯号，弥补以往文字表达存在的不足。除此之外，图像色彩的应用，要全面涉及设计者的内心世界，为人们传达作品的内涵和精髓。
2.3通过图像色彩，加强作品的独特性。色彩的形式不同，含义也会不相同，由于每一个人的生活环境与成长背景不同，因此在平面设计作品过程中，设计者要重点关注欣赏者，结合欣赏者对美的感受，设计独特的风格思想。并且了解图像色彩的变化规律，注意画面设置的比例，比如商业类型的广告设计，应该基于图像色彩规律的使用，强化商业广告的推广效果，还要增加企业信誉度，将大众的目光深深吸引。
2.4通过图像色彩，体现不同色彩的具体形式。若将一种颜色和其他更加鲜艳的颜色进行对比，会抑制鲜艳的效果。然而和不鲜艳的色彩进行对比，便会显得比较鲜艳，成为图像色彩纯度差异的主要因素。高纯度基调会带给人们一种积极的强烈心理，伴随外向、聪明与开朗的行为。如果没有恰当的使用，会引起残暴与刺激的成效。中纯度的基调对人们的感觉作用为文雅以及可靠。设计者可以在平面设计中引进大约5%面积的点缀色，强化平面设计作品的表达;低纯度的基调会带给人一种平淡且自然的感觉，在没有恰当使用的前提下，会产生土气或者悲观的视觉冲击，所以可以增加点缀色，促使平面设计作品的表达更加理想化。单一的纯度比较出现的几率比较小，重点是明度、色相的比较。因此在应用图像色彩的过程中，应该关注色彩的不同形式展现，促使图像色彩的多样化价值充分发挥。
2.5通过图像色彩，创新平面设计作品。针对平面设计的作品，图像色彩应用的新颖感便是促使作品可以脱颖而出，增强观赏者的体验。所以创新是平面设计作品中不可或缺的元素。一般而言，图像色彩的应用本质便是突破常规色彩设计思维习惯，营造全新的视觉效果，完成平面设计的目标。比如在牛奶巧克力豆的平面设计中，可以将巧克力豆进行人性化设计，把以往的棕色巧克力换成多种色彩的巧克力豆，创设自由开朗的气氛，全面对患者的内心进行触动，增强平面设计作品的影响力。
结束语
综上所述，图像色彩在平面设计专业的引进十分必要，若想要发展为优秀的设计师，需要全面了解图像色彩的象征和必要性，通过通过图像色彩，赋予平面设计画面感、通过图像色彩，凸显作品主旨、通过图像色彩，加强作品的独特性、通过图像色彩，体现不同色彩的具体形式、通过图像色彩，创新平面设计作品等，将其融合在平面设计中，强化平面设计作品的视觉冲击与欣赏影响力。
参考文献
[1]袁凌云， 李布凡. 试论色彩、图形、文字在平面设计中的运用策略[J]. 中小企业管理与科技旬刊， 2017（3）：86-87.
[2]罗莎. ADOBE平面设计软件中的颜色设置[J]. 广东印刷， 2018， No.188（02）：38-41.
哈尔滨市现代应用技术中等职业学校
平面设计图设计范文第5篇
摘要：本文中，笔者首先阐述了中国传统美术色彩体系，形成了对中国传统美术色彩体系的全面认识，然后分析了传统色彩对现代平面设计的影响及意义，最后在前文的基础上详细探讨了现代平面设计中应用中国传统美术色彩的策略，希望能够对今后现代平面设计实践提供一定的参考依据。
关键词：中国文化 传统美术色彩 现代平面设计 应用
中国传统美术文化博大精深，源远流长，美术文化中的色彩应用更是如此，已經对现代平面设计产生了重大的影响。对于现代平面设计而言，传统美术文化中的色彩体系能够给予其更多的参考和借鉴，通过传统美术文化色彩的合理应用，可以丰富现代平面设计的色彩内容，提高现代平面设计的水平，吸引更多大众的目光，在一定程度上促进同平面设计相关的产业发展，从而促进社会经济的发展。
一、中国传统美术色彩体系的相关内容阐述
（一）儒家文化的色彩体系
儒家文化中，建立的色彩体系，五色体系是根本。在春秋战国时期，对色彩就有了明确地记载，其中青、赤、黄、白、黑是五色体系的构成部分，并且在相关文献中，如《周礼·冬官考工记》中对青、赤、黄、白、黑这五种色彩的概念、对比关系、时间观以及空间观等有详细的说明[1]。西周时期，中国古代的五色体系正式形成，这比西方色彩体系的建立要早了将近一千多年。在儒家文化中，认为色彩中的正统色彩（也就是后来的正色）是最权威、最具尊严的，间色则是地位低下、卑微的体现，这从古代君王的着装中可以明显的体现出来[2]。古代君王的着装通常是以正黄色为主，衣襟和腰部等边缘部分则以黑色为主，这样的一种色彩设计，能够充分地展现出古代君王尊贵、权重的地位。
（二）佛家文化的色彩体系
佛家文化是我悠久历史文化的重要组成部分，促成了我国古代文化的丰富多彩，在佛家文化中，对色彩也有一定的独特理解。当前，对佛家文化色彩体系的了解可以从多个方面进行，如佛教寺庙、佛家壁画等，以唐朝佛家壁画为例，在不同的时段有着不同的色彩体系。唐朝时期，佛教壁画中的主要色彩有朱砂和青绿，这样的色彩设计形成鲜明的冷暖对比，突出了佛家文化中的阴阳协调[3]。到了唐朝中期，除了朱砂和青绿两种颜色之外，佛教壁画中还增添了土黄、土红以及赭石3三种色彩，外加金、白和黑进行搭配，使得壁画变得绚丽辉煌，具有更强的吸引力。
（三）道教文化的色彩体系
在我国古代的道教文化中，“无为”是其提倡的核心理念，认为人面对事物应当任由其发展，不要过多的进行干涉。在这样的一种思想理念下，道教文化的色彩体系也受到了很大程度的影响。在道教文化中，关于色彩的理解主要集中在黑色和白色上，而这也恰恰是“无为”在色彩上的集中体现，常见的道观中的阴阳图便是最为典型的例子[4]。道家还提出了“有无相生”和“知白守黑”的言论，同时还认为将黑色和白色应用在事物的发展过程中，能够体现出一定的仁爱。
二、中国传统美术色彩对现代平面设计的影响及意义
（一）对现代平面设计的影响
传统美术色彩对现代平面设计的影响主要体现在两个方面，一方面是现代平面设计在借鉴中创造，另一方面是现代平面设计在传承中超越。借鉴是超越的基础，没有借鉴也就难以超越，通过借鉴可以为创造提供更多的参考。在现代平面设计中，要想让设计出来的作品让人更加满意，必须在作品的新颖性和创造性上下功夫，将传统色彩应用注入到现代平面设计中，是视觉经验从熟识到陌生再到舒适的过程，不仅能够提升作品的亲和力，还能够增强作品的创新性。优秀文化需要传承，需要让世人所知，中国传统美术色彩文化是一种优秀的文化，世人应当将该文化发扬光大，因而需要传承。现代平面设计中，要想提升作品的世界影响力，必须要更多结合自己民族的东西，体现出与其他国家平面设计作品的独特性，给现代平面设计注入生命力。现代平面设计与传统美术色彩的结合，是一种文化传承的表现，有利于让世界了解中国文化，也体现出一种民族认同感。
（二）对现代平面设计的意义
1.有助于设计理念的转变。现代平面设计时，传统美术色彩中的一些应用理念会对现代平面的设计理念形成一定的冲击，这种冲击既有利也有弊，现代平面设计师可以积极吸收和借鉴其中的“营养价值”；2.有利于设计方式的创新。在融合了传统美术色彩中的应用理念之后，会给现代平面设计师一定的启示，给予设计师更多的设计灵感；3.提升现代平面设计的水平。在当前我国现代平面设计中，会发现运用中国传统美术色彩的案例并不多见，同时缺乏传统色彩的解读和贯通，如果能够在现代平面的设计中，注入更多中国传统美术色彩的内容，这样不仅能够体现出现代平面设计的民族性，还能够富有创新化和世界化，从而最大限度地提高我国现代平面设计的水平。
三、中国传统美术色彩在现代平面设计中的应用
（一）中国传统美术色彩的象征性应用
现代平面设计中，色彩的作用非常大，合理的色彩使用，能够使得事物的展示更加形象和生动。同时，通过色彩的运用，能够从中剖析到作者的思想感情及其赋予作用的意义，欣赏者在欣赏作品之后能够获得一种美的体验，甚至是引起内心的波动变化。在古代的各家的思想中，之所以会对色彩有着不同的理解，产生不同的理念，就是因为赋予了各种色彩不同的象征。如道家赋予黑色和白色的特定象征，黑色表示有，白色则表示无，使得黑色和白色象征着不同的蕴意，而这两种色彩在中国传统美术中有着不可忽视的作用。这样一种对不同色彩具有不同象征意义的理解，也逐渐应用在现代平面设计中，对现代平面设计大师的实践产生了深远的影响。以著名平面设计大师靳埭强的作品为例，他的作品将东方和西方的现代设计理念完美地结合起来，并以水墨作品设计大师组成。在靳埭强的“问道作品展”中，黑色和白色两种颜色随处可见，肆意流畅的笔墨勾勒出褐色线条，并且在适当的地方留白，用于体现白色，给予欣赏者无限的遐想，从中可以充分感受到靳埭强对中国古代道家美术文化中色彩的理解，给人留下深刻的印象。
（二）中国传统美术色彩的装饰性应用
装饰，如建筑装饰、美术装饰、服装装饰等，各种各样的装饰之所以给欣赏者不同的感受，很大程度上是因为色彩的原因，色彩在装饰上起到了重要的作用。现代平面设计中，设计师对作品的设计和创造，运用到的不同色彩，既能够体现出设计师的创造思想，又能够反映出人们的审美观念。色彩通过关系的适宜和形式化将传统美术色彩的装饰性在美术创作的作品中体现出来。在现代平面设计中，中国传统美术色彩的装饰性色彩相互之间的比较非常丰富，统一对比性非常强。中国传统美术作品中，欣赏者在欣赏的时候，会发现色彩的搭配具有一定的对比性，同时相互之间又能够和谐共存，并不会给人一种突兀的感觉。在传统美术作品的创作中，创作者经常会通过黑色、白色、银色等调和色彩的和谐度，这样的一种创造理念也广泛地应用于现代平面设计中。现代平面设计往往会应用高对比度和高纯度的色彩作为间隔色勾勒图案，这样能够最大限度地突出图像主题。
（三）中国传统美术色彩的程式化应用
相较于在象征性和装饰性方面的应用，程式化方面的应用相对较少，关于中国传统美术色彩的程式化应用，主要体现在色彩纯度之间的搭配和色彩补色之间的搭配。色彩纯度之间的搭配方面，以紅色为例。一直以来，国人都将红色视为喜庆、吉祥的代名词，常见的如中国结、对联等，并且红色纯度越高，会给人一种更加喜庆的感觉。在现代平面设计中，也经常会应用红色给予人一种视觉冲击，如超市、商场中的红色吊牌，设计时经常会搭配纯度较高的红色以吸引消费者的目光。在色彩补色的搭配方面，红色和绿色是古代一种常见的搭配，从现代学色彩来看，高度互补的纯色更能形成强烈的冲击。比如，在一些水果广告中，红色和绿色是不可缺少的两种色彩。
四、结语
总而言之，现代平面设计的过程中，除了会应用到一些现代美术色彩理念之外，还会引入一些传统美术色彩的知识。现代平面设计与传统美术色彩的有机结合，既能够传承优秀的中国传统美术文化，又能够提高平面设计的水平，真正实现一举双得。
参考文献：
[1]刘帅.中国传统美术色彩在现代平面设计中的应用[J].现代装饰（理论），2015，12（01）：74-75.
[2]侯婷.中国传统美术色彩在现代平面设计中的应用研究[J].美与时代（中），2015，12（07）：123-125.
[3]郑惊涛.平面设计视觉传达效果和中国传统美术色彩分析[J].设计，2015，24（21）：60-61.
[4]李华.中国传统色彩在现代平面设计中的应用与创新[J].大众文艺，2011，24（18）：49.
平面设计图设计范文第6篇
关键词：插画 插画艺术 平面设计 插画风格 插画技法
引言
插画的核心是使公众传递信息的方式更简洁、清晰、明确，激发他们的兴趣，努力说服交付内容，并在过程中增进美感，最终促使他们采取行动。平面设计中应用插画艺术的前景十分广阔，插画为平面设计提供了更多灵感，丰富了平面设计的内容与形式，满足了现代人的审美需求[1] 。
一、插画艺术
（一）插画艺术的定义
“插画”一词源于拉丁语“Illustraio”。最初的意思是“照亮”也被用来表示抽象的内容或概念变得清晰明了。插画比文字更有艺术吸引力，通过插画能更直观呈现出视觉交互信息的内容和思想。在独特的艺术插画中，绚烂的色彩和丰富的信息传达给人们一种特别的视觉交互体验，在沟通方面意义主要包括信息的交流和分享。在当今不知繁多的媒体信息时代，插画设计呈现出数字时代独特的美学特征。大多数插画创作都离不开数字软件工具，两者的融合为公众提供了更大胆、更有创意的插画作品，為公众带来了新的数字视觉体验。与传统插画的表达形式相比，现代插画更简洁和直观。当代插画开始更加注重内容形式的简化表达及夸张手法的使用，也符合现代社会的品味和审美。许多作品已经开始使用大胆的、夸张的现代创作手法来提高视觉冲击力和图像的吸引力，引发公众的共情从而达到更广泛的信息传播的目的。
插画的个性化是这个时代的一个特点。为了更好地适应时代背景下的审美需求，插画家必须通过独特情感表达的方式来展示自己的个性。主题元素的表达及内容中心思想的呈现得益于数字技术的不断发展和更新，为设计师提供了更多的平台、更多的方式来创作作品。同时，设计师可以利用矢量技术，以简洁、清晰、扁平的处理方式创作插画，可以更好地体现图像的装饰趣味性与可玩性，并呈现更好的视觉传达效果。插画具有很强的宣传效果，其突出的特点是更容易抓住消费者注意力。插画能深化塑造产品形象，在消费者心中树立良好的形象。除此之外当文字难以描述时，我们可以选择使用插画进行图解产品，可以非常直观简洁地呈现出商品的各个细节，让图片和文字形成联动使苍白专业的商品介绍变得更生动，这样消费者就可以通过插画感知商品的特性和细节。
（二）插画艺术在平面设计中的分类
插画艺术是最具有表现力的视觉语言，通过不同的形式展现出不同的风格，在平面设计中表现出不同的魅力，现代的平面设计师越来越关注插画艺术的运用，并不断吸引先进的思想，不断进行创新，创造出更具艺术风格的平面作品[2] 。
1.写实风格：写实风格是插画设计中常见的一种表现手法，相比摄影写实插画在保证真实的同时，融入了设计师个人的价值观，让描绘对象和个人审美思想情绪相融合，因每个设计师的艺术审美不同，为写实风格插画注入了新的灵魂，呈现出多样化的写实插画风格。写实插画对事物的细节、纹理、形态、动势、结构尤为注重，充分观察认知后艺术家会根据自己的需求来进行灵活创作，进而呈现出细腻而又富有变化的效果，给观众带来真实直观的视觉新体验。在真实的基础上，现代插写艺术融合了夸张、虚实、抽象、意象等表现手法，使插画作品更具有想象力和承载力，如图1。
2.抽象风格：在绝大多数现代平面设计中，为了达到一定的视觉效果，抽象风格经常被用作一种视觉语言。抽象是相对于具象而言，以想象作为起点拒绝具体性的表现手法转而注重人内心情感的流露。因为事物的外在呈现不止是对其本质特征的概述，也是其抽象风格赠与人们的视觉语言信息。平面视觉语言的抽象风格往往会给观众留下更广阔的思考空间，让读者的想象力自由发挥。通过抽象风格设计的插画作品，不仅可以展现视觉信息，还可以传达出设计者的设计理念和价值观。它所展示的是一种与观众的意识形态上的无意识交流，抽象风格的视觉语言往往更具表现力，引导观众去思考作品信息以外的内涵，如图2。
3.卡通风格：卡通插画类的平面视觉语言简练且幽默、形象且生动是现代艺术的重要组成部分。企业在设计包装时卡通插画类的应用往往更受大众的欢迎，和其他风格相比，卡通风格更具亲和力，容易让人感到愉悦从而拉近人与人之间的距离。但用卡通进行创意，需要从自然中熟练地提取元素，并有效地运用卡通形象进行创意，更考验设计师扎实的美术功底。卡通的出现是漫画艺术与文化碰撞的结果，更具体地说，绝大多数现代卡通风格的平面作品都是面向儿童的，越来越受到企业和市场的关注，例如佩奇、龙猫、海绵宝宝、小黄人等。样式化的图像用于图形设计，这种视觉语言可以增强产品的亲和力与感染力，如图3。
在平面设计之中，插画艺术以其清晰而独特的线条，直观的形象性真实的生活感和美的想象力，在当代设计中占据独特的地位，已被人们广泛运用于包装、书籍、广告、文化影视等各个行业。插画设计是文化的载体，它与文化之间的关系是相辅相成的，设计作品所呈现的形式更多的是文化的反映和缩影[3] 。
二、插画在平面设计中的应用
插画在视觉传播设计中的应用为当今社会的发展提供了支持。它是人类社会经济发展和交流沟通的一种工具。如今的插画融合了不同的时尚元素和不同的创作方法。它的应用领域也变得清晰可见。从过去的书籍、报纸到现在的游戏、海报、H5和数字设计等，插画所带来的独特视觉交互设计体验已随处可见。
（一）应用于商业广告
在现在的经济活动中，人们关注的不再是传统的广告形式，但插画的出现给传统形式的广告带来了新的血液和活力。经济活动中的广告插画不仅注重形式美，而且还要在形式和色彩上结合时代的时尚元素，以满足消费者的审美需求。插画用艺术美的方式传达了更多关于产品的信息细节，因此广告不再以传统的销售模式粗放地呈现给消费者，它以传递美学将产品信息以美的、温和的形式展现在人们的眼中，从而达到人与人之间艺术沟通的最终目标与效果。
（二）应用于电影和数字多媒体
插画一般用于影片和电视剧中的赞助商信息展示、软件界面设计和手机系统主题设计。大多数包含文本、图像、语言和色彩元素等，插画多是以动态交互呈现。动态的视觉交互具有很强的视觉冲击力，整体插画承载的内容更加丰富多彩，打破了传统的插画维度限制，从平面到立体、由静态到动态交互为公众带来了一种全新的视听体验。
（三）应用于音乐包装
音乐是难以用文字直观呈现的，每位听众对同一种音乐的切入点理解和感受都是不同的。但插画却可以通过视觉信息的表现借用通感的原理向听众呈现独特的视听感受。插画可以最大限度地发挥人们的想象力，使插画能够在有形的图像中传递无形的信息。在设计插画过程中，根据当前的时尚潮流元素，结合商品形象，增加趣味元素和情节设计，使得插画更具感染力，增加商品的亲和度，引发消费者轻松有趣的视听体验[4] 。消费者能从插画上明确地感受到音乐的风格并传递中心思想。使用歌手的音乐语言来进行插画创作，它给人们留下了更多的想象空间，让受众更容易通过图像形式感知到音乐的节奏和风格。
在高速发展的今天，人们的物质需求得到满足但在精神文明上较馈乏，人们对精神需求和审美要求越来越高。文化具有多种表达方式，作为一种当代的视觉交流方式，插画融合、承载了城市文化生产和经济市场上所表达的主题、内容、思想和情感，使商品能够获得和反映其价值属性，也使人們能够追随潮流，体验当代社会经济发展的变化。
三、插画技法在平面设计中的表现
插画设计成功的主要原因是其具有很强的艺术吸引力，可以引起观众产生情感共鸣。人类的情感总是敏感的、复杂的、矛盾的而插画艺术可以丰富画面的视觉效果，和观众的情感进行深入的交流，这种情感的视觉交流手法便以微妙含蓄的方式自然地呈现在大众眼前。
（一）插画表现技法
1.传统绘画工具：马克笔、彩铅、水粉等这些工具在传统绘画中有着不可替代的地位。传统工具的使用可以很熟练地表现出绘画主体，不论是物体的立体感、体量感、都有很好的掌控，水墨画在黑白的世界里肆意泼墨，是与非、虚与实、远与近的关系微妙至极、意境悠远。清透古雅的水彩画，浑厚绚丽的水粉画在干与湿、透与厚中找到了自己独有的风格。插画的可塑性和包容性为设计师以不同手法去创作不同类型的新作奠定了基础。比如想要追求浓烈径畏分明的色彩，便可借用丙稀颜料的浓亮色彩通过油画的手法创作出更有色彩表现力的作品。如果想要追求质感多样化的插画作品，可采用石板画金属画木片画等不同材质来进行创作。在快节奏的今天，作为传统工具代表的马克笔手绘插画便形成了一种独特的视觉表现形势。马克笔可以快速呈现出明暗关系，变化多端的笔触，饱和鲜艳的色彩，不同的用途有更多的可选择性，可以用于景观、工业设计、服装、建筑等各个方面。传统工具创作出的独特的插画写实风格依旧是消费者所喜爱的。
2.数字绘画技术：如今技术的不断更新跌代，对艺术的影响也在不断提升数字绘画的应用对艺术家们来说如虎添翼，无论是便捷性、色彩饱和度、笔刷的创造性，对数字绘画来说都轻而易举。数字绘画软硬件的结合，对设计师们来说可操作性更强，不仅可以得到传统手绘的效果，还能创造性的融入数字效果，这也是数字绘画越来越受欢迎的原因。科技改变生活，艺术亦是如此。
3.综合手法：首先采用一种剪纸与拼贴样式的创作理念，剪纸与拼贴应用于插画的魅力在于，随意的图形比用传统技法所画出的笔触更具偶然性，能得到意想不到的线条和形状[5] 。其次，使用物理雕塑的方法，物理雕塑是指利用物理对象来创造图像，即利用各种物理对象的不同类型、质量和颜色来组织和构建图像，或者创造新的图像。通过“破坏”原始形式“结构”和“解构”的创造性概念使作品产生了与原作不同的新的视觉效果。也可以在美化技术上进行创新，通过碰撞、融合、撕裂、断裂、折叠、雕刻以及其他技术去探索并重塑形态的更多可能性。
（二）插画表现形式
1.直接展示法：这是一种最基本且应用相当广泛的创作手法，它将要展示的事物或产品以最真实、最直接的方式呈现在消费者面前，并充分运用视觉表象功能，以视觉中心为主突出表面质感、形态、功能用途，给人一种信任感和亲切感。插画创作时不仅要抓住事物的各类特征运用不同的因素，还要将最吸引人的一面鲜明地表现出来置于画面主体位置并加以烘托让大众在接触的瞬间就能直接刺激受众的五官。这种突出特征法是最基础且最常见的创作方法之一，能引发消费者产生视觉兴趣，刺激消费者的购买欲望，促成销售。在突出特点时，还可以把插画进行对比设计，让插画中作品的特征，颜色，质感等进行鲜明的对照，以这种附加手段来强调事物的特征，突出对比，强化消费者的视觉冲击感。
2.夸张表现法：利用夸张手法进行插画创作，可以突出作品的本质特征，鲜明地表达出作者倾注在作品中的情感倾向，强化画面的幽默感，烘托气氛并通过扩大夸张的手法，给观众一种新奇感，以此突出视觉形象的特征及属性，并引起读者丰富的想象和共鸣。设计师通过联想来扩大艺术的容量，以此跨越时空的限制来传递信息，读者则运用联想去思考并接收信息，这种形式的目的是营造出幽默风趣的氛围感，以此来增强画面的生动性，这种诙谐的夸张手法赋予了作品灵魂，能让作品以一种轻松愉快的方式展现在大众面前。
3.借用比喻法：使用比喻法能让插画作品形象具体，在展示途中进行转化并且延伸，给人以鲜明深刻的印象，更能引起观众的联想与共鸣，可以达到无声胜有声的境界。深刻抽象道理以浅显具体的方式表达出来，能取得婉转曲达的表现效果，运用比喻手法，突出作品和事物的特征使作品的刻画入木三分，能给人一种余音绕梁三日不绝的感受。通俗来说，就是借物言志，充分调动观众的情感因素，将美好情感寄托于作品之中，观众可根据自身的联想找到事物的不同或相似之处，以自身真实的情感与插画同频，发挥出插画艺术本身的人文魅力。
4.神奇悬念法：插画中的悬念法是用各种插画手段，引发读者的悬念，让读者怀着好奇心去进一步探索插画的意义。加强作品的艺术感染力，最后通过点题的方式解除悬念，给人一种豁然开朗的神奇感受。悬念在插画开始创作时提出，会随冲突上升不断加强，继而持续达到高潮的一种梦幻神奇的视觉手段，它贯穿整个插画结构，是插画的情绪支柱，以奇幻感受为主，通过期望式悬念维持读者情绪，再通过突发式悬念使画面产生无限遐想，造成读者情绪上的跌宕起伏，接着以夸张复合的手法进一步加强冲突紧张性，将读者兴趣或注意力引向下一幕。
插画设计为一种较为新颖的信息交流与传达的媒体媒介载体，作为各类社会活动，文化活动进行宣传装饰的基本方式，具有艺术性高、视觉冲击力强、尺寸大等特点[6] 。
四、插画在平面设计中的设计转化
插画已经成为当代设计不可分割的一部分，如今的插画风格早已打破了传统单一的绘画模式，不再局限于某一风格，而是多方面、全方位的发展，这也为插画艺术争取了更为广阔的发展空间，对经济的发展取着至关重要的推动作用。
（一）整体构思
在总体概念中，首先需要对主题及受众进行简单的社会分析。通过分析年龄层次、审美品味等，有利于确定设计的方向和基调。深入分析主题表达出目标的必要信息，并作简要的头脑风暴。
1. 确定情感关键词、提取轮廓：“情感”是指我们想要在产品视觉中表达的情感倾向，如“节日”、“快乐”、“温暖”、“新年”等主题关键字的识别是非常必要的，它将帮助我们理解和塑造整体风格并定下感情及色相基调。
提取轮廓就像一根火柴，其主要目的是提取所描述对象的主要特征，以便公众能够快速理解插画的内容。通常需要先勾勒出材料的轮廓，并通过数字技术来填充相应的颜色，以可视化概括扁平现实的风格，这就等于定下了轮廓及结构基调。
2. 简化图形、完善细节：简化的图形对应于前一个步骤，一般来说真实存在的事物是比较复杂的，而说明性的风格是相对于真实风格而言，删除了很多现实的细节，只保留了事物的主要特征信息，所以整体的风格看起来是平的，简单的，但又不失灵动。在简化图形时，必须注意灵活的删除真实事物的非主要特征，以获得简化的图形样式。
除了确保插画的图像清晰度外，还需要进一步改进材料的细节纹理，丰富画面以满足观众的审美需求。因此，进行深层次的细节修改及完善也是非常重要的一步。
（二）设计方法运用
1. 移花接木：簡单来理解是通过构建不同的元素来实现不同的视觉效果。使用这种技术，你可以根据自己的经验重新构建有趣的新事物，增加了插画内容的趣味性，可以充分发挥人的主观能动性。
2. 区分主次：区别主次就是在插画设计中将重要的、核心的元素进行强调刻画、次要的元素进行弱化处理，从而拉开主次元素的层次关系，这样设计的意义在于，使画面具有层次感和空间感，改善空间布局从而突显作品主题。
3. 打破现实：打破现实意味着设计师可以在真正的设计基础上进行更有创意的工作。我们可以通过调整元素之间的比例关系来打破设计真正的界限，视觉元素不再受到比例的限制，让元素从抽象符号逐渐演变成一个实体化的形式。如今突破性的创新是设计行业的核心催化剂。
4. 优化整体：经历以上阶段后，基本上完成了整体插画风格设计，在主题界面中不同的元素、布局、色系，并不会再像孤岛一样游离不定，而是形成一个有机的整体风格。和谐的整体基调、页面布局、色系等如星链一样共同展现出主题传达的信息和目标，优化完善了画面整体，如图4，5，6。
总结
插画艺术作为一种高雅的人文艺术形式，带给观众强烈的视觉冲击感，能引起情感及思想上的共鸣。但插画的发展和流行也离不开科技的进步，以及新兴的硬件和软件的支持，硬件的提升为插画带来了更多的创作形式和可能性，新媒体的流行让设计者可以零距离了解消费者的需求。当然这也需要艺术家继续集中精力学习和创作，形成属于自己的艺术风格，为自己的作品烙上专属且独特的印记。新时代的设计师要注重艺术理论与实践相结合，进一步促进插画与平面设计的融合与互补，为平面设计的发展前景添砖加瓦。