流行歌曲演唱技巧范文第1篇
所谓口语化, 就是在说话的基础上演唱。演唱时口语般的自然, 语言和声音的高度融合一致。为实现这一点, 在演唱中更多地讲究咬字与吐字。发声比较爱靠前集中。
例如:张学友的一首中文歌曲《祝福》他委婉的轻柔声演唱。就显露了, 流行歌曲演唱上的口语化。在教学中, 我经常会让学生多唱一些张学友的歌曲, 学习他的歌曲处理的方法和技巧。
再如:大陆歌手孙楠的名曲《你快回来》这首歌虽然有高亢的声音。但演唱仍是口语化的, 无论前面诉说式的演唱或是第二段高亢激情的呐喊, 都有口语式的演唱特点。接近说话, 就好像是在对某个人诉说情怀一样。教学中, 使用这首歌曲也能很好的锻炼学生的演唱技巧。
流行歌曲在这种亲切自然坦率直露载歌载舞的基础上进行演唱的特点, 听起来使人感到耳目一新。清晰的吐字咬字, 有时像和你说话, 有时像窃窃私语, 与观众亲近而没有距离。颇受青年人喜欢。它与美声唱法不同, 美声在发音和共鸣方面都又规范的要求。难以像流行歌曲那么随和自然。但不等于不需要科学发声方法的帮助。通畅, 自然是共同的追求。因此, 我们在教学中要让学生明白, 流行唱法也是要遵循科学的演唱方法, 声音自然, 舌根放松, 让声音靠前、清晰自然, 呼吸与咬字是关键, 不容忽视。
2 在教学中自然声音的基础与唱法
颤音是利用气息与喉结的结合。使声音产生波动感, 起伏感。这种技巧常用于抒情歌曲中。颤音有很多种类, 幅度有大有小, 频率有慢有快。不同的歌手所用的颤法不同。齐秦爱用小颤, 张学友则爱用大颤, 刘德华则爱用低频率颤音, 孙楠则爱用高频率。这都需要功夫, 很多学生不会用这个技巧。但不用泄气, 这个完全可以练出来的。关键在于喉头与气息的配合, 千万不能只用喉头而不用气息, 那样的误区会使人发出一种类似羊叫的小抖音, 而不是颤音。
气声, 所谓气声则是以气带声, 在发声时, 如果气先于声出, 气多声少, 就会发出气声, 它会使歌曲的演唱更柔美。更动人心魄。是表现歌曲情感表达的技法和手段之一。曹格在《背叛》、《无辜》、《单数》等歌曲中都用到了气声, 他的抒情歌曲中, 每一首的第一段都用到了这已技巧, 都是以典型的以气带声。气声用法也要有度, 气声并不是漏气, 而有的歌手就误以为漏气式唱法就是气声, 那样容易产生误区, 气声用得过了也就成了漏气。并不是每一首歌曲都适合这以技巧。漏气的毛病, 而气声则是一种表达情感的演唱技巧。
哭腔, 哭腔是目前流行歌曲演唱中最常用的技巧之一。它是在喉间猛然加大气息而产生的爆发力。发出一种类似痛苦发出的声音。使歌曲的演唱的内容更接近生活。张学友就用得非常到位, 在他演唱的《我等到花儿都谢了》中就运用到了这一点, 新歌手杨宗纬也把这一技巧运用得淋漓尽致。哭腔用得到位可以增加歌曲的感染力, 但不可滥用。因此, 在演唱中要注意“度”的把握。
哑音, 哑音就是指在演唱过程中, 发出类似疲劳而使声音嘶哑而发出无力的声音。在有的歌曲中能起到画龙点睛的作用。例如:齐秦的《不让我的眼泪陪我过夜》中“长长来路, 走的太憔悴”可以用着技巧表现出主人公的内心忧伤及情感境遇, 使人听了被感动。
挑音, 挑音是一位优秀歌手必不可少的小技巧, 也是最容忽视的。它是在字尾声音向下滑再突然网上挑起而发出的。挑音也有大有小。
3 流行演唱的训练方法
作为一名流行唱法的学生, 想要学好声乐, 首先必须掌握正确的呼吸方法, 它是学习歌唱的基础。正确的歌唱中的呼吸关键在与呼的艺术。也就是吸好重要, 呼好更为重要。歌唱中对气息的呼入后, 要对气息进行计划使用, 就是我们常说的气息控制。人体的呼吸系统就像一个橡皮囊当挤出空气后松开力量。他就会反弹回原状。那么在歌唱中就不需要认为的吸气。吸气的技巧是要像说话一样, 是下意识的。当然, 初学者的呼吸肯定是要经过训练的, 熟练自如以后才会变成一种意识。人为的吸气会使气息僵硬, 歌唱时吸入太多空气会使喉咙, 横膈膜, 以及身体的其他部位处于紧张状态。破坏了正确的歌唱。过分呼吸的话, 很少能唱好歌。气息的吸入量要适中, 少了不够, 多了难展。
另外, 在歌唱前呼吸处于一种生理状态。在歌唱准备的时候控制住呼吸, 使之暂停运动, 等到吸气所需时间对歌唱要求时再把气送出, 使之源源不断的。这时正是歌唱所需气息。也就是说歌唱前要对气息有个控制, 在歌唱中换气也是这个道理。
当然, 吸气也是在放松, 气沉丹田的情况下。流行演唱中同样离不开气息的支持。在流行歌曲中的运用, 当它与歌曲的情感风格相吻合更有其独特性。虽说流行歌曲接近说话, 但说话和歌唱毕竟有很大的区别, 它主要是反映在音域上, 说话音域狭, 歌唱音域宽。说话只要有一个八度就够了, 歌唱是绝对不够的。气息也同样有区别。说话时气息持续“短”, 歌唱时则用气持续“长”。因而必须要有后天建立的一种能够调控的呼吸体制。
4 常见的呼吸训练的错误倾向
第一, 吸气而不注重呼气。歌唱是在呼气的状态下进行的。所以两者都重要, 要保持一个平稳的呼吸状态。
第二, 姿势而不注重实效, 认为只要两肋张开的姿态去唱歌, 就是做到了有支持的呼吸。这样做的结果常常适得其反, “保持”在大多数情况下都成了“僵持”僵硬的保持。气息不流动了, 能源供应停止了, 声音当然也就不能流动了。技巧也就失效着力点自然跑到了喉部, 歌声又如何能流畅呢?
第三, 压气提气在歌唱中是矛盾的统一, 气息是往上的, 没有气息对声门的压力又何来声音。压气是提气的开关, 排泄式呼吸就是把压气当成了目的。完全忽视了提气的主导作用。演唱中具体要求是在收下腹和鼓上腹同时工作的, 但鼓上腹的力永远不能大于收下腹的力。二者若一致就成了僵持。如果只是下腹鼓出就成了排泄式。如果只是上腹收紧声音会憋住而力度转移至喉部, 而声音发紧。总之, 要合理调控, 这就是支点。
5 结语
从共同的科学发声规律中, 努力寻找到流行唱法声音个性的一面。也就是说每演唱一首歌曲时, 从发声、共鸣部位到气息的流动等诸方面的演唱找到合理性。注意演唱中做到声请并茂, 流行唱法中的情感表现更为突出。流行唱法被广大的业余爱好者所喜爱, 由于它的普及性, 流行性及独特的演唱个性, 亦在各类大赛以及专业领域占有一席地位;因而, 不可否认这种演唱方式必有它的独到之处, 声乐界也应予重视。在教学中, 我们也要让学生正确的学习和运用流行唱法的方法和技巧。
摘要：本篇论文论述流行歌曲的演唱特点和演唱步骤, 进一步突出流行歌曲的演唱技巧, 在教学中使学生能熟练的掌握演唱技巧及方法, 因此, 基础训练必不可少。
关键词：流行歌曲,演唱,训练,技巧
参考文献
[1] 林俊卿.歌唱发音的科学基础[M].上海音乐出版社.
流行歌曲演唱技巧范文第2篇
静宁二中
王倩
一、导入
由教师演唱流行歌曲，刻意的表现出流行歌曲的演唱技巧。由学生提问，老师解答。
二、教学目标
1、让同学们基本掌握流行歌曲的演唱技巧
2、流行歌曲的演唱技巧
三、教学过程与方法
流行歌曲演唱技巧
我国现代流行歌曲是在民族歌曲和西洋流行歌曲的基础上发展起来的一种歌曲形式，流行(通俗)唱法是一种为歌曲内容服务的演唱技巧。特别是从九十年代初开始，流行唱法有了新的发展，与民族唱法明显区别开来，形成了一种具有时代特征的新唱法。从唱腔语音上看，演唱欧美风格的歌曲采用了以英语发音为基础的语音方法，在侧重口齿声音的同时，吸取了一定美声唱法技巧，唱腔显得宽广、厚实，并带有明显的英语发音特点;演唱港台风格的歌曲，采用了以粤语为基础的语音方法，在侧重口齿音的同时，加进了一定的鼻腔共鸣成份，唱腔显得轻巧、细腻;演唱民族风格的歌曲分为两种类型：一种是以北方语音为基础的语音方法，在侧重咽喉声音的同时，加进了一定胸腔共鸣，唱腔带有浓厚的北方民歌风格，声音显得粗犷、朴实。有一种更侧重咽喉声音，沙哑着嗓子唱歌，人们戏称为“沙哑派”。另一种以南方语音为基础的语音方法，在侧重口齿声音的同时，加进了浓厚的鼻音，带有浓厚的南方风格，唱腔显得宛转、柔美。
无论演唱什么风格的歌曲，流行唱法的共性特征主要有三个方面：第一，演唱音色自由，不追求象美声唱法那样规范的发声效果和统一的音色。注重自然发声方法和多样化的音色，突出演唱者自身的个性。自然发声方法就是利用先天形成音质、音色、音量，以贴近生活语言的真声歌唱。多样化的音色就是在演唱一首歌曲时，可以根据情节变化和情感表达的需要变化音色。第二，由于唱腔接近生活语言，大多采用自然、简便、快捷的呼吸法，气息用量和发声的音量比美声唱法小。因此，在舞台演唱时需要借助音响设备的扩大、混响效果来增强音量和美化声音。有一些基本功较差的通俗歌手，在清唱时音量小而音色平平，但一用上较好的音响设备，这些不足就被弥补。第三，舞台演唱借助闪耀变化的美术灯光和艺术场景设置来渲染气氛，集舞蹈表演、说唱伴唱、电声乐器伴奏为一体，追求声、情、景三而合一的特殊艺术效果。
在这里需要说明的是：流行唱法不追求美声唱法那样完美的声音品质，不等于不讲究声音品质的好坏;采用自然发声方法，不等于随便就可以唱好。流行唱法是一种大众化的、普及性较强的唱法，既有流行性的一面，又有技巧性的一面。流行性是指这种唱法容易理解、容易接受、容易掌握。技巧性是指这种唱法也象其它唱法一样讲究发声、呼吸、咬字等技巧。与其它唱法相比，流行唱法只是在技巧上的侧重点和要求不同而已。作为一般爱好者来讲，学会一些自己喜爱且又适合自己演唱的流行歌曲用以自娱，只要掌握基本技巧，演唱时把握好音调、节奏、强弱、快慢、咬字几个基本环节，就可把歌唱得似模似样了。要想成为一个具有专业水准的歌手，必须专门进行发声、呼吸、咬字、舞蹈等训练。
我国现代流行唱法是在继承民族唱法，吸取西洋唱法的基础上变化和发展起来的，在发声共鸣、呼吸用气、咬字吐字等技巧上与民族唱法和美声唱法有着内在的血肉联系，不可能断然割开。当今许多艺术水准较高的流行歌手，所应用的演唱技巧或多或少地带有民族唱法和美声唱法的技巧成份。关于流行唱法的发声、呼吸、咬字技巧及训练方法，在这里只作简单提示：
1、发声：采用发声较自然的中音区共鸣(即：以口腔为主，鼻腔、胸腔为辅的共鸣)方法，声音的着力点和集中点在鼻咽部略靠前位置，以口腔为中心进行发音混声(训练方法另有论著)。
2、呼吸：目前还没有较系统、完整的独立方法，一般是根据自身情况参照美声唱法、民族唱法或戏剧唱法的呼吸技巧(训练方法另有论著)。
3、咬字：讲究“出声、引腹、归韵”，但更强调“出声”声母发音清晰准确、果断有力(训练方法另有论著)。
四、流行唱法常用歌唱技巧简介
流行唱法中应用一定的发声共鸣及呼吸控制等歌唱技巧，目的是为了形成一系列非传统的歌唱效果。常见的歌唱技巧主要有以下几种：
1、轻声唱法：应用恰到好处的气流振动声带产生基音，基音声波通过口腔形成一定共鸣，在口、齿、舌的控制下将声音对准麦克风轻轻送出，唱出近似讲悄悄话的声音，使听者有贴近、神秘的感觉。
2、气声唱法：又称叹息法，是以气带声的歌唱方法。发声前使气息从声门透出，继而发声将字吐出，效果有如叹息和抽泣，给人一种亲切和甜美的音色。
3、“假声”唱法：声带拉紧，气流振动声带边缘发声，就是用人们通常指的“假嗓子”发声。这种方法是为增强真假声对比时表达某种特殊效果而用在歌唱的某一部分。
4、喊声唱法：用强气流振动声带，发出豪放，高亢、有力的喊唱声音，给人以热烈、激动、紧张的感觉。
5、道白唱法：是应用在乐句中的歌词密、节奏快情况下的一种唱法。使用轻巧有弹力的气息发声，咬字器官转换灵活，吐字快而不乱，接近快速讲话的方式。这种唱法常用来表达迫切、激烈的情绪。
6、甜声唱法：使用较好的头声区共鸣，混声位置在鼻咽部，声音好象从眉心飞出，带有近似儿童的声音。这种唱法音色甜蜜、纯真、优美、朴实。
7、哑声唱法：发声时喉头下压，。基音在喉腔、气管和肺腔共鸣，突出喉部的声音，唱出一种沙哑、憨直、朴实、野性的音色。这种唱法有的侧重憨直，有的侧重沙哑，就是通常人们所称的“沙哑派”。
8、低吟唱法：使用低声区的胸腔共鸣，借助话简的扩大效果，唱出低沉、宽宏的音色。这种唱法适合男中、低音歌手表达一种深沉、抒情风格的歌曲
四、课堂总结
今天我们学习如何去正确的演唱流行歌曲。但是，冰冻三尺非一日之寒，希望同学们能勤加练习。
五、布置作业
流行歌曲演唱技巧范文第3篇
廖昌永是近年来活跃于国内外音乐舞台优秀的歌唱家，多次在国内、国际重大声乐比赛中获大奖，足迹已遍及世界各地，先后与十几个世界著名交响乐团及多明戈等多位歌剧大师成功合作演出了十几部歌剧和音乐会。他的歌唱艺术既传承意大利古典美声唱法严谨统一的传统,又汲取了中国民族声乐的精髓,潇洒奔放独具一格,富有时代气息,深刻而极具内涵。对中国声乐演唱发展具有很深刻的影响。
关键词：廖昌永 演唱 影响
廖昌永出生于1968年10月25日。家乡在四川省成都市郫县，艺术气氛十分淡泊。最开始知道音乐，大概来自村头儿广播大喇叭。13岁那年，正在茂汶县中学上学的廖昌永，在学校的广播中突然听到了一首很动听的歌曲，老师说这首女声独唱的歌曲歌名叫《金风吹来的时候》，当歌曲放了几遍后，小廖已经基本会唱了。后来知道是一名叫关牧村的女中音演唱的。《金风吹来的时候》这首歌吹开了廖昌永心底对音乐的憧憬和热爱。高中毕业后，廖昌永报考了上海音乐学院。让所有人没有想到的是，廖昌永考上了。虽然当时廖昌永音乐的基础理论的理解比较差，但主考老师凭着他多年的教学经验相信廖昌永有着良好的潜质，肯定能在声乐道路上有所发展。就是这样的简单，大名鼎鼎的上海音乐学院向廖昌永敞开了大门，从此开始的他的辉煌的艺术生涯。
廖昌永的艺术风格总结为以下几点：
1、演唱作品题才广泛、雅俗共赏。对于廖昌永来说，可能几乎所有的题材的作品他都能唱，无论是从西方到东方，从美声到民族，还是从古典到流行，他都拿捏的非常准确，细致入微。
2、演唱音域宽广、音色丰富。廖昌永最具代表性的曲目是意大利作曲家罗西尼的歌剧《塞维利亚的理发师》中费加罗的咏叹调《快给盲人让路》。该曲是男中音声部中难度最高的曲目之一，廖昌永在这首歌曲中每一个高音都坚定饱满、辉煌透亮，每一句歌词语意都清晰贴切，每一个乐句都从容不迫，处理得当。
3、表演台风稳健、真挚自然。从农村出来的他, 本身的基础就不是很好, 对西洋歌剧的表现方式对他来说都十分陌生。随着时间推移、阅历的增长他观看了很多西方的电影, 到国外去看博物馆, 在法国去看凡尔赛宫, 看他们的雕塑、油画, 看他们应该是一种怎么样的姿态。从一开始的模仿，后来举一反三, 在举一反三过程当中再不耻下问去向大师们请教，才成就了今天在舞台上的控制自如的廖昌永。
4、演唱语言亲切自然、生动感人。无论是民族作品、美声作品还是通俗作品，廖昌永都能准确把握歌曲的地域风格、民族风格、文化风格，能深深的抓住各民族歌曲的灵魂，语言亲切，用情感人，把歌曲表现的淋漓尽致。 男中音歌唱家廖昌永，是我国甚至世界美声唱法较为出色的代表之一。从他的演唱中，会发现他在用全身心歌唱，他尊重乐谱忠于作曲家从体裁、风格、演唱、表现，每一首作品他都经过精推细敲，在再现原文内在含义的基础上，将原有的精华部分表现的更加鲜明和突出，甚至超出词、曲作者的预想，从而提升作品的美学品格，使作品内在的艺术生命力得到全面的展示，他的表演纯朴自然，投入到位。
廖昌永的歌唱艺术源于几位恩师的悉心教诲。他不能忘记，自己如何从一个对音乐满怀热情的农村孩子，变成一个能驾驭西洋歌剧的世界级青年歌唱家的这段经历，有许多像周小燕、罗魏那样的老师对其倾其所有，传道解惑，甚至在生活上无私的援助。正因为以老师为榜样，使廖昌永时时刻刻都揣着为祖国声乐教育事业奉献一生的使命感，并坚持活跃在校园里。这种使命感也影响到了上海音乐学院的同学们，近几年来，上海音乐学院的学生们多次参加国内甚至国际的声乐比赛，好多同学获得了可喜的成绩。这与廖昌永老师的辛勤指导和同学们的刻苦努力是分不开的，去年他曾经带领几十名毕业生排练了一部经典的歌剧《费加罗的婚礼》，也完成了上海音乐学院历史上从未有过的一次艺术实践。
廖昌永演唱作品题材非常广泛，作为一名男中音歌唱家，他勇于尝试新曲，大胆突破雅俗、声部、中西方的界限，演唱了大量的风格各异的美声、民族、包括流行音乐作品在内的音乐作品。几年以来，他花了大量的精力，演唱中国的经典歌曲，并推出了艺术歌曲、民歌和流行歌曲等多张专辑。涉足美声，民族，流行等各个领域，各种唱法相互融合，这种新的风格深深地影响了中国的声乐爱好者，早些年，国内很多的美声歌唱家认为只有美声歌曲才是最高雅的，结构标准、寓意深厚，而流行歌曲则难登大雅之堂，用美声唱法去演绎这些歌曲更是难以想象的事情。而近年来越来越多的声乐爱好者想到这种相互融合相互借鉴的方法。例如王莉、薛皓垠、张英席等等年轻的歌唱家们，他们不光美声唱的好，而且民族，通俗也很棒，这样不仅得到了观众们的喜爱，而且也让美声这种西方艺术深深的植入群众当中，扩大了古典美声艺术的影响。
廖昌永的成功更需要坚强的人格品质作支撑。他曾经许下心愿，要用五年的时间，在国际舞台上进行十部大戏的排演。几年之后，廖昌永完成了16部大戏的演出，并毫无止意，又接下了5部歌剧的演出，不论何时都保持着勤奋的良好的状态。包括廖昌永老师在内的老一辈歌唱家们成功走向世界歌剧舞台，对国内产生巨大的影响，使人们对世界舞台产生了向往，近几年来许许多多的中国籍青年歌唱家走向世界舞台并且荣获大奖，为祖国争得了荣誉的同时，一些有资历的歌唱家也开始回归祖国从事声乐教学工作，为中国的声乐教育事业做出了巨大的贡献。
此外，廖昌永还多次参加各种公益活动，1998年为了抗洪抢险义演，毅然毁约了赴法演出的合同;为了为上海APEC会议各国政要演出，从美国归来刚下飞机的廖昌永家都顾不上回直接冲向彩排现场;上海申请世博会大型演出，廖昌永多次飞往国外，最后一次甚至差点错过了妻子生产的日子。天津红十字会筹款义演，中央电视台为我国首例干细胞移植手术举行捐款义演，中央电视台承办的抗震救灾大型募捐晚会等等，廖昌永都招之急去，担当爱心大使，捐款捐物。被评为“德艺双馨艺术家”的廖昌永在中国声乐界有着很大的影响，他正是用自己的所作所为来证明：只有把与社会的命运，观众的悲喜联系在一起，歌唱才有真正的生命力，才会真正的永葆青春。用朴素来概括这位艺术家，朴素的外表、朴素的话语、朴素的歌声，但给人们留下的是人民艺术家挥之不去的印象。
流行歌曲演唱技巧范文第4篇
在歌剧选段的第一句“恨似高山仇似海”。按照常规，演唱者常在“山”字之后换气，作一个气口的处理。彭丽媛根据自己的特点和剧情中情感表达的需要，这一句作出了三次气口的处理—“恨似高山一仇似-海···-…”。前两次分别在“山”字和“似”字后换气，这是“喜儿”仇恨情感的积蓄，第三次换气是在“海”字的拖腔中间增加了一个气口，而且在“似”字和“海”字中间的气口处，停顿时间当中，伴奏的打击乐器足足由慢至快地敲打十下之多，“海”字才从弱到强地唱出来，犹如惊雷爆发，将“喜儿”心中的万千仇恨宣泄得淋漓尽致，更加使“喜儿”形象鲜活地展现在观众面前。当“喜儿”逃入深山，变为“白毛女”以后，舞台服装和造型也做了很大的变化—头发变白，衣衫破旧。这样的变化不仅给观众以视觉的冲击，更加展现了旧社会的黑暗。
例如，“响雷啊”一句中的“雷”字，彭丽媛就运用了上滑音，对“雷”字作出了夸张、形象化的刻画和处理，强烈地烘托出了当时剧情的环境，更充分表达了“喜儿”此刻愤怒的心情。
彭丽媛运用的拖腔将“喜儿”愤慨、无助的心情，表现的淋漓尽致，如“，恨似高山仇是海”一句中的“山”和“海”字“我又来”的“来”字(“老天爷睁眼，我要报仇”一句中的“仇”字“我我我浑身发了白”一句中“我我我”的三个顿音的润腔，充分表现出了“喜儿”对旧社会的控诉;在“好，我是屈死的鬼”一句中“好”字上的甩腔.更充分表达出喜儿定要报仇的决心
2“大胆是取得进步所付出的代价。”“应该相信，自己是生活的强者。”为什么不能静下来好好思考下，到底《悲惨世界》给我的思想上留下了什么?对现在的我又有哪些方面的启示?
就像冉阿让一样，以自己的方式生存，不会因为谁而改变自己的初衷。如果这也是考场作文性质的写作，我想会有很大的代价等着我，就像冉阿让因偷了一片面包而被沙威一直穷追欲将其投进监狱。
在看《悲惨世界》的时候，我甚至觉得自己就是个名副其实的“愤青”。冉阿让只是犯了一个不能算是错的小错，即使是错，也不至于要一直背负苦役犯的罪责，顽固的沙威却还是誓将他抓获，即使在他痛改前非之后。但是，沉默之后才会真正发现，这些并不是沙威的错，这是时代的错，是社会的错。生活在任何一个时代，都有这个时代背景，以及它的社会环境留下的印记。
冉阿让有冉阿让的悲哀，沙威也有沙威的无奈，说他们有错，他们都有错，若说他们没错，其实也都没错。沙威只是以自己的方式来维持他的生活模式而已。即使是正确的人，在错误的时间、错误的地点出现了，他就成了所有人都痛斥的对象。这对沙威也是很不公平的待遇。我觉得。
在这样荒唐的时代里，珂赛特无疑是个幸运儿，有芳汀这样爱她，为她付出的母亲，失去了母亲之后，还有冉阿让这样保护她的父亲。我记得冉阿让把珂赛特就出来之后，他那份不惜任何代价都要保护她、照顾她，不让任何人伤害她的毅力，让他的整个人生变得完整了。他说，只要有我在，我不会让任何你动你一根头发的。一个真正意义上的男人，就该有所担当，就像冉阿让对珂赛特的一种责任，也是冉阿让对她妈妈的一个承诺。这成了冉阿让后来生活的重心。
不轻诺，诺必果。冉阿让做到了，但是当下这个提倡和平的时代里，又有多少人能做到这简简单单的六个字呢?!冉阿让的人格魅力就是在这样简简单单的对比中熠熠生辉的。
不知不觉中，他们的立体形象又出现在脑海里，一遍一遍重复电影里出现过的画面，我突然觉得自己是如此词穷，不知道该用怎样的词汇描述自己的感触，文字原来也有如此苍白无力的时候。原谅我没有职业影评者的风范，原谅我没有一般的观后感方式，但是，我宁愿靠我自己的力量，打开我的思想，而不愿遭现成品污染(改编自原文中“我宁愿靠自己的力量，打开我的前途，而不愿求有力者垂青。”一句)。
有人说，我有文字洁癖。的确，我不喜欢相同的文字出现，因为我相信每次文字的组合都是一个创造奇迹的过程。就像，这部作品中，我最喜欢的那两句话：“大胆是取得进步所付出的代价。”“应该相信，自己是生活的强者。”就像冉阿让一样，用自己的方式生存，用自己感化周遭的人。
我希望，冉阿让没有离开，或者，还会回来。当然，我也相信，在更多方面，我们都能像冉阿让一样，让自己成为自己，不管是行文还是日常的生活。
因为：冉阿让不再只是一个人，更是一种高尚人格魅力的代名词。只要有心，每个人都能成为当今时代的冉阿让。
3卡门(四幕歌剧)比才曲，作于1872年。梅尔哈克和阿勒维根据梅里美的同名小说改编。
故事描写军官唐霍塞与走私组织中的吉普赛女郎卡门相识，坠入情网，参与走私。卡门不久又结识斗牛士埃斯卡米罗，并双方谈定，如埃斯卡米罗斗牛获胜，则卡门甘愿下嫁。最后，斗牛场上眼看埃斯卡米罗胜利在望，唐霍塞妒火中烧，突然刺死卡门，酿成悲剧。
在音乐中，比才把浓郁的民族色彩，个性鲜明的音乐语言。富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国喜欢歌剧传统的表现手法熔于一炉，此部歌剧有十多段著名的合唱曲，体裁多样，风格独特。创造了当时法国歌剧最高成就。
歌剧《卡门》已成为所有歌剧院中最受观众欢迎、表演次数最多的作品。它还被改成了舞剧、音乐剧，并通过电影电视传到了千家万户。歌剧中那些著名的
曲段，包括具有挑逗性的《哈巴涅拉舞曲》和《塞吉迪亚舞曲》、《斗牛士之歌》以及第一幕和第四幕的序曲等都已脍炙人口。
《斗牛士之歌》听后使我印象深刻，听后我感觉它节奏非常有力、声音雄壮，它成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象。音乐鲜活，音乐雄壮威武，舞蹈风格阳刚味十足。歌曲和符合当时的场景。把故事推上了一个高潮，同时把人物也表达更贴切而又有力度。使人百听不厌。对《卡门》的理解更透彻了。
《卡门》的中还让我印象深刻的是对人物的艺术创造。我觉得卡门敢爱敢恨、自由、奔放，为了自由、爱情、敢于争取、乐观、向上，敢于打破常理，敢于牺牲，体现出冲破自由枷锁的勇气。但当现实存在不信任、不符合理想时，则重新追求属于自己的自由。男主角则是不敢爱不敢恨，又在诱惑前迷失自己，当失去时不能洒脱，追逐得失，喜欢控制、羁绊自由。为了自己的私利和过去，没有胆量去承担，而是为了自己的荣誉、尊严去毁灭一切，用悲观去面对失败，暗示了人的不可跨越的命运。
《卡门》中所描述的爱情，不由令我想起了匈牙利诗人裴多菲的诗——“生命诚可贵/爱情价更高/若为自由故/两者皆可抛。” 但也正是由于卡门她的自由，她的魅力，世故的人们因为自己的原因而怪罪于她，她死于她的无辜，她甚至不知道为了那个可怕的结局而掩饰或是敷衍。卡门的敢爱敢恨，导致了她可悲的下场，她死于世俗。不能说卡门的爱情观是对是错，但它却是最自由、最令人叹息的。即使是在今天，她如此自由的爱情也不能完全被社会所接受，但是，这的确是我们所真正追求的，我们向往那种自由的爱情。爱就是爱，不爱就是不爱。没有自由的爱情是不会有幸福。只有在自由的前提下，爱情才会开出美丽的鲜花，才会有甘甜的蜜。爱情不能束缚生活，爱情是自由的鸟儿。
这不禁使我想到了我们自身，不光是爱情，在各个方面，抛开故事，抛开人物的对与错，难道我们不能学习卡门身上的敢于争取、乐观、向上的人生态度吗?每个人都有自己的信仰，都有做人的原则和宗旨。我也是。每天都开开心心，让周围的人都开开心心的。每个人都是生命的主角，让生命精彩，绽放光彩。崇尚乐观，享受自由。不应该为任何事情改变自己，保持自我，不管在谁面前
4彭丽媛，1962年11月20日出生在山东耶城的一个音乐家庭。父亲是县文化馆的馆长，母亲是县剧团的演员。她的童年差不多是在看着母亲的每一次演出中成长起来的。在“文化大革命”那段困苦的日子里，歌声成了她生活中唯一的色彩。应该是继承了母亲的天赋，彭丽媛从小就跟着母亲学唱歌，学啥像啥。“文革”结束后，山东省艺术学校恢复招生，彭丽媛音乐梦想的大门终于开启了。在《艺术人生》的节目中，彭丽媛回忆当年报考艺校时的境况，这是她步入专业艺术殿堂重要的第一步。“当时弟弟住院，父母都不能陪考，是郓城一中的一个音乐老师高老师陪同去赶考。当时就住在济宁的邪城汽车转运站，感觉最满意的是每天能喝几壶开水。妈妈就告诉说:„到那儿要用嗓子，要唱。为了不让嗓子上火，让嗓子亮，一定要不停地喝开水‟。由于当时长得有些瘦小，主考的老师就没把这
个土气的黄毛丫头放在眼里，以至于去了几次都被拒之门外，让等别的考生考完再来。可彭丽媛坚强、执着的个性使她一定要坚持，要证明自己才是最好的。一曲《太阳最红毛主席最亲》使所有在场的老师眼前为之一亮，她成功了!1978年，彭丽媛正式成为山东省艺术学校的一名学生，开始走进自己的音乐王国。
彭丽媛的专辑《源媛流长》精心收录了13首具有不同浓郁民族风格特色的中国民歌。包括歌曲《美人》、《燕子》、《嘎达梅林》、《沂蒙山小调》、《茉莉花》、《十送红军》、《嘎哦丽泰》、《小白菜》、《牧羊姑娘》、《三十里铺》、《小河淌水》、《在那遥远的地方》、《新疆好》。这些歌曲的旋律是已有的，但在音乐的形式上进行了改编，使歌曲在编曲、配器上更加的国际化、流行化。用彭丽媛自己的话来说，就是“万变不离其宗—中国的根，世界的音!” 彭丽媛主演、首演的歌剧有《白毛女》、《党的女儿》、《悲沧的黎明》、《木兰诗篇》;参加制作并演出的中国歌剧经典唱段有《小二黑结婚》、《江姐》、《刘胡兰》、((洪湖赤卫队》、《红珊瑚》。她在歌剧《白毛女》和《党的女儿》中的成功表演，使她分别夺得了中国戏剧表演界的最高奖项“梅花奖”和中国文化部颁发的“文华奖”。“歌剧《木兰诗篇》的曲作者关峡对彭丽媛塑造的„花木兰‟这个角色有这样的评价:„她对人物内涵的理解之深，并通过大开大合的音乐精确地表现出来，其用声之自如、张弛，其抒情之委婉、豪放，其表演之出神入化，堪称当代中国歌唱家之最‟。”《木兰诗篇》的成功演出，她获得了林肯艺术中心艺术委员会颁发的“杰出艺术家”奖。
5 自然、柔美、真挚、幽雅
《甜蜜蜜》虽然是爱情歌曲，却表现出清新的味道，邓丽君在情歌上的论释力是特别到位的，她能用自己丰富的心灵读懂每一首歌的内涵，再用自己富有表现力的歌喉把那复杂的情绪表现出来
《在水一方》她在演绎这首歌曲时，也特地把情感与诗意放在其中，表现了如真似幻的意境，即兼顾了艺术歌曲的技巧，又不失通俗的味道，让整首歌有了多种唱法的融合，超凡脱俗，深受听众喜爱
《千言万语》在这首歌中，邓丽君以成熟、娇柔的嗓音，同时借助于歌唱技巧的掌握，让情歌展现出全新的风貌邓丽君的演唱中有独特的中国民谣式唱腔，也有浓郁的日本式曲风。她这时期的歌曲受到日式演唱风格的极大影响，在原有的纯熟曲风中，更加入哀怨、凄美的风格，加上歌唱技巧的掌握，让邓丽君的情歌展现出全新的风貌。她的声音更加奔放，歌唱的感情更加丰富。听了邓丽君的歌声，仿佛聆听着另一个世界的声音，她的声音柔肠百转、清新悠然、灵动俏皮。她的人已经融入了她的歌声，在袅袅婷婷和余音缭绕中，使我们得到了从未有过的享受。
邓丽君的另一种风格《淡淡幽情》即古典诗词和现代音乐的融合,在歌曲《水调歌头 但愿人长久》中钢琴与弦乐的演奏将邓丽君怡然自得的声音衬托得非常完美，把美丽的月色、时光的悠远与人生一瞬间的绚烂表达的淋漓尽致。这首歌曲中，邓丽君以略微轻快的节奏，演唱着“明月几时有，把酒问青天”时歌曲呈现出一番清平景象，她淡淡地唱法，把气氛营造得颇为闲淡。
6我比较喜欢流行歌曲，唱的时候总能体会到其中的感情。一方面，歌词描述的场景和现实很贴切的时候，就更能唤起内心深处的情感;比如，听周杰伦的《听妈妈的话》的时候，就能体会到家长对孩子们的关心，对孩子的长远的发展的用心，比如《今生共相伴》，这首歌很能表达男人温柔的一面。另一方面，曲调也对气氛的渲染起到非常重要的作用，还有很多时候，一首歌的歌词听不清楚，但
流行歌曲演唱技巧范文第5篇
千百年来, 在各类艺术创作中, 思乡一直都是一个永恒的主题。中国艺术歌曲的发展历史虽然仅有百年, 但是不同的时段均有多首思乡主题的佳作。首先是二十世纪初。二十世纪初, 艺术歌曲从西方传入中国, “艺术歌曲在欧洲时表现在题材选用上, 多用名人名诗来谱曲创作或填词创作, 以此来表达诗歌意境的灵感。”一些海外留学的学子也纷纷归来, 如黄自、萧友梅、赵元任等, 成为了中国音乐发展的中坚力量。而由刘半农作词、赵元任作曲的《教我如何不想她》, 则是思乡主题的开山之作。歌曲中出现的“她”正是祖国母亲。词作者刘半农当时正旅居英国, 而祖国却处于水深火热和内忧外患中, 诸多海外游子无时无刻不在牵挂着祖国的安危, 并怀着深深的思念创作出了这首佳作, 直到今天还在广为传唱。
期间, 在战争的影响下, 无数人远离故土, 颠沛流离。很多音乐家也有感而发, 创作出了多首思乡主题的佳作。如《松花江上》、《长城谣》、《嘉陵江上》、《故乡》等, 这些作品真正唱出了当时国人的心声, 所以在华夏大地广为传唱, 成为了时代的记忆。最后是二十世纪五六十年代。
新中国成立后, 中国走上了民族独立、自由、幸福的道路。而与此同时, 仍有上千万的华人华侨分布于世界多个国家和地区。祖国的日渐繁荣, 也使他们对祖国的思乡之情愈演愈烈。影片《海外赤子》中的《我爱你, 中国》就是在这一背景下诞生的, 作品通过一个个精准意象的选择, 在观众面前展开了一幅从北疆到南国的壮美画卷, 让海外游子魂牵梦萦。近年来, 以执着于爱国题材创作而著名的作曲家陆在易, 又将爱国政治家于右任先生的《望大陆》谱写成曲, “天苍苍, 野茫茫, 山之上, 国有殇”, 字字珠玑, 句句肺腑, 将对大陆的思念之情抒发的淋漓尽致。可以看出, 在中国艺术歌曲发展历史中, 思乡主题的佳作从未缺席, 既是中国艺术歌曲重要组成部分, 也成为了时代发展的见证者和记录者。
二、思想主题艺术歌曲代表作分析
(一) 思乡主题的开山之作——《教我如何不想她》
由刘半农作词、赵元任作曲的《教我如何不想她》, 是思乡主题艺术歌曲的开山之作。刘半农是著名的语言学家, 当时旅居英国, 并对祖国思念不已, 提笔写下了这首佳作。首先, 从歌词角度来看, 全词的声韵变化是十分灵活的, 包含发花、中东、遥条等多个辙晕, 充分展示出了汉语的辙韵之美。在此基础上, 刘半农又对句法和节奏进行了巧妙安排。在句法方面, 均采用了七字+七字+九字+七字的形式, 分别起到起、承、转、合之用, 最后都落在“教我如何不想她”。在节奏方面, 多个意象都采用了2+3+2的节奏, 读起来朗朗上口, 又给人以环环相扣之感。其次, 从作曲角度来看, 针对歌词的结构形式, 赵元任的曲式设置也是灵活自如的, 通过多次转调形成了分节变奏曲式, 并实现了首尾呼应。而且整个旋律发展变化也是与歌词的句式变化有机联系在一起的。同时, 作为民族音乐发展的领军者, 赵元任还为作品注入了鲜明的民族色彩。整个作品是以五声调式为基础的, 而核心乐句“教我如何不想她”, 则借鉴了京剧过门的曲调, 真正实现了中西融合, 相得益彰, 为后来的艺术歌创作产生了重要的影响。
(二) 思乡主题的当代言说——《望乡词》
思乡都是各类艺术创作中最常见的主题。《望乡词》原词是《望大陆》, 作者是爱国政治家、诗人于右任先生。年过八旬的于右任登上阿里山, 自知有生之年再无可能返回家乡, 禁不住心中的悲苦, 写下了这首词。“葬我于高山之上兮, 望我故乡, 故乡不可见兮, 只有痛哭, 天苍苍, 野茫茫, 山之上, 国有殇。”全词虽然极为简短, 但是却足以震撼人心。作曲家陆在易多年来一直执着于爱国题材的创作。这部作品使用了二部曲式。先是用和弦外音来营造出悲苦的氛围, 然后用深情的旋律来表现乡愁。特别是对戏曲演唱中哭腔手法的借鉴, 更是让全曲的情绪跌至最低谷, B部中, 作者先是通过三连音为音乐发展注入动力, 然后用钢琴来表现主题, 并用感叹词“啊”、“哦”作为衬托一步步将乐曲发展推向高潮。尾声部分则采用重复手法, 给人们留下了无尽的思考和感叹, 堪称是表现同胞思乡的典范之作。
三、思乡主题艺术歌曲演唱分析
(一) 以分析作品为基础
艺术歌曲作为诗词和音乐的完美融合, 是有着深刻内涵的。这一点从诸多佳作对乡愁的表现也可以看出。短短的一首歌曲, 却能够给人们的内心带来极大的震撼。所以在该类艺术歌曲演唱, 一定要将全面分析作品作为前提。具体来说, 首先是对作品文本信息的分析。包含词曲创作的个人信息、作品的时代背景、作品的主要内容等, 由此获得对作品的初步把握。
其次是对作品音乐信息的分析。包含作品的曲式结构、旋律特点、节奏变化等, 并对作品的音乐特点和风格进行体验。以上述两方面的分析为基础, 可以以哼鸣的形式对作品进行尝试演唱, 此时并不对声音质量有过高要求, 而是重在检验之前的体验是否准确, 还有哪些不足之处等, 然后予以有针对性的完善。
(二) 以扎实技术为保障
艺术歌曲的演唱本身就是具有一定难度的, 特别是思乡主题的作品, 因为作品的情感是真挚、炽热的, 所以更对演唱者的技术提出了全面的要求。一方面, 演唱者应具备扎实的演唱基本功。很多演唱者在具备了一定的演唱水平后, 便忽视了基本功的训练, 这显然是不可行的, 要将基本功训练贯穿于演唱生涯的始终, 使自己始终保持在良好的歌唱状态内, 随时随地适应任何演唱需要。另一方面, 演唱者要有机把握“情”与“声”的关系。因思乡主题作品的情感表现都是真切动人的, 所以很多演唱者在演唱时, 由于情感的过于投入, 在唱高音时唱破音, 唱低音时泣不成声, 在很大程度上影响了声音表现。所以需要演唱者对两者的关系进行有机的平衡, 获得情感抒发和歌唱效果的完美统一。此外, 还需要演唱者广泛参与到各类实践活动中, 通过一次次的历练, 逐渐形成稳定的心理状态和丰富的实践经验, 继而全身心投入到角色塑造中去, 当观众看到台上是活灵活现的角色, 而忘记了这是一名演唱者时, 整个演唱也就获得了最本质的成功。
(三) 以丰厚修养为辅助
“诗是歌的源泉, 而艺术歌曲是一种诗与乐的结合渗透体。”艺术歌曲本身就是一门诗乐融合的艺术, 而且与历史、社会、文化等均有着十分密切的联系。所以演唱者的综合文化修养越丰厚, 理解和体验作品的视角也就越多元。以思乡主题为例, 有经验的演唱者在面对这个主题时, 就会主动回忆自己相同或相似的经历, 如果没有, 这可以通过文学和影视作品等进行借鉴。在演唱时, 也会化身为作品的主人公, 由此获得情真意切的演唱效果。
反之, 如果演唱者仅掌握了娴熟的演唱技术, 而没有文化修养作为辅助, 歌唱也就失去了灵魂。所以演唱者应树立起终身学习的意识, 不断扩展知识层面, 丰富人生阅历, 成为一个博学善思、乐学好知的演唱者, 这对于个人演唱水平的提升和艺术发展来说都是大有裨益的。综上所述, 正所谓“月是故乡明, 人是故乡亲”。无论是古今还是中外, 思乡一直都是各类艺术创作永恒的主题。二十世纪初, 艺术歌曲传入中国时, 正值中国的内忧外患时期, 有不计其数的人们远离故土, 有家难回。
所以创作和演唱艺术歌曲就成为了他们抒发和排解的思乡之情的重要方式, 并与听众形成了强烈情感共鸣, 成为了中国艺术歌曲不可或缺的重要组成部分, 所以在今天的艺术歌曲欣赏和演唱中, 应对这些情感真挚的佳作有充分的重视, 深刻体验和表现这种思乡之情, 让这些佳作得到更加广泛的传播和认可。
摘要：在中国艺术歌曲百年的发展历程中, 曾涌现出了多首思乡主题的佳作, 既是中国艺术歌曲中一道独特的风景, 也见证着时代和社会的发展。鉴于此, 本文简要回顾了思乡主题艺术歌曲的历史, 从创作和演奏两个方面, 对多首佳作进行了具体分析, 以期获得更加深刻的认识。
关键词：思乡主题,艺术歌曲,创作分析,演唱分析
参考文献
[1] 张吕秋.论五四时期艺术歌曲的创作风格与演唱特色[J].当代音乐, 2016 (19) :57
流行歌曲演唱技巧范文第6篇
在声乐作品的演唱过程中, 将完整的情感表达给观众是需要个人训练和演出技巧的, 在这个过程中, 最基本的呼吸、位置和共鸣就是演唱者对于歌曲情感表达的关键。可以说它们互为影响并相互制约。首先, 从吸气的动作开始, 就要结合歌曲的情景, 将呼吸融入进歌曲中, 将二者结合, 并且辅之相关的动作以及表演, 把歌曲的情感准确抒发出来。另一方面, 位置与共鸣是演唱歌曲出彩的关键, 没有高位置就不会出现很富有张力的声音, 缺乏共鸣则会声音厚度不够, 感情不足, 这两者都为歌曲情感的抒发做了铺垫。久而久之, 演唱者就会形成情感记忆, 从而能在真实演唱时更加自然的流露情感。
声乐作品往往包含多个地域, 各种形式, 区域性、民族性特征明显。不同的歌曲有不同的文化背景和文化内涵, 但都代表着各个地区的文化属性。歌唱者在演唱歌曲之前, 必须依靠自己的文学素养积累, 将歌曲的背景和思想感情琢磨透彻, 从而找到作者所要表达的主旨, 用真情去演唱。并且结合旋律、歌词、表情、动作、服饰等表达作品情感的同时, 也会将作品的文化内涵一并展示出来。文化内涵是指文化的载体所反映出的人类精神和思想方面的内容。在歌曲演唱中, 歌曲是文化的载体, 而通过演唱者演唱方式以及对于歌曲情感的处理, 结合当地文化背景所呈现给观众们的情感共鸣则是深层次的文化内涵, 在一次一次的情感共鸣中, 情感内涵更是得以升华。所以说, 情感表现有利于文化内涵更好地传递。
优美的声音是声乐作品演唱中的基础, 如果声音从一开始就不对, 也就没有办法吸引观众欣赏的欲望。
在声乐作品的演唱中, 演唱者不仅仅是在唱歌词, 更是在唱“情感”。也就是说, 演唱者更是应该重视情感的表现。在演唱不同作品时, 要注意把握不同歌曲的意境, 选取不同的音色来进行演唱, 例如, 地方民歌使用当地方言演唱才更有味道;意境浑厚的歌曲, 也必须采用浑厚的声音来演唱, 这样才叫做符合歌曲的意境。所以, 演唱者在演唱作品之前一定要认真理解作品, 只有这样才能使歌曲富有感染力。歌唱者用优美的声音再结合作品真实的情感, 完美地将歌曲献给听众, 使听众能够产生强烈的共鸣, 才能凸显出歌曲的活力与魅力。
2 声乐演唱中的演唱技巧
在声乐演唱中的技巧是丰富多样的, 包括歌唱的呼吸、共鸣、咬字吐字发音、演唱位置、换气等等, 这些演唱技巧联系紧密, 共同融合到了声乐作品的演唱过程中。
首先最为重要的就是“呼吸”。歌曲在演唱的过程中, 需要气息的持续支持才能够保持歌曲演唱的连贯和完整, 它是声乐中最基本的部分, 有句老话说的好“谁懂呼吸谁就会唱歌”, 歌唱的呼吸艺术就是是腹部一鼓一缩, 无限循环的艺术。呼吸动作的完成在演唱过程中是分音区的, 在中低音声区的时候, 不需要特殊的动作, 而是让气息均匀、平稳、自然地呼出, 而在高声区的时候, 更多的就是呼吸的循环和持续支持, 往往都是需要紧张起来, 促进肌肉的支持力, 一来一往, 从而构成正确的歌唱呼吸。
其次就是喉咙的打开。打开喉咙是声乐演唱中的重要环节, 如果喉咙打不开则会出现声音不流畅、嗓子容易疲劳的问题, 长此以往, 形成肌肉记忆之后, 对于歌唱也是一种阻碍。那么目前比较有效的解决办法就是“打哈欠”。利用瞌睡时打哈欠的喉头位置来发声, 将喉咙两边的肌肉往下拉, 保持吸气状态唱歌, 注意千万不要压舌根, 否则会影响音的质量。
最后就是合理运用共鸣。声乐演唱过程中发出的声音音量是有限的, 有时甚至是微小的, 所以我们就要合理运用共鸣腔体, 扩大共鸣, 从而美化声音, 使声音变得美妙动听。
声乐是一种独特的艺术表现形式, 是人类表达情感的艺术。在声乐作品的演唱过程中, 情感是歌唱者自行体会并且表演出来, 最后跟观众一起产生共鸣的, 表达情感是歌唱的生命, 也是声乐艺术的重要特征。运用在歌唱的创作的情感, 用心灵演唱, 将情感与演唱技巧尽力结合, 与听众架起心灵沟通的桥梁, 使歌唱成为美好的享受, 由此看来, 在声乐作品演唱中, 情感表达与演唱技巧是十分重要的。
摘要：声乐是一种独特的艺术表现形式, 是人类表达情感的艺术。情感是影响歌唱者声音质量、表情动作和演唱效果的重要因素, 因此, 在演唱过程中, 演唱者必须使自己的内心世界与歌曲感情完美统一, 才能收到良好的歌唱效果。情感会影响演唱过程中的很多方面, 比如声音质量、演出效果和与观众的共鸣等等, 所以歌唱者在演唱作品的过程中要重视演唱歌曲的完整性, 跟观众创造更多的互动过程, 这样才能在演唱中准确地表达出歌曲的情感。富有情感的音乐往往能引起人们的情感共鸣。在歌唱中, 只有将演唱技巧和情感表达做到完美统一, 才能跟听众产生共鸣, 从而展现艺术的美。