家具产品设计论文范文第1篇
摘 要：虚与实是中国古典美学的又一重要的审美范畴。虚与实的含义对于明式家具设计的影响是深刻而含蓄的，是明式家具造型与装饰设计方面的重要考虑因素，无论过去还是现在，从虚实入手，掌握疏密间的张力与意境的营造在家具设计中都具有重要作用。
关键词：虚与实；明式家具构法；意境美
虚与实是中国古典美学的又一重要的审美范畴。这一范畴，也是由老子提出的。老子认为作为万物本体的是“道”，“道可道，非常道；名可名，非常名。无名天地之始，有名万物之母”。这就是说，作为万物本体的“道”，是虚（无）与实（有）的统一。现世界的天地万物与本体的“道”一样，都是虚（无）与实（有）的统一，这是在两个不同层次的统一。老子“有天相生”的思想，以及把“无”放在首要地位的倾向性，对中国古代审美意识的发展影响很大。
一个物体空间存在可以分为三部分：物体本身的实空间、中空间、物之外的虚空间。人们一般习惯体会物体的实空间，如，一件家具的形式、色彩、材质是设计者创作出的形象，而能够欣赏者体会到的却不止这些实的形象，还包括形之外的空间，是能够引起想象的“虚”。一件设计成功的家具正是由这种想象使得人们视觉上的虚实具有平衡感，虚实融洽，体现虚实相生的形式美与装饰美。
中国家具发展到15至17世纪出现了一个高峰，因这一样式始于明代，故习惯上把这一时期的家具均称为“明式家具”。明式家具的兴盛因素有很多，比如，时代背景因素主要是指物质方面，也就是明式家具的构成材料，郑和下西洋之旅加深了中国与国外的交流，引进大批硬质、优质木材，为家具制造业提供了充足的资源等。
明式家具是中国家具史中非常经典的一种风格，不论材质方面考究还是造型样式的简洁适度性一直备受现代人的喜欢。明式家具属于一个大的艺术风格，形式多样，从功能上可分为几、椅、橱柜、床榻、台架、座屏等六大类。其产地主要有三处：北京皇家的“御用监”，民间生产中心苏州与广州，即苏式家具、京式家具、广式家具，以苏式为主流大宗。苏式家具用材精简、造型及线条优美简洁；京式家具主要服务于宫廷，所以在纹饰方面最能体现其独具的艺术风格；广式家具地处贸易往来门户，材料充足，在用材方面粗犷豪放，且受西方文化影响，后两者在纹饰上有过渡到清代家具的风格特征。
明式家具造型简洁、线条流利、材质统一是其主要特点，明式家具十分重视功能性与艺术性的统一，并善于体现在选材、结构、装饰的整个制作环节中。其主要构成方法，以下简称构法，对实体与虚无空间的尺寸关系非常之考究。实体的外缘线条走势、虚无空间的形象美感，决定了明式家具的外在形式美。当然，除了造型样式，家具材料、结构与尺度、装饰元素及成型技术等方面在视觉与触觉上也产生了极其安静、素雅、水墨般融合的意境，曲折对比、刚柔相济的线条韵律，等等，都是明式家具所带给人们视觉上、心理上的高雅盛宴。本文通过分析明式家具的构法与设计内容，来研究明式家具虚实相生的意境美。
材料（参考《史记》及馆藏明式家具）：主要以硬木为主，如铁梨、花梨、紫檀、鸡翅木、红木、紫檀藤编相结合等。擅长表现原木材质，若隐若现清晰又含蓄地透漏着木材的纹理、肌理，触之有情，闻之有香，思之有意，虚实相生的纹理美体现着文人雅士返璞归真的自然美与材质美。
制作工艺：明式家具制作工艺精湛，全部以精密巧妙的榫卯结合部件，大平板则以攒边法嵌入边框槽内，坚实牢固，能适应冷热干湿变化。衔接之处毫无痕迹，贵在做工之细腻。
造型与样式：明式家具的高低宽狭的比例，或以适用美观为出发点，或为纠正不合礼仪的身姿坐态。总之，造型设计淋漓尽致地体现了极简主义风格，看似简单的部件，通过有意识地设计，有方圆之对比、粗细之对比、长短之对比、曲直之对比，使之抛弃呆板刻薄，呈现出柔和的韵律感。家具中的虚空间是人们活动的空间，而实空间则是身体或物体依托放置部分，例如明式家具的靠背结构与样式决定了它所形成的虚空间的样式，实体的外形围合形成虚空间，内外相生，虚实相生，家具的造型就是由看得见摸得着的实体与看得见摸不到的虚无所构成。如图1犹如中国画里的写意风格，在创作时往往大刀阔斧，但又惜墨如金，绝没有多余的笔触，也不忽视任何可以表现的笔墨，明式家具的造型原则就与中国写意绘画不谋而合，简练、大气，舍弃繁琐的装饰与部件，着重体现精神。通体轮廓讲求方中有圆、圆中有方，用线一气贯通并有局部小的曲折变化。
装饰：以素面为主，局部装饰以小面积浮雕或者透雕，以繁衬简，贵在朴素而不繁华，精美而不繁缛。装饰部件内外轮廓亦讲求方中有圆、圆中有方。例如，云纹在明式家具中运用比较广泛，在结构性部位主要截取云头的曲，甩掉云尾，简化云头的曲线运用在结构性部位内部或外部，如牙条、牙头、牙子、角牙、腿足马蹄等部位。这种借云之外形体现物之内形的手法，必然是熟练掌握虚实相生观念的，（图2）曲与直之间过度柔和，流畅、舒展，自然、沉稳的线条衔接融洽，体现了疏朗雅致的视觉美、曲直对比的韵律美，对家具整体的气质提升产生了重要作用。
可见，虚与实的含义对于明式家具设计的影响是深刻而含蓄的，是明式家具造型与装饰设计方面的重要考虑因素，无论过去还是现在，从虚实入手，掌握疏密间的张力与意境的营造在家具设计上都具有重要作用。
作者简介：
薛云，硕士研究生，陶瓷装饰艺术设计专业及环境设计专业。百色学院美术与设计学院，环境设计教研室主任，专技十二级。
家具产品设计论文范文第2篇
关键词：明式家具 特色 现代家具设计 影响
明式家具是指在明代至清代前期制作的工艺精美、材质优秀、典雅朴素的特定造型风格的家具。其继承了自夏、商、周、战国、汉唐以来的造型风格以及形态模式，它的情结顺应了明朝建立以来的开朗、平缓的社会生活方式与形态。一改楚式家具的矮足特点，延伸至汉式家具的高足造型特点。它的桌、凳、床、几、案、橱等几种家具均体现了人类追求自由、和平的愿望，其寓意中也渗入了人际关系的内涵。最终使及其考究的硬木造器，凝重简洁、端庄精秀的明式家具文明于世。应该说，明式家具证明了人们生存方式源头的既有动力，也证明了时代风尚的本质精神反映在设计之中。当下，“简约”正是家具风格的大势所趋，以简洁为首要特点的明式家具装饰图案对现代中式家具风格的形成也有着很强的指导意义。有人说西方人的艺术是理性的，充满人性化的，科学化的艺术倾向。而中国式文化则是非常感性的，中国式艺术是带有符号和象征意义的、哲学性的艺术。还有人说明式家具已经是中国家居设计的巅峰，是无法被超越的。正是这种象征和符号艺术，就让许多设计师都无法走出“明式家具就是中式风格”的这个怪圈。明式家具继承了楚式文化，启发了汉式文化，其风格传播至西欧甚至更远。因为它能够顺应人类对设计的基本需求，所以现在来观察它的形态，就能看出其中的文化性、行李和生活方式的结合下的寓意。这寓意化成设计的符号，带有一种独有的形态和精神，给后人许多启示。以下几个方面对现代家居设计有着深远的影响：
一、造型特色
明式家具的主要形式是框架式设计，有束腰和无束腰的两大结构特点。无束腰家具以圆腿侧足为主导，造型稳重简洁。束腰家具以方腿直足为主导，或鼓腿或三弯腿，形态庄秀而敦厚。这两种表现手法，给人虚实结合，稳重方正的视觉感受，科学性和艺术行融为一体的造型之美被成功地体现出来。对于它的形式而言，它以人的坐立行为“正襟危坐”为出发点，功能和形态基本稳固，并且加以扩展：比如太师椅、扶手椅、圈椅、五开光鼓凳、架子床、八步床等，结合方与圆的造型元素，用此满足了人们对于“坐”的多样需求，是“天然去雕饰，清水出芙蓉”的精美造器之品格。明式家具的主要形象概念：丰富、自由、隐喻、象征等，也借此使明式家具有了巨大的内在品味的提升，符号形态的完美也得到了鲜明的强化。比如二出头、四出头官帽椅、带结扶手椅、木梳子椅等等。这主要是使人们追求权力福禄、美好希望以及团圆吉庆的意境得到满足，并将特定历史、传统与社会的价值观、伦理观巧妙的融合进来。也正因为如此，桌、几或一把椅子被赋予和提升了内涵和文化品质，也使家具远超过其表面，正在传递着非物质的精神气象。明式家具的造型上另一个特色是讲究线条之美。它不以繁复的花纹饰品取胜，而是注重于家具外部轮廓线条变化的设计，给人强烈的线条美感。比如，“S”形椅子背，符合了人体的生理结构特点而又别具一格。明式家具线条造型的另一体现就是线脚的变化和运用。线脚是指家具边缘的线条的造型。通过平面、凸面、凹面以及阴、阳线之间比例的不同组合与搭配，组成了千变万化的几何断面，达到了极富艺术情趣的鲜明的装饰效果。这与现代设计的文化和人性以及设计符号的追求与探索相契合。所以明式家具对于现代西新艺术和现代艺术以至于后现代艺术的新思潮具有颇为深远的影响。
二、装饰手法
明式家具的装饰艺术手法善于取舍和提炼，主要通过雕刻木纹、镶嵌饰品和附属构件来体现设计感，具有全所未有的水平。明式家具的雕刻题材非常广泛，有莲纹、云纹、凤纹、龙纹、卷草、花鸟、山水、灵芝、宗教、人物、走兽图案等等题材。流畅的线条，富有生气的形象。雕刻的位置大多在家具的牙板、牙子、背板、围子等处，经常做小面积雕刻，工艺精巧，已秀美稀少为胜，艺术效果引人入胜。古人认为：“天圆地方”的宇宙观，天是圆的，地是方的，表现在许多中国式的建筑中。中国人对于这种对天与地的认知也流露于明式家具的设计形式之中。明式家具其中的很多部件是结构件，同时也是装饰品。明式家具以线条为主，虚实结合，空间比例之中，虚空间占有重要的优势地位，大曲度曲线和直线为主要形态构成。选材上的简单一致，构件稳固，色泽雅致，较少装饰。这些家具特色都体现了“虚实相生，以虚为大;动静结合，以静为主”的道家哲学理念。中国人讲究无形性、整体性、连续性、功能性，“物我不分，天人合一”。这种哲学艺术的熏陶下，就产生出了具有中国特色文化的明式家具了，延伸至现代思想文化。
三、精密结构
明式家具在结构上合理化、造型上艺术化，充分展现出明快简洁、精工质朴的艺术风采。并将雅与俗融为一体，“雅而致用，俗不伤雅”，达到力学。美学与功能的完美统一。明式家具的连接即为“榫卯结构”。通过精密的手工制作，将木料加工成各种形态的榫头和榫眼，并且互相能紧密地连接在一起，无需用胶，仅仅在木料的自然状态之下即可完成稳定的结构，而且经久耐用。明式家具的榫卯结构有着非常多样化的特点。这些特别的结构往往隐藏在内，从表面上常常看不出痕迹。简洁的形态，巧妙的内在结构是明式家具的特色惯用手法。其设计争论的焦点就是形态与功能的关系问题。中国人自古就强调功能与形态的平衡与融合。现代家具的设计上也更多的运用了榫卯的结构设计理念。
四、材料质感
明式家具大方简洁，材料亲和，使用舒适，简洁而不简陋，工艺精湛而不繁复，选料考究无瑕疵。表面经过人工打蜡处理后更加光润，色泽优美，无需用手触摸即可感受到木料细腻的质感。明式家具造型自然简洁，局部些许装饰的加工细致却又不失端庄，不繁复不简陋，极具质感。朴素雅致、明快简洁，充分利用了优质木料的天然纹理，表现出“出水芙蓉”般的淡雅的艺术风格。在吸收了明式家具的文化内涵韵味，把握了其中所蕴藏的哲学文化思想之后，对于开创中国现代风格的家具设计起到了重大的意义。
五、人性化设计
明式家具的每一件家具的制作都非常讲究，做出来的家具要考虑到是否简洁舒适、美观实用，能工巧匠们在制作过程当中绝不是简单地把它当成一般的家居用品去设计，而是更多地把它们当作艺术品来精雕细琢，具有很高的艺术价值。现代的家居设计就注重运用了明式家具在尺寸比例和人体的关系协调的设计理念，现代家具所设计的产品需要符合人体工程学，强调人性化的设计，这一理念就是来自于古代明式家具的深刻启发。现代家具在设计概念上简化了很多，通过简单的几何形体来表现家具的形态，但是它们并不是凭空出现的，而是在古人潜心钻研创造之中总结演变而来，借鉴其精华、精髓，摒弃其外在形式，最后结合现代设计艺术而呈现出来，是古代家具设计的现代化拓展演变而来的成果。可以说，明式家具是一种结合了传统儒家道家思想、材料学、人体工程学、国画美学于一体的精品艺术风格，明式家具在某种层面上是不可被超越的。但我们去总结前人的思想，就可以启示现代设计。明式家具虽然是完美无缺的艺术成果，对后人的启示也是颇为深刻，但毕竟是我们的先人们在特定的历史时代所创造的历史性的产物。今天我们感受其寓意的价值，应该不仅仅停留在欣赏之中，更在于我们现代西方与现代中国艺术设计的新思潮以及观念的成果中，并加以借鉴和改造，这是非常必要的。比如对于打散重构、倾斜错位的解构主义;反自律、性感、文脉、调侃、流行、波普批判概念在后现代思潮中的运用;现代抽象主义的畅想与热情等等，都可以让我们把明式家具的精神加以延伸、重构，变化为新的形态。研究方法当然要以人为本，要以自然和谐为中心主题，这将会促使我们现代家具艺术更加有效坚实的创造出无限的空间与高度。
我们从人类文明的发展史上看，明式家具其实是中华民族传统文化物质的表现形式的一种，它比较深刻的表现出中国传统文化的内涵与特色。每一个民族都有着独特的文化特性，任何一个都是世界文化之中的一部分，任何一种文化都是独有的，是不可能被主宰的。而中国家具是世界历史上家居文化宝库中的一个重要的构成部分，中国家居艺术文化的成就影响着世界家具艺术的产生过程，是弥足珍贵的家具文化设计灵感的资源。
结论
自从人类开始使用家具起，人们的审美标准和情结就向两极方向延展，创新，可以让人在幻想中的亢奋和新奇得到充分的释放和刺激。怀旧情怀，可以让人们追忆流年岁月的沉积，得以品味旧时光的温馨。所以，家具设计都是以这两个种文情怀为创作点的，而往往好的优秀的家居设计是找到了两者间的契合，让家具的设计能够体现现代感风格，但又不失传统的情怀。明式家具文化，已然成为了一个大时代的象征，一个民族的文化之魂。虽是经典中的永恒，但我们还是可以在其中找到可以再造重组的空间。那么缘于我们中华民族的情感与文化，这样做是有必要的;是因为我们需要创造出更加有我们民族灵魂与文化内涵的产品来丰富时代的生命，这样做也是有必要的。明式家具是中国设计的文化传统，它所散发出的魅力、文化和内涵的光辉是无限的。近些年，家具装修的复古潮流正悄然风行，将中式的风雅意境和古典语言以现代的设计手法诠释，这就是目前广为受大众欢迎的中式家具风格，也正是明式家具给现代人带来的深远影响，才让人们感知了古代文化精髓的魅力。
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作者单位：哈尔滨学院
家具产品设计论文范文第3篇
摘要：城市家具是人类城市发展的过程产物，其自身的发展与优化是在城市居民的个人需求和公共需求等共同作用下完成的，其过程受不同因素的多重影响;此外，城市自身的发展也必然会对处于其中的城市家具设计发挥制约或推动作用。本文基于“城市-城市家具-人”三位一体的系统关系，分析了城市家具设计的现状，并进一步探讨了城市家具设计的未来发展趋势。
关键词：城市家具 规划 设计 公共设施
文献标识码：A
引言
城市家具作為在公共空间内，“不具备结构性意义，但能对空间品质产生影响，与人的行为产生互动的空间元素”[1]。它与人们的生活密不可分，包括公交停靠站、公共电话亭和公共垃圾桶等。一方面城市家具是城市外环境一部分，承担着塑造城市形象的责任;另一方面又是城市微环境的组成部分，和居民的生活息息相关。因此，城市家具设计无论是对个体的城市居民还是整体的人类社会都有深刻影响。
一、发展背景
虽然“Street Furniture”概念的提出发生于19世纪60年代，但是城市家具实物却伴生于人类城市的出现，并且在人类社会的演进过程中，占有着重要地位。
古希腊和古罗马时期，欧洲人曾在公共建筑方面取得辉煌的成就。他们建设了包括帕提农神庙、伊瑞可提翁神庙以及阿波罗神庙等等在内恢弘的祭祀建筑。象征着民主开放精神的雕塑，用于宣扬思想的演讲台和具有宗教意义的祭坛等，这些城市家具为彼时“雄辩家”的社会活动和民主制度下公众活动提供了可靠的物质支撑，继而孕育出百家争鸣般的思想[2-3]。正是因为这些成就，后世文艺复兴思想家才将该时代视为民主自由的象征;而他们的评点又为这一时期的城市家具披上了鲜明的民族和政治外衣，成为这个时代文明的象征。
同时期的中国，则建立起了家天下的封建制度。“普天之下，莫非王土，率土之滨，莫非王臣”（《诗经·小雅·谷风之什·北山》），这种皇权至上的思想，使得城市建筑更多的反映等级规制以及农耕文明的独立、封闭特征，这突出表现在传统中国城市功能分区上。中国的传统城市，尤其是宋朝以后的城市，多以四层城墙为界进行严格的划分。外城墙和内城之间的区域为居民区，在这片区域中，沿城市中轴线两侧设有东西市作为城市公共活动空间;而被视为皇家私产的宫墙内部空间，存在的任何设施在当时均不具有“公共”属性。不过，城市居民区的排水设施（如图1、2）和自然村落，依然有一些公共的设施：驴拉的石磨，插秧用的秧马和灌溉用的水龙等。相关设施对维护当时的公共生产以及生活方式均发挥着重要作用。
工业革命后，传统城市格局逐渐瓦解，新城市格局形成。同时受技术进步影响，城市化进程加快，城市人口比重增加。这个时期，城市具备了同一些现代城市的功能比如公共照明、公共交通以及公共卫生设施等。这些使得城市家具门类和数目都大大增加。20世纪30年代以来，现代设计兴起，简洁实用和功能主义成为西方城市空间设计的核心。
二战后，城市的重建和发展，使得城市家具设计不再单纯追求实用，而更注重人性化。尤其在20世纪60年代以后，大众市场形成，后现代主义流行性审美趣味逐渐取代古典审美和现代主义审美成为主流。受此影响，许多欧洲城市家具在保留历史文化特色基础上，表现出了人情化和趣味性的设计趋向。
二、现状分析
（一）城市发展
城市发展决定了城市家具的发展取向。从城市发展视角探讨城市家具设计能够让我们从系统的全局层面明确城市家具的发展方向。也只有如此，城市家具才可以在城市发展中扮演好自己的角色，为城市发展做出积极贡献。基于当前的城市发展现状，其所面临的主要问题主要可表达为如下几个方面：
1.人口负担。城市人口持续增多，现有城市发展空间和资源都已经接近枯竭。逐渐增多的城市次级中心，使得城市的系统变得庞大而复杂，带来了很多城市问题。
2.需求差异化。受人口老龄化以及收入差距逐渐拉大等的影响，城市群体间差异继续增大，不同群体间的需求矛盾愈发难以采用常规办法来调和。
3.环境问题由点到面的深入。自20世纪尤其是进入21世纪以来，环境问题便已经成为城市发展的重要问题。这涉及到环境污染以、能源消耗等多个层面的问题。
4.经济增长疲软。随着制造业迁出主要城市和周期性的金融动荡，城市经济增长虽然放缓，增长前景并不乐观。
5.新技术冲击。新技术，尤其是云计算和人工智能的广泛应用，一方面为城市发展提供了新的思考方向，同时也为传统的城市智能、城市安全以及城市社会伦理等多方面带来了多重挑战。
6.文化冲击。人类社会的全球化发展，表现在政治、经济以及文化交流等多个层面上;这些交流不仅促进了不同城市个体的文化发展，同时也让不同城市之间的文化层面的竞争愈演愈烈[4-5]。
在这样的背景下，城市家具自然表现出了相应的新特征，例如，新技术的发展催生了新的城市家具门类;用户需求的提高还对城市家具的节点位置和节点数量提出了新要求，等等。除了上述功能需求之外，随着人类社会的发展，消费者对城市家具的需求还突出表现为了从简单实用功能向物质与非物质功能并重的跃升倾向。
三、城市家具现状
20世纪60年代以来，西方设计理论摆脱了刻板的现代主义影响，人性化和多样性等理念逐渐成为城市家具设计的主要指导原则。城市家具设计从单纯地追求实用，表现出了更加丰富的的人性化特征。在欧洲，原有传统的城市家具设计风格得以沿用;另一方面，受现代艺术思想影响，城市家具设计呈现出明显的当代艺术特征。部分城市甚至邀请当代艺术家进行城市家具设计，希望这些独具匠心城市家具可以使城市形象也更加多样。在美国，由于大多城市历史不长，其城市家具除了延续欧洲风格外，对其影响最大的当属现代艺术及设计思想了。20世纪50年代后，日本经济及设计崛起，其城市设计虽然受欧美相关设计理念影响颇深，但也明确表达了日本本国文化的鲜明特色。同时，受岛国地狭的影响，日本城市家具设计尤其重视系统化、立体化的发展。
因为历史原因，近代中国城市家具发展并不健全。新中国成立后，随着社会的稳定与人们生活需求的不断提高，城市家具发展取得了巨大进步。不过，国内城市和西方城市在城市家具设计方面，仍然表现出了一定的差距[6]。
1.缺乏城市特色：以南京为例，南京历史底蕴厚重，但其城市家具设计还维持在对历史文化符号的机械式模仿。但由于南京特色的挖掘程度不过，导致南京城市家具的地域特征缺失，包括城市家具在内的城市景观等设计、文化特色不能有效地与其他城市区别开来。尤其值得关注的是，这种情况在中国内地范围内是一种普遍存在的现象，如图3。
2.用材不合理：这个问题突出表现为对木材料的盲目崇拜。木制长椅，作为城市家具常青树，在各种公共场所都可以见到。但这类座椅由于常常被日晒雨淋而腐蚀严重，如果维护不及时，非常容易造成“有而无用”的尴尬情况发生，如图4、5。此外，并非所有城市地域都适合木材料的城市家具。强行使用木材料反而会造成了城市家具与城市本身风格的割裂，破坏城市的整体性。
3.用户体验差：设计缺乏全局性的系统思考，不能充分满足用者的综合使用体验。这里所说的用户体验，不仅包括用户的功能使用体验，同时也包括因为相关城市家具的投放所产生的用户文化体验以及心理体验：许多公园里都有石凳石桌，这些石凳石桌虽然看上去与公园里种的柳树相互呼应，很有感觉，但坐上去冰凉彻骨，很不舒服，再加上这些石凳石桌都是批量生产制作出的产品，并没有文化元素融合其中，使用者不能从这些城市家具中体验到符合城市特征的。
4.旅游城市缺乏本地特色：以南京为例，南京在历史名胜和旅游景点的设计上，视图营造出了一种“古色古香”的效果，但是每个景区都有的古代风情街实际上只临摹了广义上中国古代传统风格，却没有真正将城市的灵魂融入其中。秦淮上的石桥雕得有模有样，然而这样的桥在各地有广泛存在，在景区的路灯上做一些灯笼般的造型，似乎就是“古典”，然而灯笼造型的路灯并不代表南京的悠久历史。政府在城市规划建设中过于追求经济利益，使得整个城市过于廉价商业化，是当前中国历史名城面临的普遍问题。
四、发展趋势
综合前文所述，笔者认为当代的城市家具设计的发展趋势可以从如下几个方面展开思考。
首先是城市家具的智能化，意即，基于物联网、云计算等技术，对城市家具进行智能管理，以实现城市家具能提供智能化的服务。智能化的城市家具作为智慧城市对城市居民产生意义的直接界面，不但可以借助智能化手段提高其用户的实用满意度，还可为其他智慧城市功能的发挥提供接入节点和展示界面。
图6中，这款街头城市家具一方面遮挡阳光，为人们提供座椅，另一方面可以为使用者提供高速的WIFI接入，并且还为游客和居民配置了一个包含城市服务信息和指南的大触摸LED屏。
其次是城市家具的生态化。城市家具设计的生态化虽然不是一个新概念，但在全球环境问题愈演愈烈的今天，仍然具有重要意义。相较以往独立产品生命周期内的可持续发展，当下城市家具的生态化趋势，更多的是整条生产、投放产业链上的绿色化。而这意味着城市家具需要新的角色定位，其不再是一个简单功能载体，而是一个参与者甚至倡导者。城市家具也可以通过设计师的介入，引导人们的行为乃至生活方式。并以此来激发城市家具在社区城市关系中的潜力，主动参与到城市发展中，构建更具有活力、更加开放的城市关系网。这也是城市家具的第三个发展趋势。
从生产上来说，得益于生产技术的发展，包括城市家具在内的所有产品的小批量、个性化生产变得越来越容易实现，城市家具的个性表达成本日趋降低。此外，材料科学的进步也为城市家具制造提供了更大的材料选择空间。
高新技术在城市家具设计中的普遍应用也是值得设计師持续关注。传统的城市家具往往只承担使用及装饰功能，而现代城市家具所承担的相关物质功能构成更加复杂，而此类功能的实现大多需要高新技术的支撑。如城市广场的流水字幕，三维投影等。
基于上述发展趋势，在相关的城市家具设计过程中，有如下几点值得设计师给予关注：
（一）从物质设计转向体验与服务设计。
随着人类社会进入后工业时代或信息社会，设计的方式、手段、对象，都经历了由物到非物的过程，消费者（用户）从原有的追求占有产品到关注服务过程变化，要求设计师从历时性的视角重新审视受众的真实需求并重新规划自身的设计行为。
（二）人性化设计的深化，设计伦理观的完善
当前，所谓的人性化设计理念已经不再只简单关注于功能、形式、情感等目标用户群体当前的综合需求;城市家具设计的文化属性还要求设计师将解放与发展人类思维作为设计思考的另一着眼点。南京市某小区的一款“用脚按键的升降电梯”方便了提满东西腾不出双手的人，也是对那些没有双臂的残疾人的一种关爱，这是设计师对设计伦理的关注与对弱势人群、自然与社会环境等给予着重思考。
（三）评价标准的变化
在后工业社会和信息社会的大背景下，功能与形式的优良与否已经不是检验设计的唯一标准，这可以从可持续设计、模块化设计、通用设计、服务设计、体验设计、参与式设计等一系列新设计理念或原则的大量出现上看出一些端倪。
4.主动设计
社会环境、市场环境以及设计评价标准的迅速变化，要求设计师不但要主动关注产业前沿的发展，还应对相关变化进行主动式设计[7]。
（四）标准化设计
在江苏省召开的《中国城市家具标准化国际会议》中强调，江苏省城市家具建设，要做到相同功能城市家具使用标准化，同一区域城市家具统一风格，统一色系，从而确保城市家具在规划、设计、施工、验收方面，建立一套完整的体系。方便建设，方便维护，方便使用，从而确保城市家具在城市建设者管理下规范有序地进行，城市家具这一标准化建设文件的引领性和示范性也将逐步辐射全国，对全国城市带来积极的影响和带动作用。
结语
基于我国城市化进程的整体规划，我国的城市家具设计同样处于一个重要节点。21世纪的前20年可以被看作是中国城市家具的初步普及期，目前已经基本完成。但是新技术以及新需求的出现，以及部分相对发达城市的引领，出现了很多新型的城市家具也催生了新型的城市公共空间，这些变化都从不同侧面对当代城市家具设计提出了全新的要求。对设计需求以及设计产业的持续、全局性关注，是每个当代设计师必须具备的基础专业素养[8-9]。
基金项目：南京林业大学大学生创新创业训练计划项目：基于传统文化的公共
设施设计研究（201910298038H）。
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家具产品设计论文范文第4篇
在一个人成长的过程中，儿童时期是身心发展的关键时期，这期间所接触到的事物会对人的一生产生重大影响。儿童活动空间是儿童成长过程中的重要场所之一，不能单纯地看作一个普通的活动场所，是需要从安全性、趣味性、互动性等几方面进行考虑的综合性空间。其中安全性是所有涉及到儿童这一群体的相关设计时首先要考虑的问题，也是在儿童活动空间设计中的首要原则。在儿童活动空间设计中，家具结构是否合理稳定，造型是否科学安全、符合儿童的生理尺度，以及材料是否稳固、绿色环保无污染等都是不可忽视的关键问题。
儿童具有活泼好动的天性，对一切事物都充满了好奇心，这种特点可能会使他们在活动的过程中发生危险，所以要从儿童的生理、心理角度出发，实行人性化的設计。在进行儿童活动空间家具设计时，首先要保证的是其结构的高度稳定性，确保儿童在爬上爬下、嬉戏玩耍等活动过程中不会产生安全问题；其次要避免结构上的防护功能缺失，比如要考虑滑梯的扶手高度是否合理，能否有效地防止小朋友们受到意外伤害。
儿童在活动中大部分的精力都集中在玩耍上，对于周围环境中的危险因素感知能力较低，自我保护意识不强，所以儿童家具应避免出现棱角分明、毛糙粗劣等情况，应尽可能地选择造型流畅圆润、触感细腻舒适的家具，防止对小朋友造成意外伤害。例如在家具的设计上采用弧形或圆形边角，并与小朋友们喜欢的动物、植物等形象相结合，这种设计在保证儿童活动安全的同时还带来了一定的趣味性。
除造型设计的安全性外，儿童活动空间家具材料的安全性也至关重要。首先要考虑的是材料本身的坚固性、稳定性，应避免选择玻璃制品和其他易碎材料，尽可能使用稳固结实、不易崩塌的材料，防止儿童活动时受到身体上的伤害。此外，还要考虑到材料的安全性，避免使用含有甲醛等有害物质的材料，采用无毒、无污染的绿色环保型材料。在家具表面涂饰的选择上，应减少色漆的使用，采用无毒或低毒环保的有机溶剂，如水性涂料等，或采用直接打蜡的方式。
与室外儿童活动空间相比，室内活动空间能够避免交通意外、不良天气等不安全因素的影响，但作为公共活动空间，也存在一定的安全隐患，所以在进行儿童活动空间设计时，必须要尽可能全面地考虑到儿童活动过程中所使用的家具、设施是否安全合理，保证儿童在安全无忧的环境下健康快乐地成长。
家具产品设计论文范文第5篇
摘 要：本文选取体现中国传统风格的明清家具，对其特点加以分析，说明传统与现代的装饰元素如何结合与创新。现代设计需求多样化发展的同时，如何将传统继承与现代发展有机结合是我们一直在探索的问题，研究传统形式的特点是基础，我们如何利用传统特点，采用何种现代设计理念和方法引导创意设计，是所有室内设计师都必须认真思考的问题。
关键词：明清家具；特点；装饰；传承
明清时期的家具具有非常鲜明的时代特点，并将其传统形式特征凸显在室内设计中，本文将对这些有代表性的传统符号语言进行分析，并试图挖掘其背后的设计意义及意图。突破原有的模式，进行装饰特点创新。
对中国设计师而言，最主要的课题就是将中国传统的家具设计概念与现代设计思想有机地结合在一起，这是一个具有创造性的课题，这种结合中西模式的创新，对室内设计师而言尤为重要，可以使中国传统文化思想精髓及其内涵在家具设计中得以传承，并寻找与现代设计相结合的方式，创造性地呈现在现代室内设计中。
一、 传统明清家具综述
明清家具凭借雕、嵌、描、绘、漆等精湛工艺，拥有巧夺天工的美誉。其中造型和工艺具有简约大方、端庄大气、阴阳结合、韵味十足的特点，同时又具有外形结构设计与人文气息完美结合的表征形式，既有较强的时代特征，又是一种民族文化的象征。而明清家具设计中提炼出的工艺美学标准也成为部分西方国家的工艺标准，是近现代家具设计的典范，既提升了使用者的身份与社会品位，又成为近现代装饰的一种浪潮。
现代中式家具的使用过程中，需坚持使用装饰物的适量原则，不能大量使用繁冗的装饰，因为这与现代日常生活的快节奏和便捷性存在一定的冲突，过多的装饰内容会加大使用者在使用过程中的不便利性，以及后期清洁等问题的产生几率。然而过于简单的装饰，又会使家庭的空间缺乏必要的生活意蕴与内涵，使得空间缺乏文化属性，无法唤醒使用者的精神共鸣，有苍白之感。故需从更宏观的层面上综合掌控图案、形态和装饰表现与韵味之间的关系，力求达到一个平衡的支点，从而营造和谐的家居环境。
二、 明清家具的分隔空间特点
明清家具作为中国风格的家具模式，具有“绣帘一点月窥人”的古代诗歌意境，其特点是具有半通透性。这种特性，一是指空气流通以及风水意义上的半通透；二是这种家具本身可以将室内空间既隔断又连通，达到软性分割的效果，在视觉上减弱空间区域的硬性区分，从而使心理认知上符合传统的豁达、包容的思想境界。这种空间分隔的设计形式在中国古典建筑的室内装饰上尤为常见，也是其重要特点之一。在现代室内设计思潮中，这种“窥见一斑”的思想也得以延续并发展创新。
三、 气氛的烘托
家具对于气氛的烘托至关重要。中国古典木式结构具有一种整体思想理念，其中蕴含了中式设计崇尚自然美的人文精神和精湛的人工雕琢技艺，在追求美感与工艺的同时，还注重设计的实用性。以在传统室内装饰中比较常见的镂空雕刻技术为例，这是一种在传统家具设计中广为使用的，以虚实变化为主的造型手法。现代设计师可以根据实际空间的需要，运用不同材质的颜色、图案与外形进行雕花家具的创作，突出不同的空间主题，并利用局部的装饰配件加以衬托。传统的雕花窗板在现代的室内家装设计中，发挥着新的活力和魅力，将传统元素换以新的摆置结合一个新的空间想象，在现代的室内就会焕发活力，同时这些简单的装饰元素构建了一个传统的中国古典意向，散发出了中国传统文化的气息和魅力。
四、 装饰作用
“错彩镂金，雕绘满眼”和“初发芙蓉，自然质朴”形象地描绘了中式家具在装饰艺术中体现的鲜明的艺术美感，表现出中国不同社会阶层的审美观念和品位，而不同的审美自然会使家具在使用中作为装饰呈现出不同的应用形式。这些应用形式基本表现在如下几个方面：一是应用于局部，将中国风格的家具或陈设运用于空间的细节点缀，旨在与整体风格协调统一；二是实用性装饰，主要运用在公共空间内，在营造中国古典风氛围的同时更加注重功能性。例如，中式桌、椅、柜等，这些家具不仅在现代设计中具有较强的装饰性，也具备传统的实用价值；三是所谓的全局性装饰，在整体上保持家具风格的一致性，从而展现空间的独特历史文化韵味。以上是从空间利用的角度分析传统家具的不同装饰应用。
五、 点题作用
中国明清风格家具在现代室内设计中依旧占有非常重要的一席之地，它营造的古典主义复古情怀，是对中国古典文化的完美传承。中国古典家具善于利用材质的特性以及结构的变化去迎合不同主人的文化品位需求，通过各种家具的结构、木色、漆色变化组合构建不同于其他文化特有的文化氛围。这种设计取向凝聚了前人对于生活的追求及其对于文化的理解，不仅传承了中国传统文化的精华和优点，提供给了现代人对于先人生活的想象空间，也为现代的文人雅士展示其自身智慧和自身对于文化理解的品位追求。不仅是一种中国文化的展示，也是对于中国哲学层面的理解和升华，通过室内设计表达出“活在诗意中”的中心观点和人文追求。中式设计风格受到愈来愈多都市中产阶层的青睐，既是对古典文化的喜爱，也是复古情怀的抒发，是利用空间设计对博大精深的中国文化的探索与创新，更是一种文化的传承。
六、结论
综上所述，随着设计思潮的变化，中国设计师应该紧跟时代的脚步，正确对待不同文化汇流后的风格多样性。在设计风格上百家争鸣，设计思潮不断涌现的今天，如何返璞归真，回归民族特色，从傳统文化的角度推陈出新，挖掘发现传统文化的魅力并应用到现代室内装饰设计中，是当下中国设计师们的重大使命。只有扎根于传统文化，才可以从文化的角度，对于现代室内装饰风格进行深层次的探讨和创新，而不是简单地利用摆件进行粉饰。同时，应避免简单的模仿与跟随，从传统文化中吸取设计元素和理念以及艺术形式加以创新，不断充实研究和实践，为国内的室内设计提供新的视角及思维，提升中国风格的设计价值地位，使其具有更高的辨识度和认知度。
参考文献：
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[4]熊红丽.论新中式风格与现代室内设计[D].湖北美术学院， 2008.
家具产品设计论文范文第6篇
从来自超过100个国家的工艺匠人所创作的2500多份参赛作品中，2019年Loewe罗意威工艺奖甄选出29位入围艺术家及其作品，于6月26日至7月22日于野口勇位于东京草月会馆的石亭展出。对页：与社交软件几乎绝缘的建筑师王澍，感叹当今大多数人正过着一种快餐式的快节奏生活，特别是传统被中断过的中国人，需要重新慢下来、重新思考，需要过上优雅的生活。
保持探索 回归实用
本届工艺奖的大奖获得者是日本京都的手工艺人Genta Ishizuka，他的作品“Surface Tactility#11”。“他打破了传统，将古老的漆器技术运用在当代艺术形式上，为我们开拓了全新的雕塑工艺视野。”LOEWE罗意威创意总监、工艺奖创始人Jonathan Anderson评价道。
创立于2016年的LOEWE罗意威基金会工艺奖，致敬了LOEWE品牌在1846年创始之初为手工合作社的历史。手工艺是品牌的灵魂和基石，在当代工艺不断被讨论的时代，工艺奖为手工艺本身力求的技巧、意愿和艺术抱负都设定了高度，也彰显了现代工艺在当今文化中的重要性和艺术价值，更表彰有才能、有远见，有创新精神的职业手工艺匠人。
作为本届LOEWE罗意威工艺奖的专业评审网之一，王澍对入围作品颇为赏识，这些工艺和艺术偏多的作品保持了探索性和纯粹的状态， “它们蛮反映当代。”谈及评判的标准，王澍认为莫过于“原创性”。由于评审审成员来自包括设计、建筑、新闻、评论和博物馆策展等领域，所以当各个领域交叉后，原创性和超越性就显得尤为重要。
最终入围的三件作品就是极具代表性的例子。“获奖作品（Surface Tactility#ll）的技术是非常传统的大漆工艺，但手工艺人能将漆做成一个三度空间的感觉，并且光影流动是种不确定的形象，那种质感是超越了传统大漆的，属于在传统和现代的转化间做得特别成功的一件作品，又是直接和传统相关的，”他点评道，“另一件混凝土和玻璃纤维的作品‘无题’（’Untitled’from Dichotomy Series），虽然和传统一点关系也没有，并不是我们说的‘手艺’，但我们可以看到手工的痕迹，用很特殊的工艺完成。当这两件作品撞击在一起，非常当代，同时保持着纯粹的手艺精神。”
做设计，对于对手工艺有着特别感性认知的王澍而言，成为“一场捍卫人性的战斗”。他在建筑里大量地使用手工和工艺，几万片材料、几万平方米的规模和体量，而非装饰性的用途，这在建筑行业里非常少见，“因为我知道这些东西如果不用，就一定会完蛋。尤其我用的是最常用的技术，怎样让它保持高度，是手工的基础。”
在做评审的过程中，王澍欣喜地看到现在的年轻人在思考上没有边界，在探索上没有负担，但他开玩笑地说，假设今天最终入围作品更有用一些，他们会怎么办？“年轻人的问题是正因为年轻，没有过日子的压力，所以更享受的是探索本身，对实用性并没什么要求。当我们说的带一点苦涩的、生活的艰难之用时，恐怕要到一定的年龄才能有，”他说道，“所以我也很希望这种大奖在将来还能发掘出更有用的东西获奖，同时仍能达到我们今天所说的这样一种探索的纯粹程度。”
“最重要的是，这些作品如何与当代人真实的生活产生关系.有了这层关系的同时，在技艺（中国人所说的‘术’）的层面具有挑战性和超越性。对现代人来说，能在心理上发生共鸣，就算有用。”寄语这个奖项，最让王澍关心并期冀的，是那些看上去很实验性、很激进的试验和突破，最后都能够真正回归到日常生活里去。
1.Ha rry Morgan作品“無题”展示了两种不同材料之间的相互抵抗，他将工艺精神融入到普通的材料中。
“使用一些手工艺品都需要一种优雅的心境，所以这类物品都有一个特征——也许为了让自已的工艺能够活下来，它们不得不变成奢侈品，导致价格越卖越高，而非日用品的价格——这一方面可以说是一条出路，另一方面也可以说是手工艺的困境。”
2.KazuhIto Takadoi作品“天使”（Kado），评审团称其为“无名的工艺”。
3.韩国纸编艺术家Lee Youngsoon使用五百年历史的纸工艺创作了作品Cocoon Top Sene 1。
4.美国藤编艺术家Deloss Webber作品Geisha Handbag Series。
5.本次大赛唯一入围的中国设计师方静峰、董谧，陶瓷作品“回”灵感来源于中国古老的木质榫卯技术，将木材的接缝技术延伸至陶瓷的烧制之中，是一次技术的创新。
璞素回到人的本身
陶艺家吴昊宇、花艺师凌宗湧、璞素家居创始人陈燕飞、陈燕平在凌宗湧为璞素“家的逸格”開幕展创作的大型花艺作品前。
1.柔韧的绿色竹片在凌宗湧的手里勾勒出具有现代感的线条，像一幅当代艺术作品为空间带来生机。
2.鲜艳的鸡冠花和吴昊宇质朴的陶艺相互映衬，是整个空间唯一的明亮色彩，成为空间的焦点。狭长的展览空间通过花艺作品分割两段，虽然相互可见，但人流动线被重新梳理，让空间更有东方趣味。
杭州的朋友告诉凌宗湧，山里的梨树突然开花了。这不是秋天枯木该有的状态。凌宗湧反而觉得有意思，“它有些叛逆”，有不同寻常的生命力，正好符合他此次空间花艺创作的构想——顺应节气，引自然入境，酝酿丰收茂盛的生命力。叛逆的梨花，是时节给予的意外之喜。花艺没有事先预设和理性公式，现场顺其自然地发挥。规范、定律在他的理念中，向来是末位。凌宗湧以杭州富春山居的花艺作品而闻名。他的花艺风格简明、优雅、清丽，视觉美感之外，还深蕴情感。
创作大型花艺，对器皿的择选也需慎重，之前在北京，凌宗湧曾经使用过吴吴宇的花器，也是眼缘，第一眼即看中吴宇陶艺中的朴实质感，没有炫耀技巧，肌理中又有细节的变化，旺盛的野性的生命力，摆脱了工艺和形式，更接近于艺术化的表达。璞素的家具，既有对工艺的坚守，又有设计的传承和创造，空间的营造却不拘于中西壁垒，更愿意呈现融合与包容之美。三方共存默契，相互托付了完全的信任，合作就变成了极为简单的事情，但这种简单的背后，却是花艺、陶艺、空间三种强大能量的支撑，看似不经意间，其实是对生活本质的思考和理解。
“这就是，我所认为的东方风骨与自信。”凌宗湧说。
1.璞素新店设计打破原有品牌中式风格格局，呈现东方文人家居的当代一面。
璞素
地址：上海市浦东新区滨江大道1777号1862时尚艺术中心二楼
吴吴宇专门为璞素和凌宗湧的空间呈现创作了花器，对于他来说，陶瓷从来就是语言，不必被主题、方向所束缚，但又是日日必须坚持的熟稔。广西南宁本地的土壤，含铁量丰富，自然形成偏于黑色的质感和色泽，视觉上颇厚重，上手却异常轻盈，与空旷、明亮的空间相辅相成，适当的手工痕迹让空间可以“出格”，从斧凿中解放。
他说：“欲从原本，就从身边的泥开始，找一种不需任何加工的原始泥土，敲碎、浸泡、匀浆、过滤、晾干、揉泥、拉坯，整个过程保持最传统的手工制作，保持松弛而又严谨的状态，保持朴实天真的心性，又经得起推敲和端详。”
璞素的设计总监陈燕飞对此也深感认同：“在中国的古典审美里，‘文’与‘质’的和谐是非常重要的。以明式家具来举例，它的内里构造精巧复杂，榫卯工艺极其细致考究，但却用最简洁流畅的线条去表达，给人简洁明快、含蓄蕴藉之感。很多人热衷清式家具，喜欢它繁复的纹饰和雕刻。但文人更推崇的明式家具，讲究工艺、材质，但把这些花心思的地方都藏起来，以质朴沉稳、简练淡逸的面貌呈现。在‘文’的同时，把事物的本质表达出来。这也是璞素希望达到的结果，一种文质彬彬的平衡状态。之所以和凌宗湧老师和吴吴宇老师如此契合，就是在这个层面上，达成了共识。”
璞素的家具坚持苏作传统榫卯工艺制作，工艺是一把双刃剑，一方面，它必然会束缚了设计的许多可能性，但另外一方面，它又给予设计恒久的落脚点，视野穿透古今，能够回到传统中寻找滋养。家具在历史、地域上有很多流派，比如江南苏作，风格偏柔美细腻;山西北作，就雄浑粗犷、充满力量感。从设计师的角度来说，真正好的家具，超越了地域、流派的束缚。北作的雄壮里，有细腻的细节;苏作在秀美之余，也有深远的大气，这些早已成为直觉和血液，在不经意中灵光显现。
“坚持工艺，其实是一个回归的主题，回到人的本身，回到人对美、对情感、对温度、对自然的寄托。教育背景、地域文化等会造成审美的偏好，但这些会突破这些屏障，让我们思考一些本质的问题。生活富足之后，对精神的追求孜孜不倦。”陈燕飞说。
大家走进空间内，被花艺作品强烈感动，感觉到流动的自然气息。花艺没有被花器、空间束缚，被器皿所衬托，被空间所接纳，无所谓流派，无所谓技艺，因循时序，自然而然地共存。
2.璞素也在尝试零售的新探索，新空间不仅有家居空间，璞素茶室和璞素艺廊也被全新推出，提供多方面的东方生活美学服务。
3.璞素新店设计打破原有品牌中式风格格局，呈现东方文人家居的当代一面。
建筑师隈研吾改造的船厂建筑，保留原始建筑的肌理，与璞素优雅的东方美学形成鲜明的视觉碰撞。
张雷进山，为设计寻根
融设计图书馆创始人Christoph John、Jovana zhang与张雷（左至右）。
1.新的融设计图书馆，由陈列、图书、阅读，以及驻场工作区等区域构成。每年会按照当年的研究主题调整布置。今年的主题为“着色”，陈列架上按颜色罗列着各种材料的传统上色工艺。
“中国太缺少基础研究，可能是因为基础研究很难产业化，很难产生直接的价值。但从另—方面看，现存的设计与整个产业，都有一个问题，那就是没有根源。”
2.新的融设计图书馆，由陈列、图书、阅读，以及驻场工作区等区域构成。每年会按照当年的研究主题调整布置。今年的主题为“着色”，陈列架上按颜色罗列着各种材料的传统上色工艺。
3.融设计图书馆设计的木材染色色卡，帮助设计师用于植物染色。
1.陈列架上是研究梳理出的各种矿物色，并配有相应的RGB值，供设计师取用。
2&3.在工坊中制作金网编织，传统手工艺为当地村民提供新的绿色收入来源。
张雷坐在东坞礼堂改建的新图书馆里，笃定地说道。自从带着“品物流形”和融设计图书馆共30多人的团队搬进余杭山区里的青山村，已经过了一年多的时间。张雷与Jovana.Christoph所带领的传统手工艺研究项目也已进入了新篇章。
继竹、丝、土、铜、纸五种传统工艺材料为主题的研究后，张雷与“融”团队又开始以工艺方法为轴线，继续解构传统手工艺。同样是历时五年的研究，将涵盖榫卯、着色、编织、铸造、扎结。今年的主题是着色，融设计图书馆的团队跑遍全球，将传统工艺中的制色与上色工艺分门别类考察细致，解构到每一道工序，又找寻工坊制作样本，陈列在新的图书馆中。
解构，是“融”从研究传统手工艺初期的实践中总结出的方法。由拆解油纸伞糊纸工艺而衍化出的宣纸椅“飘”，让张雷、Jovana和Christoph发现传统工艺在现代设计中的转化可能，即通过对手工艺的解构，让传统材料与工艺方法融解到现代设计中，从而让设计有根源，也让传统活下去。
“中国太缺少基础研究，可能是因为基础研究很难产业化，很难产生直接的价值。但从另一方面看，现存的设计与整个产业，都有一个问题，那就是没有根。‘融’就是要帮助设计师们走进历史，走进各个地区.在传统中寻找设计思想，为设计师们提供启发。”张雷说。
有趣的是，新图书馆的落成，也是传统工艺融入现代社会的另一段写照。2016年，美国大自然保护协会帮助青山村治理村里的一处受污染水源，將备受农药污染的水库改善成了国家一级饮用水水源地，大自然保护协会邀请融设计图书馆，希望升级农村的收入结构，让更多的收入来源于绿色。于是，美国大自然保护协会找到了张雷，希望以传统手工艺改变村民们的收入结构。
在当地部门的资助下，品物流形团队修缮了青山村里原本坍塌的东坞礼堂，用充满时代印记的原木重新支起了这座宽阔的建筑，作为新的融设计图书馆。同时又在村里开设了融设计工坊，教会了村民们金网编织、手工丝网印刷、折纸等技艺，把村民的创作成果通过展览形式带上“设计上海”、“米兰设计周”等国际设计展。
“现在这个时代，开始一件事情很容易，而要几十年做一件事很难。‘融’遇到过很困难的时期，但对传统手工艺研究和对当代设计的实践的专注让我们坚持到现在。融设计图书馆承诺在青山村40年，沿着对传统解构的思想一直这样做下去。”张雷说。
4.青山村的水源地，经过治理水质已经达到国家一级饮用水标准。
5.东坞礼堂至今留存有集体的烙印，在建筑形式上如今也比较少见。
融设计图书馆
地址：杭州市余杭区黄湖镇青山村
陈国栋 尊重地域、尊重土地上的人
“無名营造社会的一个重要工作原则就是与地域共生，避免切断当地文化系统、避免剥夺当地人的利益关系、避免强势介入的外来文化‘殖民’乡村。”
1.2017年，陈国栋和无名营造社进入贵州省茅贡镇，参与当地的规划、建设和运营工作。他们将几座村子里的闲置房屋改造成“茅贡乡创孵化中心”，包括公寓、学院、书屋、艺术家工作站等。图为茅贡乡创学院，大会场的内部空间。
2.茅贡接待中心，图书馆内部空间。
陈国栋是无名营造社的创始人，硕士毕业于日本多摩美术大学、博士毕业于京都府立大学。在日本留学时，持续了快10年研究乡村建设课题，去过日本100多个村落考察。引发他深思的是，日本乡村“不管是街道还是人，都相当干净利落”。相对而言，他看到的中国村落有两种情况：一种是村寨被开发之后，破坏了原有的文化脉络：一种是延续着原生态的村寨，有着令人感动的美丽，但当地村民生活在劣质的环境中，基础设施差。
在回国开始进行乡村营造的实践过程中，他意识到自己之前的研究还是“比较矫情”，即带着已经设定好的观念，来到乡村收集自己想要的素材。于是，他和无名营造社索性在贵州乡村驻地工作，团队在村寨里生活、调研、工作，直到项目完全建成才离开。尽管工作团队和当地村民在很多观念上，尤其是审美上，存在很大差异，但让他感到欣慰的是，在长期的驻地工作中，团队没有抱着“我们要改变乡村”、“我们是受过高等教育的文化人”的想法工作，工作人员像“半个村民”一样，和当地村民、工匠师傅一起工作，学习当地人的营造智慧和营造习惯。
在无名营造社的地图上，他们的项目在青海海南藏族自治州下属的松巴村、贵州省多个村寨里落地。在改建过程中，他们根据老仓库原有结构，用当地传统的木构造建设，和当地村民一起工作，采用传统院落的风格，和少数民族村寨原有风格相协调。在这个有着自身古老文化的传统村寨中，无名营造社没有以一种居高临下、喧宾夺主的态度介入。
在建筑实践中，他们以研究者和学习者的姿态学习传统木作的工艺方法，用当地朴实的手法和现代工艺结合来建造房屋，传统的智慧所带来的魅力是无穷的，能够以最谦卑的姿态和最实在的方式达到效果。这些村寨里还保留着不知道由多少代人传承下来的民间手工艺，如竹编、蜡染、木作等。无名营造社在策划的民宿、展览中，根据这些工艺特点，设计出一系列的生活日用品，竹编的灯罩、简洁图样的蜡染装饰、木造家具。
在乡村待得越久，他思考得越多。陈国栋坦言，作为一名建筑师，尤其是乡村建筑师，需要让自己涉猎建筑学之外多元学科的知识体系，从在地文化传承视角出发，实践在地建造的技术传统，让建筑形态适应当下甚至是未来的生活方式。
3.董岗第四代茅厕鸟瞰图。
4.茅贡接待中心/图书馆入口空间。
韩德昌当代文化复兴，从续写器物文明开始
“目前傳统工艺、设计及生产体系之间缺乏有效益的融合，因此在设计、工艺制作品质，成本控制与市场之间，很多决策需要经过多次讨论和沟通才能确定，也需要从一次次的试错中吸取教训，让传统文化重新进入、并且丰富当代人的生活，将是一个长期而值得毕生投入的过程。”
来自台北的设计研究者韩德昌今年一月正式搬至上海，开始他和上海起承文化的合作。将现代设计与传统的中国民间工艺相结合，是韩德昌一直以来的工作重心。早在开展Yii计划时，他便希望能在欧美世界主宰的器物文化中突围，建立华人传统工艺的当代发展模式。多年来不断参与国际设计展会、与国际设计界密切互动，在这个过程中，韩德昌愈发觉得对工艺的关注只是工作的起点，“手工艺是我们本民族语言里最彰显魅力的部分，有很多欧洲人从没见过的工艺，但光讲工艺复兴是不完整的，我们的着眼点不是工艺本身，而是整个中国的传统文化”。复兴工艺背后所承载的命题，是整个中国传统文化如何在当代延续并发扬光大，文化有必要延续，手工艺是载体，韩德昌认为工作的第一步应从弥补中国当代器物文化的断层开始。
正式进入起承文化工作前，他作为项目顾问，从策划工艺展览开始，与企业磨合了一年时间。作为一家社会型企业，起承致力于中国传统文化的当代转化，自创立以来，已保护超过20项非物质文化遗产，帮助300多位手工艺作者与市场对接。加入起承文化后，韩德昌任公司首席创意官，主要负责设计、工艺合作和展览部分，驻地计划是工作中的一项重要内容。作为起承业务构架中目前发展最为成熟的项目之一，从早期的傣纸、羌绣、云锦，到目前发展中的花丝、大漆、金箔等，每个项目从前期文化梳理调研、邀请国内外设计师、艺术家入驻当地了解工艺、再至提交设计方案、方案修正、打样、成果以展览形式输出……已慢慢发展出一套完整的模式，并拥有一定规模和社会知名度。驻地计划与设计师们的合作大致分三个面向，一是工艺经设计转化后面对广大消费人群输出的批量化产品;二是用于生活场景，如礼品等渠道的高端产品;三是针对艺廊和博物馆、美术馆级别的限量收藏品。
驻地计划必须要探索出很多可能性，探索的方式是由外脑（外部设计师）进行思考，与工艺师合作推出作品，起承内部设计师团队则担负起外部设计师与工艺方的沟通，深入接触了解工艺环节和设计流程。韩德昌会深入与设计师进行讨论，希望他们从客观角度去理解和掌握工艺，来表达明确的设计概念。起承与珠宝品牌潮宏基合作的花丝驻地项目，最近邀请到日本知名设计团队Nendo/佐藤大参与，这个叫做糖果的花丝首饰系列，就是一个平衡工艺与商业诉求的好案例。
除了驻地计划，起承文化的另一块重要业务是通过文化梳理和二次创作转化形成IP，韩德昌强调中国人传统观念中的“图必有意，意必吉祥”是起承对lP思考的起点，汲取传统纹样的代表性符号，经过现代设计语言的转译，形成新的纹样，不仅丰富了日常消费品的面貌，也在潜移默化中让传统回归生活。
1.在了解花丝的制作工艺后，佐藤大提出的设计方案让人眼前一亮：通过拆解花丝工艺，保留传统花丝八种工艺技法中的一项捻丝，由此做出的首饰镂空结构避开了高昂的制造成本，轻松有趣的糖果造型叉符合都市年轻一族的审美趣味，一系列花丝首饰登陆淘宝阿里鱼众筹平台，目前筹募金额已经超过了1000万人民币。
2.在了解花丝的制作工艺后，佐藤大提出的设计方案让人眼前一亮：通过拆解花丝工艺，保留传统花丝八种工艺技法中的一项捻丝，由此做出的首饰镂空结构避开了高昂的制造成本，轻松有趣的糖果造型叉符合都市年轻一族的审美趣味，一系列花丝首饰登陆淘宝阿里鱼众筹平台，目前筹募金额已经超过了1000万人民币。
细节中的细节
“设计的本质，就是将事物变得更好。”
1.Henrik Lindberg位于总部办公楼中的办公室，是一栋瑞典森林式的木头小屋，包含了一个空间所需要的一切功能需求，非常符合北欧的设计理念和传统——化繁为简。他还是一个艺术品与老爷车的收藏爱好者，办公室内藏有中国艺术家丁乙和倪有鱼的作品。
20世纪80年代后期，位于丹麦第二大城市的奥胡斯小镇上，诞生了以轻巧的钛丝镜框推动眼镜市场的家族品牌Lindberg。总部办公楼在一个安静的住宅区内，建筑物的前身是一家机床厂，经过重新设计和翻新后，成为了现在的办公室和工厂，目前由第二代继承人，建筑师HenrikLindberg执掌。时代瞬息万变，新鲜的信息和技术不断更迭，如何让品牌立足在行业的顶端，对于细节的追求和不为时代所变的手工定制所传递出的温度，成为了通往成功的必经之路。
眼镜行业的传统模式通常是客人在店内选择可用的型号，但Lindberg从每一个细节去实现客户定制，让每一件产品都成为量身定制的作品。创立之初，创始人就曾想过：想要设计、制作出高质量的镜架，所需要的工具和技术在当时是根本不存在的，因此他们不得不去自己创造，制造设备、定制工具、培养匠人……力求每个部件的设计和制造过程都由公司内部完成。要设计、制作出无与伦比的眼镜，需要一定的决心。为了实现最高质量的设计，在镜架的原材料上就需要选择最高标准，避免致敏或皮肤刺激，超轻量的钛金属是首选，部分镜架的重量仅为2克，达到足够的轻巧，去除不必要的部件，没有铆钉或焊接，而是以专利的无螺丝铰链为特色，从而不会出现松动或损坏等不必要的问题。镜架易于调节，在递交眼镜给客人时，工作人员还会根据现场客人的面部结构调节镜架，直至完美贴合面部，实现整体个性化定制。在选材上，Lindberg还包含板材镜架，选用最优质天然水牛角的高端产品buffalo titanium将水牛角与紫檀木、烟熏橡木、橄榄木和黑檀木等几种精致木材结合。Precious系列还会选用18K黄金，白金，玫瑰金甚至尊贵黑金以及铂金打造。除了机械的高科技，手工感则传递出作品的温度，拥有精湛技艺的匠人会在五步机械抛光工艺后，再进行两轮手工抛光。在Lindberg看来，高端眼镜的含义与核心就是坚持手工打造。
从干净、简约的设计思考到高效、勤勉的制造过程，赋予长久打磨的工匠精神，将每一件产品视为作品来创作，成为了这个时代难能可贵的坚持，也只有如此，才能换来金字塔尖的荣耀。
2.设计师与匠人需要精准地计算和创作镜架的数值，以实现和传递可以传承的高品质。
3.设计师与匠人需要精准地计算和创作镜架的数值，以实现和传递可以传承的高品质。
4.Lindberg所选用的特殊材料钛金属。
朱哲琴 “看见”之路
“‘看见造物’孵化的是混合形态的项目，项目之初会组织专家进行学术研讨，后期则是针对市场的可行性调研，核心是非遗再生计划，从文化梳理、工艺的保护传承、设计语言的推敲、产品的商业落地模式、推广和传播方式……每个环节都是一个专业的面向。”
1.看见“西兰卡普”信封包和手拿包。
2.2018年11月18日重慶黔江西兰卡普传承人汪少碧演示传统织布工艺。
3.看见“戏石”屏风，由声志荣设计。
朱哲琴之前为人所熟知的身份是著名音乐家，近年来她也投身于中国民间手工艺的保护和传承之中。2013年她创立的“看见造物”当代设计品牌，联合石大宇、卢志荣、钟声、Michael Young等国内外著名设计师、工艺家，经过对传统手工艺的提炼与再设计推出产品，这些产品亮相于米兰三年展、保利拍卖会，大大提升了世界对中国当代工艺和设计水准的认知。
对非物质文化遗产的关注和保护已是社会性的关注议题，朱哲琴从多年实地寻访经历中得出的观察是，中国传统工艺的发展现状呈现两极化的趋势：在经济较发达地区，手工艺能获得较多关注与资源，往往生存状况良好;而处于偏远地区的工艺门类，很难进入现代人的视野，更缺乏与设计进行接轨的机会。在非遗抢救这个宏大命题之下，“看见造物”从创立初始负担的使命，就是为了让传承获得重生，来影响和激活当代生活。她与合作设计师们对手工艺的探访，选择的大多是地理位置偏远、交通不便的中西部、北部地区，聚焦的也是相对冷门、处在消失边缘的工艺领域。
“看见造物”的工作模式是基于传统工艺本身反向寻找设计师来介入，朱哲琴与设计师们深入内蒙古、云南、贵州、西藏、重庆等地，采集探访濒危的民间工艺，她强调设计师们必须要“弯下腰来”，以谦卑的态度向传统学习，向工匠学习。“看见造物”希望能为作坊、匠人和设计师提供更多的机会，例如将一部分生产放在项目原发地，有建设性的哺育工作是让工坊维持良性运作的积极尝试;开展“1+5”民族文化传承计划，帮助当地技艺精湛的工艺师傅寻找、培养新一代传人;产品部寻找与项目风格匹配的设计师，并指导设计师对市场、设计、生产成本有商品化的意识。作为品牌创始人和艺术总监，朱哲琴要负责工艺与设计的两端对接，融合美学精神，平衡商业诉求。
2019年平台的主要项目围绕着重庆的非遗传统手工艺“涂山窑”和土家族手工艺“西兰卡普”展开，通过大半年的考察、设计打样和生产，9月初，由英国设计师Michael Youngi殳计的涂山窑工艺咖啡怀系列，登录“一条”线上平台进行众筹。与时装设计师杨芳合作的土家织锦“西兰卡普”也会在秋冬季问世，产品走时尚化方向，运用到东西方美学贯通的物料和颜色。
朱哲琴形容目前所投入的原创设计行业依然还在边缘挣扎：人才紧缺、设计意识缺乏、法律法规不完善，方方面面都有问题，她这一代人从零开始，是拓荒者。今年的商业大环境低迷，资本让原创之路变得更加艰难，因此，品牌在战略打法上更要能扛得住冲击， “中国制造”、“中国创造”能否在产业层面、原创层面立足，需要把眼下的每一步都走稳。
1.2018年11月27日Michael Young在重庆荣昌区非遗陶器工坊。
2.看見涂山黑釉盏和黑釉酒器。
3.非遗陶器工坊匠人制陶现场。4.Mlchael Young设计的看见涂山花器。
2013年，长期扎根在香港的英国设计师Michael Young和“看见造物”合作，在中国内地进行了一次工艺之旅。之后他结合中国传统景泰蓝工艺，设计出一套盘子。和我们印象中繁复精密的景泰蓝图样不同，这套盘子表面不规则的圆形图案，通过数学计算形成，模拟油在水面漂浮的样子，再以景泰蓝工艺，将其呈现在盘子上。之后，Michael Young在同土耳其瓷器品牌Gorbon合作的Orzone花器、与地毯公司Christopher Farr合作的手编提基亚地毯中，延续了这种创作思路，将数学计算与传统手工艺结合，让设计产品既有着当代设计语言的特点，还保有只有手工艺才能达到的效果。
作为著名工业产品设计师，除了设计适合大批量工业生产的产品，Michael Young还设计具有实验性的艺术或限量版设计品，尤其是对传统手工艺现代化的探索。在2019Design Miami/Basel设计展上，Michael Young的MY系列有着抛光不锈钢和白色珐琅的表面。他把两个看起来不相干的要素，通过计算机编程产生图案，再以三维形态展现出来。“在亚洲，手工匠人具有高超的工艺水平;和西方审美不同的是，人们往往认为，具有繁复形态的造型设计更有价值……而有时候极简的设计和产品更具有挑战性。”
Michael Young的作品不仅具有当代意识的设计语言，还可以追溯传统的手工技艺。“世界改变了很多。在过去，时间和土地并不昂贵：但在今天的社会，时间是昂贵的、土地是昂贵的，所以手工艺变得非常昂贵。我们既需要大批量生产的产品，也需要保护这些遗产。这关于材质、色彩、造型，还是可以永久保留的东西。”
去年，Michael Young再次接到“看见造物”的邀请，对已有近千年历史的宋代涂山窑工艺进行研究和复兴。他们到重庆涂山窑遗址进行考古寻访，对沉睡在博物馆里的涂山窑文物与工艺进行研讨。设计师说一定要在对中国传统工艺做当代设计前对蕴藏的文化内涵有足够的尊敬与理解。“我的设计任务是要将乡村田野中的器物带到时髦的都市环境中。我希望设计可以将我考察的工艺制作的过程形象地展现出来，让更多人了解涂山窑。即便器形很简洁，他们也可以体会到制作中的历史。”最终古老的技艺幻化成当代生活的茶杯、咖啡杯等器物，可以让更多人有机会了解到涂山窑的工艺和历史。
对于“看见”这样的品牌，Michael Young心怀敬意：“生活不是仅仅关于赚钱，还关乎一些你所热爱的美好实物，你想永久保留的东西。特殊的手工艺，作为一种遗产，需要我们对之进行保护。”
当代设计语言遇到传统手工艺
和工业玻璃切割不同，手丁匠人完成所有细节。我用传统的技法，但改变了最终的制作成果……有些工作是电脑可以完成的，有些是需要用人的双手实现的。我觉得重要的一点是，我们不能忘记这些手工技艺。